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 BREVE
HISTORIA
En 1992 finalizan en Aranjuez una serie
de intervenciones públicas que cambian la fisonomía
de la ciudad que se ve liberada de la carretera a Andalucía,
recuperándose para la vida diaria de los vecinos
la magnífica plaza de San Antonio en su diseño
original.
También comienza su andadura el Centro Isabel
de Farnesio, que será a partir de ese momento
el eje de la cultura ribereña con el conservatorio
y su auditorio, la biblioteca y la sala de exposiciones.
En los Jardines, la mayor atracción para el
visitante, Patrimonio Nacional ha acometido importantes
reformas para su mejor conservación. La Unesco
concede a Aranjuez en el año 2001, la categoría
de PAISAJE CULTURAL DE LA HUMANIDAD.
La Unesco reconoce así el esfuerzo institucional
para devolver a la ciudad lo mejor de su historia a
través de las restauraciones arquitectónicas,
paisajísticas y culturales.
Al ocupar la música un lugar privilegiado en
la historia de la ciudad, desde el reinado de Felipe
II a nuestros días, se comienza a pensar en un
evento musical de carácter internacional.
El festival de Música Antigua se crea en 1994
para recuperar la ingente creación musical de
siglos pasados, para dar a conocer las actividades musicales
que tuvieron lugar en la ciudad así como mostrar
el altísimo nivel artístico de los artistas
que desfilaron en los diferentes momentos históricos
y la influencia que su trabajo ejerció en el
resto de España y en Europa.
1994: Primer Festival. Institución organizadora:
Comunidad de Madrid
Colaboradores:
Ministerio de Cultura. INAEM.
Ayuntamiento de Aranjuez
Radio Nacional de España. R2-Clásica.
1998 -2000. Entra a formar parte del Festival de Otoño
de la Comunidad de Madrid.
2001. Recupera su propia identidad, se trasladan los
conciertos al mes de mayo-junio. Se incorpora a las
instituciones organizadoras Patrimonio Nacional. Comienza
el programa Paseos Musicales por los Jardines de Aranjuez
y los conciertos en el Palacio Real.
MÚSICA
ANTIGUA
La Música Antigua es un movimiento que añade
a la interpretación y al repertorio musical un
concepto histórico, es decir, se investiga la
música de cada época para buscar el sonido
original de los instrumentos de ese periodo, y a su
vez explorar su función en la vida cotidiana
de la comunidad, descubriéndonos costumbres,
hábitos, fiestas, juegos, creencias y tradiciones
olvidadas.
Música Antigua Aranjuez se enfocó desde
un principio como una plataforma de difusión
de la música española, desconocida en
nuestro país e inexistente en el entorno europeo,
dónde hablar hoy de la música del pasado
es hablar de la de Alemania, Inglaterra, Italia o Francia.
El festival comenzó a colaborar con músicos
y musicólogos para dar salida al trabajo de investigación
sobre partituras y músicos olvidados, con una
clara vocación de contribuir a enriquecer nuestro
patrimonio musical y cultural.
ARANJUEZ
CIUDAD DE LA MÚSICA
Aranjuez comenzó en ese momento a definir en
el ámbito cultural de la Comunidad de Madrid
su espacio como ciudad de la música, de la misma
manera que Alcalá de Henares, por razones obvias,
se había configurado como ciudad de las letras.
El festival se sumaría a ese perfil musical de
la ciudad, incorporándose a la actividad del
Centro Isabel de Farnesio y evidenciando la necesidad
de la rápida recuperación del teatro de
Carlos III, para completar el mapa cultural de la ciudad.
INCORPORACIÓN
DE PATRIMONIO NACIONAL
Con la incorporación en el año 2001 de
Patrimonio Nacional a la organización de Música
Antigua Aranjuez el festival da un salto importante
en sus objetivos artísticos y sociales.
El primero, con la creación del programa Los
Paseos Musicales por los Jardines, que ofrece al público
la posibilidad de hacer un recorrido relajado por los
jardines, acercándose, por las explicaciones
de los guías, a la botánica y a la historia
de los mismos, los reyes que los construyeron, los arquitectos
que los diseñaron, los jardineros que los realizaron,
los escultores que los adornaron, las personalidades
que los visitaron así como las fiestas y actividades
que se organizaron en ellos.
La música que se interpreta en los lugares mas
significativos de estos jardines esta siempre vinculada
a esta historia y los músicos explican todos
los pormenores de la misma, como algún aspecto
curioso de sus compositores, la función para
la que fue compuesta, cómo ha sido el trabajo
de recuperación, dónde se han encontrado
las partituras, cómo llegaron hasta allí,
las particularidades de los instrumentos…etc.
La visita guiada a los jardines y la música
que se escucha en ellos es un programa que atrae a un
público más amplio que el interesado en
asistir a un concierto en una sala. Además, la
visita a los jardines descubre muchos aspectos desconocidos
del propio jardín y aviva la curiosidad por la
botánica, la historia y la música.
El segundo aspecto importante de la incorporación
de Patrimonio Nacional, es que el festival pudo ampliar
la oferta de recintos y adecuar de una manera más
precisa el repertorio musical a la sala de audición.
La Capilla de Palacio con una extraordinaria acústica
para las voces y la Sala del Teatro, excepcional para
los instrumentos, resultan muy atractivas para el público
que asiste a un concierto por lo que va a escuchar y
descubre un entorno absolutamente extraordinario, rebosante
de arte.
La proximidad entre músicos y público
que ofrecen ambos espacios hace que la comunicación
entre el intérprete y su audiencia sea única.
GRABACIONES
En la pasada edición del año 2004, pudimos
realizar las grabaciones de los primeros tres proyectos
discográficos sobre programas presentados en
el marco del festival y que se editarán en 2005,
con el sello creado especialmente para estos proyectos
Música Antigua Aranjuez Ediciones, que tendrá
distribución mundial con Harmonia Mundi.
La primera grabación, a cargo de Los Músicos
del Buen Retiro, recupera la ópera "Las
Amazonas de España", en versión de
cámara, sobre libreto de José Cañizares
y música de Giacomo Facco, en su primera representación
pública desde el siglo XVIII.
Se trata de la recuperación de una obra que
vió de nuevo la luz en Aranjuez y que obtuvo
un reconocimiento extraordinario de crítica y
público.
Del grupo Axivil grabamos "La música en
el tiempo del Motín de Aranjuez", colección
de músicas de compositores del momento que derrocharon
una gran fantasía uniendo, ritmos populares,
un clasicismo camerístico impecable y la tradición
de la tonadilla escénica.
El tercer disco, también interpretado por el
grupo Axivil, "Sarao Barroco" trata sobre
música española del siglo XVII, que reproduce
el sonido que podían tener esas músicas,
con una combinación instrumental que sólo
en España podría darse: violín,
violonchelo, tiple, mandola, bandurria, guitarras, castañuelas
y pandereta.
Para esta edición del 2005 queremos completar
esta edición discográfica con la edición
musical de las partituras de estas obras y sus análisis
críticos.
Por celebrarse el doscientos aniversario de la muerte
de Luigi Boccherini, editaremos este año la OPUS
9, nunca grabada, interpretada por el cuarteto Artaria
en coedición con la Asociación L. Boccherini,
proyecto que explicaremos mas adelante.
PUBLICACIONES
1.- Catálogo Editorial.
Estamos ultimando la edición de las partituras
y el aparato crítico sobre la música grabadas
en la edicón pasada: Las Amazonas de España,
el Sarao Barroco y La Música en Tiempos del Motín
de Aranjuez. La edición será distribuida
por Ediciones Bocaccio de Madrid.
Para afrontar con rigor este catálogo editorial
hemos llegado a un acuerdo con un comité científico
dirigido por el musicólogo Alvaro Torrente, profesor
del departamento de musicología de la Universidad
Complutense con el que tratamos de garantizar un programa
editorial coherente que ilumine la música en
España, principalmente del siglo XVIII.
El comité reúne a musicólogos
y músicos en un esfuerzo de, no sólo investigar
en partituras perdidas de nuestro Patrimonio Musical,
sino a través del festival interpretarlas cada
año, grabándolas además para ser
editadas discográficamente.
2. Colección de libros. Acuerdo con La Asociación
Luigi Boccherini.
Para la edición 2005 queremos comenzar las primeras
publicaciones de la colección de libros vinculados
a la temática de música española
entre las que se encuentran la edición del libro
"Fiestas Reales" que escribió primorosamente
Farinelli y del quién se cumplen trescientos
años de su nacimiento (1705-2005) y una biografía
de Luigi Boccherini publicada en Francia a mediados
del siglo XIX e inédita en España que
coeditaremos con la Asociación Luigi Boccherini
de Madrid.
Este acuerdo con la Asociación Boccherini de
Madrid nos va a permitir presentar año a año
una colección de libros sobre la temática
indicada con la mayor garantía académica
y científica. La Asociación reúne
bajo la presidencia de Jose Antonio Boccherini, (abogado
e investigador, descendiente en 6ª generación
del compositor) a historiadores como Jaime Tortella,
musicólogos como Carlos José Gonsalvez,
director de la Biblioteca del Conservatorio de Madrid,
Germán Labrador, Profesor de musicología
en la Universidad Autónoma de Madrid, Elisabeth
Le Guin, violonchelista y profesora de musicología
en la Universidad de California y periodistas como Sergio
Pagán redactor de RNE- Radio Clásica.
SOBRE
EL FESTIVAL 2005: PROGRAMACIÓN
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Centenarios de Luigi Boccherini (1743-1805) y Farinelli
(1705-1782)
Boccherini
El festival comienza este año el 3 de mayo 2005,
día de la Comunidad de Madrid con una Fiesta
de la música: ¡ Viva Boccherini !. Es una
fiesta popular que se desarrolla en diferentes entornos
de Aranjuez con el objetivo de difundir la figura de
Boccherini y hacer partícipes a los habitantes
de Aranjuez del Festival de Música Antigua, a
través de una serie de conciertos gratuitos que
incluye un concierto para los niños.
Por la mañana, de 12h a 13h, Música para
niños en el Jardín del Príncipe
en el salón de tilos, junto al embarcadero y
los Pabellones, Ara Malikian presentará su concierto
infantil "Mis primeras cuatro estaciones"
sobre la música de Vivaldi.
Por la tarde, a las 17 horas en Jardín de la
Isla, en el marco de la Fuente de la Espina tendrá
lugar la actuación del grupo Passamezzo Antico
con un programa dedicado a la música de cámara
(los tríos) de Boccherini.
A las 19 horas un concierto en la Casa del Labrador
a cargo del grupo La Tempestad con un programa dedicado
a los quintetos de Boccherini
Durante el festival hay programados diversos conciertos
con música de Boccherini con intérpretes
de excepción como la suiza CHIARA BANCHINI &
ENSEMBLE 415, que
presentará el Stabat Mater cantado por la soprano
Mª Cristina Kiehr o EL CONCIERTO ESPAÑOL
que dirige Emilio Moreno y que interpretarán
las Arias Académicas.
El proyecto de colaboración con la asociación
Luigi Boccherini de Madrid para la edición de
la primera biografía sobre el compositor: "Noticia
sobre la Vida y obras de Luigi Boccherini", de
Louis Picquot, editada en Francia a mediados del XIX
(1851) e inédita en España, que además
contiene el primer catálogo de su música.
En colaboración con la Asociación también
editaremos este año un disco doble con los cuartetos
de la Opus 9 en interpretación del ARTARIA Quartet
de EEUU, que completaría nuestro programa Boccherini.
Farinelli. Coproducción con Sarrebourg
Continuando nuestra colaboración con la Real
Compañía de Opera de Cámara para
la recuperación de óperas históricas
y habiendo coproducido hace un par de años con
ellos "Eco y Narciso" de D. Scarlatti, este
año abordamos la producción de un Orlando
con música de Nicola Porpora, sobre un libreto
de Pietro Metastasio, primera obra de ambos, que fue
precisamente la obra con la que debutó Farinelli.
Fue encargada con ocasión del aniversario de
la emperatriz Isabel de Austria y estrenada en Nápoles,
en el teatro privado del palacio del príncipe
de Torella, Antonio Caracciolo, el 20 de Agosto de 1720.
Esta ópera es la primera iniciativa de un proyecto
de coproducción y vinculación 2005-2007,
entre la Real Compañía Ópera de
Cámara, el Festival de Aranjuez y el Festival
Le Couvent-"Les Chemins du Baroque"de Sarrebourg
(Francia).
Por otra parte, está prevista la grabación
de esta ópera para la compañía
discográfica francesa K-617, editada en coproducción
con el Festival de Aranjuez.
La trascendencia de este proyecto es absolutamente
internacional. Así, una cadena de televisión
privada francesa tiene intención de grabar un
documental que será emitido por las cadenas de
arte de la Unión Europea de Radiodifusión,
sobre la vida de los castrati. El reportaje girará
en torno al contratenor Robert Expert, reconocido internacionalmente,
al cual hemos otorgado el papel de Orlando. Consistirá
en un documental realizado durante los días de
nuestra producción en Aranjuez, trufado de hechos
históricos y grabaciones del Palacio Real.
También estamos en gestiones con la prestigiosa
cadena de radio alemana WDR (West Deutsche Rundfunk)
de Colonia para la grabación y su retransmisión
en directo -con señal a varias cadenas de radio
en lengua germana-, del estreno de la producción
el próximo mes de Mayo.
Todos los años RNE -Radio Clásica graba
y emite diversos conciertos del festival y estamos en
negociaciones para los conciertos de este año,
entre los cuales estará seguro el de esta producción.
Por tanto, podemos afirmar que el Orlando de Porpora
nos ha abierto por primera vez las puertas de las coproducciones
internacionales y de su mano, el festival tendrá
una clara proyección en Francia y Alemania y
en menor medida, pero nada desdeñable, en toda
Europa a través de la Unión Europea de
Radiodifusión.
El Quijote
Creemos que tenemos una importante aportación
que realizar a la celebración del cuatrocientos
aniversario de la edición del Quijote y es la
recuperación de la ópera Don Quijote que
realizó Antonio Caldara (1670-1736) "Don
Chisciotte in corte della duchessa" de G.C.Pasquini.
Estrenada el 6 de febrero de 1727 en Viena, en el Teatro
de la Corte.
En esta edición presentaremos, de los cinco
actos de la ópera las mas bellas arias junto
a la sinfonía y a algunos intermedios, recuperadas
en la biblioteca de Viena y esperamos que para el año
que viene podamos presentar toda la ópera completa.
El proyecto realizado con Los Músicos del Buen
Retiro, dirigido por Isabel Serrano y Antoine Ladrette
tendrá el formato de concierto, al igual que
Las Amazonas de España el año pasado.
Para hacernos una idea de la importancia de Caldara
en la música barroca diremos que compuso mas
de sesenta óperas, estrenadas todas con mucha
repercusión. Además, entre otros ejemplos,
Telemann tomó su música como modelo para
sus composiciones religiosas e instrumentales, Haydn
cantó las misas de Caldara en el coro St Stephens.
Mozart, Beethoven y Brahms utilizaron o se basaron para
algunas de sus composiciones en canones de Caldara.
Caldara residió unos años en Barcelona
en la corte de Carlos III, hermano menor del emperador
José I de Ausburgo, pretendiente a la corona
española, que fue posteriormente su protector.
De su mano salió la primera ópera italiana
representada en España, compuesta sobre un libreto
de Pariati, con motivo de la boda de Carlos III con
Cristina Isabel de Braunschweig.
MÚSICA
ANTIGUA ARANJUEZ
Mayo-Junio 2005, XIIª Edición
Programa
MAYO
M 3 Fiesta de la Música: ¡Viva Boccherini!
Música en los Jardines
S 7 Paseo Musical. Jardín de La Isla
Salida Puerta Plaza Rusiñol
Concierto final Capilla de Palacio
Grupo Jácara
D8 Chiara Banchini & Ensemble 415 con Mª Cristina
Kiehr
Capilla de Palacio
Luigi Boccherini: Stabat Mater y Quinteto
S14 Paseo Musical. Jardín del Príncipe
Salida Puerta Principal
Concierto final Fuente de Apolo
Ministriles de Marsias. "Aires desde la torrecilla"
J 19, S 21, D 22 Real Compañía Ópera
de Cámara
Capilla de Palacio
Opera en versión semiescénica:
Orlando. Música de Nicola Porpora. Libreto de
Pietro Metastasio
Dirección: Juan Bautista Otero
S 28 Gustav Leonhardt
Capilla de Palacio
Couperin, Forqueray, Rameau,…
D29 Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel
Capilla de Palacio
Jean Richafort: Réquiem, Motetes, Chansons
MÚSICA ANTIGUA ARANJUEZ
Mayo-Junio 2005, XIIª Edición
Programa
JUNIO
S 4 La Risonanza
Capilla de Palacio
Música Vocal de Corelli
Fabio Bonizzoni
D 5 Paseo Musical. Jardín del Príncipe.
Salida Puerta Plaza Redonda
Concierto final: Casa del Labrador:
Els Sonadors de Martín i Soler. Vientos del XVIII:
de la Ópera a la Serenata
S 11 El Concierto Español
Centro Isabel de Farnesio
Arias Académicas de Luigi Boccherini
Director: Emilio Moreno
D 19 Coral de Cámara de Pamplona
Capilla de Palacio
Stabat Mater: Scarlatti, Desprez, Palestrina, De Victoria
D 26 Los Músicos del Buen Retiro
Salón del Teatro
Tonos Humanos de José de Torres y Arias del Quijote
de Antonio Caldara
ARA
MALIKIAN
 Nacido
en Líbano en 1968 en el seno de una familia armenia,
Ara Malikian se inició en el violín a
muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer
concierto con 12 años y a los 15 recibió
una beca del Gobierno Alemán (DAAD) para cursar
estudios en la "Hochschule für Musik und Theater
Hannover". Posteriormente amplió sus estudios
en la "Guildhall School of Music & Drama"
de Londres, además de recibir lecciones de algunos
de los más prestigiosos profesores del mundo
como Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis, Herman
Krebbers o miembros del Alban Berg Quartett.
Una inagotable inquietud musical y humana han llevado
a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces
armenias y asimilar la música de otras culturas
del Medio Oriente (árabe y judía), Centro
Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España
(flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal
en el que se dan la mano la fuerza rítmica y
emocional de estas músicas con el virtuosismo
y la expresividad de la gran tradición clásica
europea.
Poseedor de un amplísimo repertorio, que incluye
la práctica totalidad de las grandesobras escritas
para el violín (conciertos con orquesta, sonatas
y piezas con piano y música de cámara)
ha estrenado también obras de compositores actuales
como Franco Danatoni, Malcolm Lipkin, Luciano Chailly,
Ladislav Kupkovic, Loris Tjeknavorian, Lawrence Roman
y Yervand Yernakian. Malikian es además uno de
los pocos violinistas que realiza recitales para violín
solo con programas dedicados a integrales tan significativas
como los "24 Caprichos de Paganini", las "6
sonatas de Eugene Ysaÿe" y las "Sonatas
y partitas de J.S. Bach".
Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocida
en numerosos concursos de prestigio mundial, entre los
que cabe destacar los Primeros Premios obtenidos en
los Concursos Internacionales "Felix Mendelssohn"
(1987 Berlín, Alemania) y "Pablo Sarasate"
(1995 Pamplona, España) además de los
premios recibidos en concursos como "Niccolo Paganini"
(Génova, Italia), "Zino Francescatti"
(Marsella, Francia), "Rodolfo Lipizer" (Gorizia
Italia), "Juventudes Musicales" (Belgrado,
Yugoslavia), "Rameau" (Le Mans, Francia),
"International Artist Guild" (Nueva York,
USA), y en la "International Music Competition
of Japan". En 1993 recibió el "Premio
a la Dedicación y el Cumplimiento Artístico"
del Ministerio de Cultura de Alemania.
Ha tocado en las mejores salas de concierto del mundo
en más de cuarenta países de los cinco
continentes: New York (Carnegie Hall), París
(Salle Pleyel), Viena (Musikverein), Toronto (Ford Center),
Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zürich
(Tonhalle), Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul,
Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles,
Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba, Barcelona y Bilbao
entre otros. También ha participado en los festivales
de Aspen, Colmar, Prades, Schleswig Holstein, Braunschweig,
San Sebastián, Segovia, Bergen, Freden, Metlach
y Praga.
Como violín solista ha sido invitado por orquestas
de la talla de la Tokio Symphony Orchestra, Bamberg
Symphony Orchestra, Zürich Chamber Orchestra, London
Chamber Orchestra, Genova Opera Orchestra, Sinfónica
de Madrid, Sinfónica de Portugal, Orquesta de
Cámara de Tubingen, Virtuosos de Moscú,
Filarmónica de Belgrado, Orquesta de Cámara
de Toulouse, Filarmónica de Armenia y las Orquestas
Sinfónicas de la Comunidad de Madrid, Galicia,
Euskadi, Bilbao, Málaga y Tenerife entre otras,
bajo la batuta de directores tan importantes como Mariss
Janssons, Peter Maag, Jesús López Cobos,
Miguel Ángel Gómez-Martínez, Luis
Antonio García Navarro, Peter Schneider, Vassili
Sinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emilson, Juan José
Mena, Jo Ann Falletta o Pedro Halffter.
NOTAS AL PROGRAMA
Ara Malikian tiene una amplia discografía que
incluye las "Cuatro Estaciones" de Antonio
Vivaldi, mas de 80.000 copias vendidas para UNICEF,
integral de las sonatas para violín y piano de
Robert Schumann, las sonatas y partitas para vioín
solo de J:S:Bach, las 6 sonatas de Eugene Ysaÿe
y los 24 Caprichos de Niccolo Paganini entre otras.
Su presencia ha sido solicitada por importantes compositores
de música de cine como Alberto Iglesias, Pascal
Gainge, Lucio Godoy o Roque Baños, en peliculas
como "Hable con Ella", "Lunes al sol"
u "Otro barrio".
"Mis primeras Cuatro Estaciones" se trata
de un concierto en el que antes de cada movimiento se
van explicando y dramatizando los sonetos que el compositor
redactó para estos conciertos.
Vivaldi hace referencia durante toda la obra a situaciones,
fenómenos naturales, animales, personajes, estados
de ánimo, celebraciones…que conforman la música,
estos textos son los que se utilizan para dar una forma
teatral a este concierto.
De una manera sencilla, la palabra introduce y facilita
la comprensión de la música, de tal forma
que nos adentra en esta aventura y convierte el concierto
en una fabulosa experiencia musical tanto para niños
como para adultos.
PROGRAMA
Dramaturgia y narración: Marisol
Rozo Dirección: Ara Malikian
Ara Malikian nos presenta esta aventura
musical: "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi
en concierto dramatizado.
La Primavera Op.8 RV269
Irrumpe la primavera
Los Pájaros
Un manantial
Una tormenta
La calma
Armonía
Un pastor
La celebración
El Verano Op.8 RV 315
Llega el calor
El cuco
La tórtola y el jilguero
Viento sur
Viento norte
Queja
Revuelta impetuosa
Las moscas y moscones
Rayos y granizo
El Otoño Op.8 RV 293
El pueblo celebra
Un borracho
Un sitio para descansar
El sueño
Los cazadores
Un ciervo
Huida
Cae al suelo
Escape
El Invierno Op.8 RV 294
Todo se congela
Un viento rebelde
Chasquido de pies
Tiritar de dientes
Lluvia
Andar cauteloso
Resbalón sobre el hielo
Correr, avanzar, girar
El hielo se rompe
El viento sur regresa
Contienda de los vientos
LA
TEMPESTAD
 Siguiendo
las pautas establecidas por Corelli, y durante cuatro
generaciones de músicos, se desarrolla en Europa
un modelo de sonata que llegará a dar a la música
de cámara uno de sus momentos más sublimes.
LA TEMPESTAD, que toma su nombre de un fenómeno
que fascinó a pintores y músicos barrocos
por lo extremo de las potencias en él contenidas
y desatadas, se constituye por el deseo de sus componentes
de proporcionarse el placer de interpretar y difundir
esta gran música, pues aunque la obra de autores
como J.S. Bach, Händel y Telemann puede oírse
con cierta frecuencia en las salas de concierto de nuestro
país, no así las de Rameau, C.Ph.E.Bach
o Guillemain.
Los componentes de este grupo han colaborado durante
años en el seno de otras prestigiosas formaciones
de cámara. Esto le ha hecho nacer con una gran
madurez interpretativa, como avala el preciosismo de
sus interpretaciones así como el éxito
obtenido por sus conciertos.
FORMACIÓN
Guillermo Peñalver, flauta travesera
Alexis Aguado, violín
Kepa Arteche, violín
Antonio Clares, viola
Juan Pérez de Albéniz, violoncello
Silvia Márquez, clave
PROGRAMA
Boccherini, ¿un músico
ilustrado?
I
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto
Secondo, Op. 55, en Fa Mayor para flauta, 2 violines,
viola y violonchelo.
Andantino
Minuetto-Trio-Da Capo il minuetto
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto Terzo, Op.
56, en Mi menor para fortepiano y cuarteto de cuerda.
Andante lento assai
Minuetto non presto, con grazia
Provensal: allegro vivo
Andante lento
Provensal: allegro vivo e pp come prima
II
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto
Terzo, Op. 55, en Re Mayor para flauta, 2 violines,
viola y violonchelo.
Allegretto
Tempo di Minuetto-Trio-Da Capo il Minuetto
J.Haydn/ J.P.Salomon, Quinteto basado
en la Sinfonía nº 94 "La sorpresa"
de J. Haydn, para flauta, cuarteto de cuerda y fortepiano
ad libitum.
Adagio - Vivace assai
Andante
Menuet. Allegro molto-Trio
Finale. Allegro di molto
GRUPO
JÁCARA
El grupo Jácara nace por la iniciativa de Luz
Martín, Juan Carlos de Mulder y Jordi Ricart,
y está formado por especialistas de reconocido
prestigio en la interpretación de música
antigua.
Jácara quiere recuperar parte del patrimonio
musical español, centrándose en los aires
más populares y castizos de los siglos XVI al
XIX. La utilización de instrumentos antiguos
y los criterios de interpretación de Jácara
pretenden acercar la música al público
tal como se escuchaba, tanto en palacios como en corrales
de comedias, fiestas y saraos.
Juan Carlos de Mulder, dirección
PROGRAMA
JÁCARAS Y TONADILLAS DE MADRID
Danzas con variaciones o diferencias
Siglo XVI
Hans Newsidler - Diego Ortiz Ortega
Passamezzo antico y moderno
Pues que me tienes Miguel (Cancionero de Medinaceli)
Barroco temprano
Primera mitad del siglo XVII
Canciones sobre ritmos populares
Anónimo (Canciones de Munich)
Anónimo (Libro de tonos) No hay que decirle primor
(Jácara)
Barroco
(segunda mitad XVII y XVIII)
Danza con variaciones
Anónimo - Fco. Guerau Canarios
(Tono humano)
Juan Hidalgo Cuidado pastor (Instrumental)
Gaspar Sanz - Martín i Coll Folías de
España
Tonadilla
Siglo XVIII
Blas de la Serna El abate tuno: Laraniera
Anónimo Yo me alegro de haber sido (Tirana)
Anónimo Zorongo del navío
Blas de la Serna El majo y la italiana fingida:
Seguidillas y Seguidillas majas
Antonio Literes Júpiter y Semele: Guapo de la
artesilla
Blas ded la Serna El majo y la italiana fingida:
Te has portado bien. Oigan las seguidillas
Anónimo Yo no sé qué me quiere
(Bolero)
Blas de la Serna La Tirana del Trípili
Pablo Esteve Los pillos cicateros: Aquesta tonadilla
nueva
CHIARA
BANCHINI
Nacida en Lugano (Suiza), Chiara Banchini ha obtenido
reconocimiento mundial como una de las más destacadas
violinistas barrocas, siendo artista invitada de los
más prestigiosos festivales de música
antigua.
Tras su paso por el Conservatorio de Ginebra con premio
especial al virtuosismo como alumna de Corrado Romano,
continuó su formación con Sandor Wegh
y Sigiswald Kuiken y se graduó en el Conservatorio
de La Haya.
Comenzó de forma casi inmediata su carrera internacional,
que compaginó con la docencia en el Centro para
la Música Antigua de Ginebra y posteriormente
en la cátedra de violín barroco de la
Schola Cantorum de Basilea. También imparte clases
magistrales por toda Europa.
En 1981 cubrió el hueco existente en la vida
musical suiza con la fundación de su propia orquesta
de cámara, Ensemble 415. El éxito fue
inmediato, de tal manera que el Ensemble 415 realiza
habitualmente numerosas giras y grabaciones que han
recibido el aplauso de la crítica internacional
hasta el punto de que cada nuevo disco representa un
acontecimiento musical.
Merece mención aparte la grabación con
orquesta completa en 1992 de todos los Concerti grossi
Op. VI de Corelli, que generó un enorme entusiasmo
y discusiones sobre el resurgimiento de la música
antigua. Su grabación del Stabat Mater de Vivaldi
con Andreas Scholl fue considerado un "triunfo"
por la prensa internacional y obtuvo diversos premios.
Chiara Banchini toca un violín construido en
Cremona en 1674 por Nicola Amati (maestro de Stradivarius)
y restaurado para devolverlo a su condición original,
un hecho reseñable en la historia de la fabricación
de violines.
ENSEMBLE 415
Fundado en 1981 en Ginebra por Chiara Banchini, toma
su nombre de uno de los tonos en los que se toca la
música barroca. En una primera generación
de pioneros entusiastas se encontraban François
Fernández, Enrico Gatti, Emilio Moreno, Fabio
Biondi o Roel Dieltens. Más de veinte años
después Ensemble 415 continúa su andadura
con jóvenes violinistas reunidos en una sociedad
de solistas: Olivia Centurioni, David Plantier, Odile
Edouard y Stéphanie Pfister perpetúan
el entusiasmo inicial del Ensemble 415.
Con renombre internacional, el Ensemble 415 ha estado
invitado en los mejores festivales y salas de concierto.
No sólo sus conciertos y grabaciones han recibido
el aplauso unánime del público y la crítica,
sino que crean impulsos duraderos en el desarrollo de
la percepción y la interpretación de los
trabajos musicales de los siglos XVII y XVIII, así
como en la ampliación del repertorio que proponen
a los amantes de la música. Grabaciones como
la de los Concertos de Corelli opus 6 con una gran orquesta
barroca, del Stabat Mater de Vivaldi con Andreas Scholl,
del Armonico Tributo de Muffat o el redescubrimiento
de compositores como Giuseppe Valentini y Giovanni Bononcini
han demostrado que el éxito de esta agrupación
descansa en la continua investigación de la calidad,
en el descubrimiento y renovación del repertorio
y en la integridad artística.
Más europeo que suizo, el Ensemble 415 ha mudado
su sede a Cressia, departamento de Jura (Francia). Se
convierte así en la primera agrupación
musical de esta importancia que fija su base en un área
rural francesa. La localidad de Cressia cuenta solamente
con 314 habitantes, habiendo correspondido al Franco
Condado el honor de dar la bienvenida a una de los más
prestigiosas formaciones barrocas de hoy en día.
Ha cambiado la dirección, pero no la fórmula:
reunión de los violinistas y violistas de mayor
talento, excelentes solistas, apoyados en un continuo
de inspiración italiana. Espoleado por el dinamismo
de su líder, la celebrada violinista barroca
Chiara Banchini, el Ensemble 415 se especializa en Corelli
y su escuela, en particular Valentini, así como
en Bach, Boccherini, Bononcini, Haydn, Mozart y muchos
otros.
Ensemble 415 se presenta en formaciones orquestales
de 13 a 40 instrumentistas (sinfonías de Sammartini
y Boccherini, Concerti grossi de Corelli y Muffat) así
como en formato de cámara (Sonatas opus 5 de
Corelli, Triosonatas de Vivaldi, quintetos y sextetos
de Boccherini, Mozart, etc.)
A lo largo de su extensa carrera ha publicado más
de 20 CDs, la mayoría de los cuales ha sido galardonado
con premios internacionales y distinciones de la prensa
especializada. Desde 2001 Ensemble 415 está asociado
con el sello parisino Zig-Zag Territoires. La primera
publicación de esta colaboración, los
Concertos de Giuseppe Valentini, recibió la aclamación
de público y crítica, ganando un "Diapason
d'Or" y un "10 de Répertoire"
en septiembre de 2002.
Como agrupación de cámara Ensemble 415
se ha dedicado a la música de Boccherini, de
quien ha grabado una selección de quintetos,
opus 39, 60 y 63; 3 sextetos, opus 23; además
del Stabat Mater en su primera versión para soprano
y quinteto de cuerda con la solista Agnes Mellon.
Aparte de las piezas orquestales de Corelli, composiciones
de Vivaldi, Valentini, Muffat, Bononcini, Porpora y
Geminiani aparecen en los programas. Los programas de
música de cámara incluyen tríos
de Mozart y Haydn interpretados por Chiara Banchini
y Käthi Gohl con el pianista australiano Geoffrey
Lancaster, el quinteto de Mozart con el clarinetista
francés Gilles Thomé y sonatas para violín
y continuo de Corelli y Bononcini.
Entre los distinguidos solistas que colaboran con el
Ensemble 415 se encuentran: Christophe Coin, Roel Dieltiens,
Christiane Jaccottet, René Jacobs, Maria Cristina
Kiehr, Agnès Mellon, Guy de Mey, Luciano Sgrizzi,
Conrad Steinmann, Geoffrey Lancaster, Andreas Scholl,
Giuliano Carmignola, Lars Ulrich Mortensen, Juliette
Galstian, Bart Kuijken, Gilles Thomé, Martín
Oro, Adriana Fernández, Furio Zanasi y Gaetano
Nasillo.
MARÍA CRISTINA KIEHR
María Cristina Kiehr nace en Tandil (Argentina),
donde recibe sus primeras lecciones de canto y violín.
En 1983 se traslada a Europa para proseguir sus estudios
de canto bajo la guía de René Jacobs en
la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) y de Eva Krasznai
en técnica vocal. A partir de entonces comienza
su actividad como solista que la lleva a presentarse
en Europa, Japón, Australia, Estados Unidos y
Sudamérica, participando junto a renombrados
directores, formaciones orquestales y de cámara,
tanto en conciertos como en grabaciones. Entre ellas,
"La Pasión según San Mateo con Frans
Brüggen al frente de la Orquesta del Siglo XVIII;
el Vespro della Beata Vergine de Monteverdi con Jordi
Savall y su Hesperion XX, René Jacobs y Concerto
Vocale, y con Cantus Cöln dirigido por Konrad Junghaenel;
el Oratorio de Caldara La Maddalena ai Piedi di Cristo
en el papel protagonista bajo la dirección de
René Jacobs; la Juditha Triumphans de Vivaldi
con Robert King y el King Consort; como así también
destaca su colaboración con Philippe Herreweghe,
Chistophe Coin y el Ensemble Baroque de Limoges, Gustav
Leonhardt, Chiara Banchini y su Ensemble 415, Jean Tubéry
con La Fenice, Roberto Festa con Daedalus, Concerto
Köln, la Freiburger Barockorchester, la Venice
Baroque Orchestra, la Orquesta Ciudad de Granada, el
Concierto Español dirigido por Emilio Moreno.
María Cristina Kiehr es asidua artista invitada
de los más prestigiosos festivales europeos de
Música Antigua, como el de Brujas (Bélgica),
Utrecht (Holanda), Ambronay (Francia), Innsbruck (Austria),
Montreux (Suiza), habiendo asimismo cantado en salas
y teatros tales como el Concertgebouw de Amsterdam,
la Filarmónica de Berlín, Konzerthaus
de Berlín, Filarmónica de Colonia, Mozarteum
de Salzburgo, Musikverein de Viena, Auditorio Santa
Cecilia de Roma, Théatre des Champs Elysées
de París, Théatre de La Monnaie de Bruselas,
Teatro Real de Madrid, Kursaal de San Sebastián,
Auditorio Stravinsky (Suiza), la Opera de Sydney, Santory
Hall de Tokyo, Barbican Hall y Royal Festival Hall (Londres).
Es miembro fundador del Cuarteto Vocal La Colombina,
dedicándose con el mismo principalmente a la
música del Renacimiento Español y Latinoamericano
(numerosas producciones discográficas son testimonio
de más de 10 años de colaboración).
Crea así mismo, junto al clavecinista Jean-Marc
Aymes Concerto Soave, grupo con el cual se centra en
la música italiana del Barroco temprano. Sus
grabaciones para los sellos Empreinte Digitale y Harmonia
Mundi France, han obtenido unánimes elogios de
la crítica internacional.
Debuta en la ópera con el Giasone de Cavalli
en el Landestheater de Innsbruck bajo la dirección
de René Jacobs. Seguidamente participa tanto
en la escena como en las producciones discográficas
de L'Incoronazione di Poppea de Monteverdi, L'Orontea
de Cesti, Orpheus de Telemann, Venus y Adonis de Blow,
Dido y Eneas de Purcell, La Guerra d'Amore (espectáculo
coreográfico sobre madrigales de Monteverdi),
Orfeo ed Euridice de Glück, siempre bajo la dirección
de R. Jacobs. En Niza, bajo la dirección de G.
Bezzina canta el papel protagonista de Dorilla in Tempe
de Vivaldi. Participa asimismo en las producciones del
Teatro Massimo de Palermo en la Dafne de Gagliano como
"Venere"; es "Musica" y "Speranza"
en el Orfeo de Monteverdi; "Minerva" en Il
Ritorno di Ulisse in Patria de Monteverdi, bajo la dirección
de G. Garrido.
La investigación y recreación son uno
de los fundamentos de su actividad artística.
En consecuencia ha grabado en primera audición
la obra de compositores del siglo XVII como Giovanni
Felice Sances, devuelto las canciones de Fanny Hensel
a la luz del día en la Filarmónica de
Berlín, y estrenado en el Salzburger Osternfestspielen
los 5 Lieder über Gedichten von Giuseppe Ungaretti
del compositor contemporáneo Alexander Müllenbach.
En la próxima temporada cantará en San
Francisco La Guerra d'amore bajo la dirección
de René Jacobs; la Pasión según
San Mateo de Bach junto a la Filarmónica de Viena
dirigida por Nikolaus Harnoncourt en la Sala Grande
de la Musikverein de dicha ciudad; y la ópera
de Haydn Orlando Palladino con el Concertus Musicus
y Harnoncourt a la batuta, en Viena, Lisboa y Roma.
Su calendario incluye así mismo giras de conciertos
y recitales junto a Jean-Marc Aymes y Concerto Soave,
la Camerata Berna (Suiza), la Israel Camerata, y la
Australian Brandenburg Orchestra, entre otros.
PROGRAMA
Luigi Boccherini (1743-1805)
Quinteto en Do menor opus 31 n°4
Para dos violines, viola y dos violonchelos
1 Preludio.Adagio
2 Allegro vivo
3 Adagio
4 Allegro ma non troppo
Duración : 20 minutos
Stabat Mater
Primera versión, 1781
Para soprano, dos violines, viola y dos violonchelos
Stabat Mater dolorosa;
Cujus animam gementem;
Quae moerebat, et dolebat;
Quis est homo, qui non fleret;
Pro peccatis suae gentis;
Eja Mater, fons amoris;
Tui nati vulnerati,
Virgo virginum praeclara;
Fac, ut portem Christi mortem;
Fac me plagis vulnerati;
Quando corpus morietur
Duración : 1 hora
FORMACIÓN
Ensemble 415, dirección Chiara
Banchini
Chiara Banchini, primer violín
y dirección
Eva Borhi , violín
Peter Barczi, viola
Gaetano Nasillo, violonchelo
Sara Bennici, violonchelo
María Cristina Kiehr, soprano
MINISTRILES
DE MARSIAS
Ministriles de Marsias es propiamente un conjunto de
ministriles o instrumentos de viento, cuyo nombre alude
a la disputa del civilizado tañedor de uno de
cuerda, Apolo, contra el ministril Marsias, bárbaro
sileno que soplaba en la tibia. Tal certamen fue evocado
por Monteverdi y otros contemporáneos al instrumentar
sus obras con arreglo a la capacidad de los ministriles
para imitar y sostener a la voz humana. Y no sólo
por los músicos sino por ilustres pintores (Ribera,
Rubens, Velázquez ...) y literatos de la época.
El grupo está especializado en la interpretación
de la música española, no tan sólo
instrumental sino sobre todo vocal y con ella recrea,
añadiendo cantantes y el órgano, la que
fue plantilla típica en las capillas de nuestras
iglesias y catedrales, donde los ministriles resultaron
indispensables desde finales del s. XV hasta bien entrado
el s. XVIII y donde germinó nuestra mejor música
(Anchieta, Peñalosa, Morales, Guerrero, Victoria,
Cabezón, Correa de Arauxo ...).
Aparte de la española, Ministriles de Marsias
ofrece la virtuosa música italiana en stil moderno,
publicada sobre todo en Venecia en las primeras décadas
del s. XVII, así como la música italianizada
de Alemania (de los Schütz, Rosenmüller, Schmelzer,
Fux), hasta llegar al Arte de la Fuga de Bach.
Ministriles de Marsias ha actuado en buena parte de
Europa y de la geografía española en prestigiosos
festivales de música antigua (Amberes, Utrecht,
Gante, Perugia, San Sebastián, Segovia, Salamanca,
Granada, Daroca, Sajazarra, Murcia, Toledo ...) tanto
en solitario como en colaboración con grupos
vocales, tales como la Capilla Peñaflorida, o
junto a un solista, ya fuera tañedor de órgano
(Javier Artigas, Claudio Astronio, José Luis
González Uriol) o cantante (Marta Almajano),
y ha grabado para varias radios, casas de discos y televisiones.
Sus componentes o imparten la docencia musical, no
sólo durante el año escolar sino también
en cursos de verano, o bien son miembros solistas de
orquestas sinfónicas con el respectivo instrumento
moderno, a la vez que desarrollan labores de investigación
musicológica u ofrecen recitales en solitario.
FORMACIÓN
Ministriles de Marsias
Paco Rubio, corneta
Katharina Schmucker, chirimía
Simeón Galduf, sacabuche
Fernando Sánchez, bajón
PROGRAMA
Aires desde la torrecilla de la música
Danzas, canciones y tientos, motetes y diferencias
Adorámoste, señor (Cancionero
Musical de Segovia)
Propiñán de Melhior (Cancionero de Palacio)
Danza Alta (F. de la Torre: C. de Palacio)
Mi querer tanto vos quiere (Enrique [de París]:
C. de Palacio)
Diferencias sobre el canto de Madama
le demanda (Cabezón, 1578. Arreglo: Pepe Rey)
Diferencias sobre las Vacas (Cabezón. Arreglo:
Pepe Rey)
Jerigonza (Mateo Flecha)
Pavana y gallarda (Luis de Milán. Arreglo: Pepe
Rey)
Sancta Mater istud agas (Peñalosa)
Vecchie letrose (Willaert)
Marizápalos (Francisco de Tejada,
1721)
Canario (Improvisación)
Tiento 3º de 6º tono sobre
la 1ª parte de la batalla de Morales (Correa, 1628)
Veni sponsa Christi (Juan García
de Salazar, 1639-1710)
Da pacem domine (J. G. de Salazar)
Regina Coeli (J. G. de Salazar)
NOTAS AL PROGRAMA
El Diccionario de Autoridades explica así, en
fecha tan tardía para ellos como 1732, lo que
son los ministriles:
"Se llaman los instrumentos músicos de
boca," (se sobreentiende, de viento) "como
chirimías, bajones y otros semejantes" (cornetas,
sacabuches) "que se suelen tocar en algunas procesiones
y otras fiestas públicas. Ministril: Se llama
también el que toca los instrumentos llamados
ministriles".
Este programa se inspira en una noticia que nos comunica
nuestro amigo Pepe Rey, el cual, como madrileño,
barre para casa, si bien la tal torrecilla no fuese,
sin ninguna duda, algo privativo de Madrid, como él
mismo insinúa al final de su texto:
"Por lo demás, en esta ciudad (Madrid) podemos
gloriarnos de algo que otras no tenían. En el
Prado de San Gerónimo, cerca de la fuente, aproximadamente
en el lugar que hoy ocupa el palacio de Vistahermosa
o museo Thyssen, erguíase airosa la que se llamaba
"Torre o torrecilla de la música",
de dos pisos con un puntiagudo chapitel como remate.
En los balcones del piso superior se situaban los ministriles
para amenizar los paseos de los madrileños. La
torre se localiza en varios planos del siglo XVII y
puede verse en un cuadro que perteneció al "Marqués
de la Torrecilla" (¡), actualmente propiedad
de la marquesa de Santa Cruz, que salió a la
luz pública en una exposición reciente.
En el cuadro se observa a un tañedor de chirimía
amenazando el sosiego de la tarde madrileña.
En Granada, en un lugar típicamente de paseo
junto a la ribera del Darro, se conserva un edificio
conocido como la Casa de las chirimías."
Los ministriles no sólo se prodigaban en la
torrecilla o en las procesiones, sino, por extensión,
en cualquier acontecimiento secular donde se les requiriera,
sobre todo festivo. Entre la documentación o
estudios que lo prueban, merece señalarse un
ameno artículo de Carlos Martínez Gil:
"ofrécese compañía de ministriles
..." para participar en bailes y saraos en la ciudad
de Toledo y sus alrededores en 1668. Pero las actuaciones
de mayor calado musical de los ministriles se daban
en las iglesias, donde sostenían a los cantantes
de la capilla durante casi todo el año (salvo
en Cuaresma). Por todo lo cual se les ha definido, muy
acertadamente, como "bisagra entre lo profano y
lo sagrado" (Luis Robledo) o como "ministriles
para todo" (Martínez Gil).
Para finalizar estas notas, daremos una breve reseña
sobre nuestros pitos. El sonido de la corneta (más
conocida hoy por su nombre italiano de cornetto) es,
según Mersenne y Trichet, en sendas obras publicadas
sobre 1640, similar a "un rayo de sol en medio
de la niebla, cuando se le oye destacar entre los cantantes
en la penumbra de las catedrales" y gozó
de la reputación, que apuntan múltiples
testimonios, de ser el que mejor imitaba a la voz humana.
Se trata de un instrumento de madera, recubierto de
pergamino, en forma de cuerno -de ahí su nombre-
al que se añade una boquilla.
A pesar del tremendo virtuosismo que al sacabuche
(asimismo conocido hoy por su nombre italiano de trombón)
exige Castello, por ej. en la "Sonata Duodecima.
Due Soprani e Trombon. Ouero violeta" de su Libro
Secondo, cuyas obras se inscriben dentro del stil moderno,
que es la versión instrumental de los afectos
de la revolucionaria seconda prattica instituida por
Monteverdi para el canto, el sacabuche continuó
asociado al stilo antico, desterrado de la vanguardia
musical del Barroco, olvidado en la oscuridad de las
catedrales, donde todavía lo pudo escuchar Schumann
hacia 1850, inspirándole el penúltimo
movimiento de su Sinfonía Renana. Henchido el
sacabuche, como la corneta, de las connotaciones bárbaras
y funerarias que ya les había señalado
Monteverdi en una carta a Alessandro Striggio, las mismas
que le atribuye Mozart en el Requiem y en Don Giovanni
y hasta Wagner en Parsifal.
Estos dos instrumentos de boquilla se complementan
con otros dos de caña. Empezaremos por el más
prestigioso de entre todos los ministriles, el bajón,
antecedente del fagot. Era el que no podía faltar
nunca en las capillas. Hasta el punto de que bajón,
en realidad, no es el nombre de un instrumento sino
de una tesitura, la del bajo, y así, bajón
es, por antonomasia, el instrumento que toca el bajo,
de la misma manera que en nuestras bandas de música,
herederas de la tradición de los ministriles,
era costumbre, hasta hace poco, que la tuba no se llamara
tuba sino bajo. Nuestra península acunó
tanto a prestigiosos constructores, como Pedro Aldao,
como a ilustres intérpretes del bajón,
de entre los que destaca Bartolomé de Selma y
Salaverde, que publicó en Venecia en 1638 un
famoso libro de fantasías, glosas y canzone,
consagradas a su instrumento, llenas de pasos difíciles,
signos del virtuosismo de Selma.
La chirimía es el predecesor del oboe. Lo cual
no quiere decir que, triunfante este, aquella desapareciera
de los usos musicales ibéricos. Un artículo
de J. Borràs y A. Ezquerro nos asombra a propósito
de unas chirimías que se tocaban en Calatayud
en pleno siglo XIX. Más que ningún otro
ministril, la chirimía se asociaba a ocasiones
de regocijo, de ahí la indicación tópica
de los cabildos que ordenaban fiestas: "con los
acostumbrados fuegos de luminarias y chirimías".
Los ministriles, en su deseo afectuoso de imitar a
la naturaleza, esto es, a la voz humana, asumieron hermosamente
el riesgo de la "imperfección" y fueron
desplazados en la segunda mitad del siglo XVII por instrumentos
más técnicos, más "instrumentales",
como el violín, el oboe o el fagot, si bien en
España, país de frutos tardíos,
alargarían durante muchos más años
su presencia.
Paco Rubio
REAL
COMPAÑÍA ÓPERA DE CÁMARA
La Real Compañía Ópera de Cámara
(RCOC) es un ensemble de producción independiente
de ópera con sede en Barcelona, que contribuye
a la recuperación de obras de compositores españoles
e italianos pertenecientes a los siglos XVII y XVIII,
incidiendo en el elemento escénico como eje generador
de la interpretación musical de serenatas, cantatas
escénicas y óperas, tanto en versión
escénica como en versión concertante.
Bajo la dirección de Isidro Olmo y Juan Bautista
Otero, ha llevado a escena para distintos festivales
y teatros de ópera europeos (Dresden, Amsterdam,
Barcelona, Frankfurt, Basilea, Zürich, Rotterdam)
obras como Los Elementos de Antonio de Literes, L'Arbore
di Diana e Il Sogno de Vicente Martín y Soler,
Artaserse de Domènec Terradellas, o Gloria e
Imeneo de Antonio Vivaldi.
RCOC dispone de una sección editorial propia
destinada a publicar las obras que han sido llevadas
a escena por la compañía, o que constituyen
futuros proyectos de la misma. La colección está
compuesta por títulos de extraordinario valor
que no han sido editados en su mayoría por ninguna
otra editorial en el mundo. Entre ellos figuran las
primeras ediciones de óperas de compositores
como Martín y Soler, Terradellas, Pérez,
Mariana Martínez, Mele, Lidón, o Bonno.
Para la presente temporada 2003-2004, además
del estreno de Eco y Narciso en el Festival Internacional
de Música Antigua de Aranjuez, RCOC estrenará
en el Festival de Otoño de Madrid un espectáculo
dedicado a la compositora Mariana Martínez y
para el Festival Internacional de Música Antigua
de Úbeda y Baeza, el estreno mundial de la ópera
seria de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide.
JUAN BAUTISTA OTERO, Dirección musical
Inicia sus estudios de canto en Barcelona con Margarita
Sabartés, ampliándolos en Londres (King's
College, canto y composición), en Basilea -Schola
Cantorum Basiliensis, con Dominique Vellard (ensemble
Gilles Binchois), en donde se especializa en música
medieval y barroca y finaliza sus estudios junto a René
Jacobs, Nigel Rogers, Rosmarie Meister y Karin Smith
-musicología-, Hans Martin Linde -dirección-,
y más tarde con Peter Kooy en Hannover. Interesado
en la recuperación y difusión de la música
barroca española e italiana, crea en 1987 el
Beatus Ille Ensemble, orquesta de cámara centrada
en la interpretación con instrumentos originales
-bajo la batuta de directores como Alessandro de Marchi,
Paul Dombrecht o Marcel Pérès-, base de
la futura Real Compañía Ópera de
Cámara (RCOC). Junto a RCOC ha llevado a la escena
con éxito obras de Antonio de Literes (Los Elementos,
1992), Antonio Vivaldi (Gloria e Himeneo, La Senna Festeggiante,
1993), David Pérez (L'Olimpiade, 1994), Vicente
Martín y Soler (L'Arbore di Diana, bajo la dirección
musical de Arnold Östman, la temporada 1995-1996,
Il Sogno, temporada 2000-01) Domènec Terradellas
(Artaserse, Anfiteatro del Festival Grec de Barcelona
1998, bajo la dirección musical de Christophe
Rousset). Afincado de nuevo en Barcelona tras su estancia
de más de ocho años en Suiza y Alemania,
en la actualidad dirige la RCOC con el objetivo de recuperar
la música escénica del barroco español
y de los reinos españoles de Italia durante los
siglos XVII y XVIII.
OLGA PITARCH, Soprano
Olga Pitarch realiza sus estudios musicales en el Conservatorio
Superior de Música de Valencia donde obtiene
el título superior de Piano (con A. Bueso) y
de Canto (con A . L. Chova) y, becada por el Ministerio
de Cultura, perfecciona posteriormente sus estudios
de canto en la Musikhochschule de Viena. Galardonada
con varios premios nacionales (Juventudes Musicales-1991,
concurso de ópera Eugenio Marco-1994), actúa
como solista tanto en recitales como en oratorio ( Misa
en do menor de W. A. Mozart, Le Roy David de A. Honegger).
Participa igualmente en diferentes producciones de ópera
: La Didone de F. Cavalli (Iride, Amore) dirigida por
C. Rousset y puesta en escena por P. Paul-Harang en
el festival d'Ambronay, L'incoronazione di Poppea de
C. Monteverdi (Drusilla) dirigida por A. Zedda y puesta
en escena por A. Garcia-Valdes en el teatro de La Zarzuela
de Madrid, Artaserse de D. Terradellas (Semira) producción
de RCOC para el festival Grec de Barcelona, dirigida
por C. Rousset y puesta en escena por J. B. Otero, Un
voyage dans la lune de J. Offenbach dirigida por F.
Chauvet y puesta en escena por P. Thirrion-Vallet en
el festival de Dinard y últimamente Zelos aun
del ayre matan de J. Hidalgo (Floreta) dirigida por
J. C. Malgoire y puesta en escena por P. L. Pizzi en
el Teatro Real de Madrid, e Il Sogno de Martín
y Soler.
Su predilección por la época del barroco
le ha llevado a participar en la recuperación
de un amplio repertorio español, concretamente
con la " Capella de Ministrers " junto a la
que ha realizado varias giras al extranjero (Argentina,
Chile, Méjico, Italia…) y numerosas grabaciones
(Júpiter y Dánae de A. Literes, La Madrileña
de V. Martin y Soler, A la pasión de Cristo Nuestro
Señor de A. T. Ortells, entre otras ). Paralelamente
desarrolla este repertorio en concierto junto a grupos
como " Le Parlement de Musique ", " Al
Ayre español ", " La Romanesca ",
" La Grand Ecurie et la Chambre du Roy " ,
ampliándolo al máximo : Dido and Aeneas
, The Fairy Queen , King Arthur de H. Purcell, Vespere
a la Beata Vergine de C. Monteverdi , Carissimi , Frescobaldi,
Strozzi, la trilogía monteverdiana dirigida íntegramente
por J. C. Malgoire en el teatro de Orléans y
en el teatro de los Campos Elíseos de París,
Il ritorno d'Ulisse in Patria (Minerva) dirigida por
William Christie. Para la temporada 2003-2004 además
del estreno de Eco y Narciso en el Festival Internacional
de Música Antigua de Aranjuez, RCOC Olga Pitarch
cantará bajo la dirección de Otero en
el Festival de Otoño de Madrid un espectáculo
dedicado a la compositora Mariana Martínez y
para el Festival Internacional de Música Antigua
de Úbeda y Baeza, interpretará el papel
principal en el estreno mundial de la ópera seria
de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide.
ISIDRO OLMO CASTILLO, Dirección adjunta,
puesta en escena
Barcelona (1965), diplomado en Arte Dramático
por el Institut de Teatre de Barcelona-Universidad Autónoma
de Barcelona. Ha participado en diversas producciones
teatrales para compañías nacionales e
independientes, entre otras El Despertar de la Primavera
de Wedekin, El Misàntrop de Moliere, La Dama
del Mar de Ibsen, la Cubana Maratón Dancing,
El Vol d'Icar de Queneau o Anatol de Schnitzler bajo
la dirección de Jordi Mesalles. Además
de su intensa actividad como editor de música
española de los siglos XVII y XVIII junto a la
RCOC, de la que es director, ha participado en la puesta
en escena de las óperas L'Arbore di Diana de
Martín y Soler (Nationale Reisopera y Festival
de Dresden, dir.Arnold Östman), Gloria e Imeneo
de Vivaldi (dir. Alessandro de Marchi) Artaserse de
Domingo Terradellas dir.mus.de Christophe Rousset ,
para el Festival Grec de Barcelona, Il Sogno de Martín
y Soler.
NICOLA PORPORA
ORLANDO
ou le délire
1720
Real Compañía Ópera
de Cámara
Juan Bautista Otero
con instrumentos originales
Orlando
Robert Expert, contratenor
Medoro
Olga Pitarch, soprano
Angelica
Betsabée Haas, soprano
Hiro Kurosaki, Violín concertino
Ilia Korol, Violín I
Mihoko Kimura, Violín I
Andreas Preuss, Violín II
Beatrix Hülsemann, Violín II
Lothar Haass, Viola
Marcial Moreiras, Viola
Guido Larish, Violoncello
Andrea Fossà, Violoncello
Juan Ruíz, Contrabajo
Barbara Ferrara, Oboe I
Mark Radcliffe, Oboe II
Eckhard Lenzing, Fagotto
Marco Panella, Corno I
Dimer Maccaferri, Corno II
Hugh Sandilands, Teorba
Siobhán Armstrong, Arpa
Dirk Börner, Clave
Juan Bautista Otero, dirección
musical
Isidro Olmo, dirección adjunta
Otero-Olmo, puesta en escena
Joaquim Roy, escenografía
Montserrat Figueras, iluminación
Fran De Gonari, vestuario
Lewis Amarante, maquillaje y peluquería
ARGUMENTO
Los episodios originales de Orlando se desarrollan
durante la guerra entre las tropas cristianas de Carlomagno
contra las de Agramante, rey de los musulmanes.
Orlando, conde de Anglant, regresa a Francia tras un
largo período en Oriente, acompañado por
Angelica -princesa hija del Can de Catay (China)-, con
el objeto de unirse a las huestes de Carlomagno. Consciente
de la rivalidad existente entre sus dos lugartenientes
principales, Orlando y Rinaldo, señor de Montalban,
por conquistar a Angelica, Carlomagno promete la mano
de ésta a quien con mayor gallardía luche
en la batalla contra los sarracenos. Sin embargo, Angelica,
sin el menor deseo de unirse a sus pretendientes y ante
la inminente derrota de los cristianos, emprende la
huída sola, con la intención de regresar
a su reino. Se inicia de este modo una persecución,
protagonizada por Orlando y otros muchos caballeros,
por conquistar a la princesa oriental; jalonada de numerosas
peripecias, batallas, encuentros, rechazos y nuevas
huídas de Angelica, les lleva errantes por diversos
puntos de Europa hasta alcanzar un antiguo y espeso
bosque en las cercanías de París: allí
la búsqueda se transformará definitivamente.
Medoro y Cloridano, dos soldados que han sobrevivido
a la masacre de las tropas musulmanas a manos de las
huestes carolingias, deciden adentrarse en el campo
enemigo para recuperar el cadaver de su amado rey -
el joven musulmán Dardinello, hijo bastardo de
Almonte y guía de las tropas de Agramante- y
darle sepultura. Atraviesan por la noche el campo de
batalla y, tras dar muerte a numerosos enemigos, gracias
a la luz de la luna logran encontrar el cuerpo del monarca.
Carga con él Medoro a sus espaldas pero son vistos
por un grupo de caballeros escoceses. Cloridano y Medoro
huyen y se adentran en el denso bosque junto al campo
de batalla. Perseguidos por los soldados carolingios
son finalmente interceptados. Medoro es herido en el
pecho a traición cuando imploraba que le permitieran,
antes de morir, enterrar a su rey. Cloridano muere a
su lado.
Hacia aquel mismo bosque huye de París Angelica
cuando halla a Medoro, que yace moribundo, perdiendo
gran cantidad de sangre, junto a Cloridano y el rey,
ya muertos. Amor decide vengar la altanería y
orgullo de Angelica haciendo que se enamore de Medoro.
Cuando ve al joven tan gravemente herido quejarse, no
del dolor que le causa la herida, sino de no poder dar
sepultura a su rey y amigo, Angelica se apiada y decide
salvarle. Rememora sus conocimientos médicos
y va a recoger plantas curativas: díctamo y pánace.
Rápidamente prepara el líquido curativo
y se lo aplica a la herida, cortando milagrosamente
la hemorragia. Angelica decide quedarse -primero por
piedad y luego por amor- hasta que se cure Medoro. En
efecto, se produce la transformación esperada
por Cupido: cuanto más se va cerrando la herida
del soldado, más se va abriendo la herida de
amor en Angelica.
Medoro sana y Angelica empeora más y más.
Hasta el punto que para evitar su propia muerte, finalmente
supera su orgullo y declara abiertamente su amor y su
deseo. Se une a Medoro y declaran su amor por todas
partes: en troncos, piedras y la gruta que les da cobijo.
Pero Orlando, hallándose persiguiendo al sarraceno
Mandricardo, penetra en ese mismo bosque y lo descubre...
NOTAS DEL DIRECTOR
El abandono por amor
"Orlando ou le délire" o "Angelica"
es una excepcional obra que narra el devenir del célebre
paladín a partir de dos fuentes fundamentales:
Orlando furioso (1516) de Ludovico Ariosto y Orlando
innamorato (1483) de Matteo Maria Boiardo. Fue encargada
con ocasión del aniversario de la emperatriz
Isabel de Austria y estrenada en Nápoles, en
el teatro privado del palacio del príncipe de
Torella, Antonio Caracciolo, el 20 de Agosto de 1720.
Nicola Antonio Porpora (Nápoles, 17 de Agosto
de 1686- 3 de Marzo de 1768) la compuso a la edad de
34 años y, aunque perteneciente a su primer período
creativo -si tenemos en cuenta que escribió su
última ópera con 74 años- es, claramente,
una obra de plena madurez como músico y como
artista. Había estrenado ya siete óperas,
además de un pequeño componimento drammatico
y una breve serenata: para Nápoles, Agrippina
(1708), Flavio (1711), Basilio (1713) y Faramondo (1719);
para Viena, Arianna (1714) y Temistocle (1718); y, para
Roma, aquel mismo año de 1718, Berenice, en colaboración
con Domenico Scarlatti, autor del primer acto y parte
del segundo. De todas ellas, la primera obra vocal de
peso, escrita por Porpora para la escena y conservada
hasta nuestros días es, precisamente, "Angelica".
Tanto por el número de personajes que intervenieron
-seis en el original metastasiano-, extensión,
variedad y lucidez narrativa de las piezas, así
como por la duración e ingente cantidad de material
musical de la totalidad de la obra, no existe una verdadera
diferencia entre este "componimento drammatico"
y una ópera seria del momento; tan sólo
en el plano formal lo distingue la estructuración
en dos partes, en lugar de los tres actos de sus óperas
serias anteriores. Si además tenemos en cuenta
que, en aquel año de 1720, Porpora compuso únicamente
esta obra para la escena, bien puede Orlando encabezar
el corpus creativo operístico del napolitano,
identificado hasta la fecha.
Este fue el primero de los motivos que nos impulsó
a iniciar la recuperación de la música
vocal escénica de este genial compositor precisamente
con esta obra y no con una de sus óperas posteriores.
Por otra parte, convergen, además, dos circunstancias
históricas de enorme interés en la creación
de Orlando: constituye el debut teatral de, sin lugar
a dudas, uno de los mejores cantantes de la historia
de la música, Carlo Broschi, "Farinelli"(1705-1782),
y la primera composición para la escena del que
sería el más sobresaliente libretista
del siglo XVIII, Pietro Metastasio (1698-1782). Al hilo
de esta circunstancia debemos añadir el espectacular
elenco de cantantes que participaron en el estreno:
la soprano Maria Anna Benti Bulgarelli, "La Romanina",
que interpretó el papel de Angelica -verdadera
mentora del propio Metastasio, tal y como él
mismo lo señala en su correspondencia, a raíz
del estreno de esta obra y uno de los motivos por los
que la tituló con este nombre y no con el original
que hemos reintegrado de "Orlando"; el soprano
castrato Domenico Gizzi, discípulo, como Farinelli,
del propio Porpora, y la mezzosoprano Maria Antonia
Marchesini. En efecto, la inusitada conjunción
de hechos y personalidades que rodearon la creación
de nuestro Orlando queda plenamente corroborada por
el resultado: una apabullante joya de la música
vocal escénica del barroco. Sin lugar a dudas,
pieza significativa para la conmemoración del
300 aniversario del nacimiento de Farinelli, artista
clave de la música escénica europea del
XVIII y, además, creador de la compañia
de ópera de cámara, inspiradora, hoy día,
de nuestra Real Compañía Ópera
de Cámara.
Ya en un primer acercamiento a la partitura se evidencia
la experiencia de Porpora como dramaturgo musical, además
de como maestro de canto. Confrontada a Gli Orti Esperidi
(Palacio Real de Nápoles, 1721; la siguiente
obra que se conserva del compositor napolitano y segunda
colaboración con Metastasio), se ponen de manifiesto,
no obstante el incuestionable valor musical de este
otro componimento drammatico, numerosos elementos que
constatan la singularidad de ese "nacimiento"
que fue Orlando: pese al brillante verso metastasiano,
se percibe una mayor relajación dramática
de los personajes y sus intervenciones musicales; parece
como si faltara una parte de ese ésprit propio
del inicio de algo. Lo corrobora, por otro lado, el
hecho de que en este primer período compositivo,
Orlando fuera la única de sus obras que volviera
a ser representada: en el mismo año de su estreno,
en Viena, con motivo de la celebración de la
onomástica de la emperatriz Isabel, y en 1722,
en Nápoles, nuevamente por el cumpleaños
de la monarca -prueba indudable de su éxito.
Más aún si tenemos en cuenta que en raras
ocasiones se reponían este género de piezas,
lo cual no sólo subraya su calidad sino afianza
su parentesco con la ópera seria.
En el manuscrito autógrafo procedente de la
British Library que hemos empleado para la presente
interpretación y edición -además
de la copia existente en Viena-, no se conserva la sinfonía
introductoria a la obra. A decir de sus anotaciones
en el manuscrito, Porpora no parece que deseara componer
una obertura expresamente para Orlando. A diferencia
del manuscrito también autógrafo de Gli
Orti Esperidi, -en el que el encabezamiento original
precede la sinfonía, encadenada al primer recitativo
accompagnato de la obra-, aquí Porpora anota
"7 de Agosto de 1720" al iniciarse el primer
recitativo de la primera escena, desvinculándolo
de la pieza que debió emplear a modo de introducción.
Era esta una circunstancia muy frecuente en la creación
de óperas serias y componimenti drammatici de
principios del XVIII. En este caso era práxis
común encajar una obertura escrita con anterioridad
por el propio compositor.
A diferencia del caballero errante ariostiano, sobre
el cual compuso tan sólo una obra -la que nos
ocupa-, Porpora se inspiró en tres ocasiones
en la figura de Arianna para escribir sendas óperas:
en Viena, en 1714, en Venecia, en 1727 y en Londres
en 1733. De ellas el propio Porpora reutilizaba material
para modelar la nueva versión; algo así
como un work-in-progress dieciochesco. Precisamente,
por este aspecto recurrente y obsesivo -único
en la producción porporiana-, y por el extraordinario
dramatismo de esta pieza, nos ha parecido oportuno elegir
su obertura como introducción a los trágicos
aconteceres de Orlando. Sorprendentes concomitancias
programáticas nos avanzan el carácter
del héroe carolingio, evocan su quimérica
búsqueda y, lo que es más importante,
nos sitúan en un espacio de affetti comunes:
el abandono y vacío emocional de Arianna que
sufre también Orlando. Un contundente movimiento
inicial alla francese fácilmente nos sugiere
las turbulentas batallas de Carlomagno en Francia contra
las tropas musulmanas, durante las cuales se desarrolla
la acción del Orlando, y pueden emular tanto
la decepción del amor frustrado del protagonista
como las tristes singladuras de Medoro. Le sigue una
monumental fuga, preñada de imágenes propias
de esta forma: el carácter huidizo de Angelica
y la eterna enqueste orlandiana. Por último,
el breve movimiento final, desproporcionado con respecto
a la búsqueda del movimiento anterior, pleno
de gestos musicales ligeros y bizarros, premonitorios
del delirio de Orlando. La magnífica factura
de esta ouverture nos parece ya, por sí sóla,
motivo indiscutible para la recuperación de la
figura de este compositor, maestro de maestros: de Hasse,
Haydn y Mariana Martínez; de Farinelli, Gizzi,
Regina Mingotti o Caffarelli; modelo a seguir para compositores
com Jommelli, Pérez o tantos otros y sin lugar
a dudas, fuente de inspiración de Handel, hecho
este ignorado por el desconocimiento de la obra de Porpora
de musicólogos e intérpretes en nuestros
días.
Para esta nueva producción de la Real Compañía
Ópera de Cámara, hemos reintegrado, con
escrupuloso rigor y respeto, el libreto metastasiano
de Angelica a la secuencia de episodios originales del
Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. Y ello con el objeto
no sólo de hacer comprensible para el público
de hoy los avatares de los tres personajes principales
de la acción, sino de incidir en las transformaciones
que sufren cada uno de ellos y que tan admirablemente
nos las hace sentir vivas la música de Porpora.
Uno de los motivos que nos impulsaron a realizar una
versión ariostiana de la obra de Metastasio -en
lugar de presentar sencillamente la obra tal cual-,
es la subtrama que el joven libretista romano introdujo,
siguiendo aún la tradición de finales
del XVII, en el texto original de Angelica y que sin
duda desvía la atención del público
y constituye un obstáculo para una percepción
más limpia de los tres ejes de la historia, Angelica,
Medoro y Orlando. Metastasio intercala un poco significativo
conflicto de celos, paralelo al enamoramiento de Angelica
y Medoro, entre Licori, pastora hija de Titiro -este
personaje sí incluído de forma lateral
por Ariosto-, y el también pastor Tirsi. Ambos
no son sino meros instrumentos utilizados por Angelica
para huir junto con su amor Medoro del acecho de Orlando.
Aunque dotados de ciertos momentos de hermosa poesía,
en general, tanto por sus intervenciones como por su
significación dentro de la trama principal, estos
personajes son fruto de un Metastasio brillante pero
primerizo y, aunque de un discutible valor histórico,
no añaden elementos dramáticos diversos
de los expuestos ya por los principales, ni crean nuevas
tensiones con respecto a la narración fundamental.
No ocurre así con sus vigorosas y exquisitas
arias, que, tal y como hemos señalado, reinciden
en affetti ya expresados por Angelica, Orlando y Medoro
y que nosotros, fieles a su carácter, hemos preservado
integrándolas a los acontecimientos originales
descritos por Ariosto con el objeto de incrementar,
en los tres roles restantes, las emociones que encierran.
Perpetuando la tradición del dieciocho en la
que con total flexibilidad se modelaba una nueva versión
de la obra a representar para cada circunstancia, hemos
articulado nuestro Orlando a partir de los cuatro cantos
principales de Ariosto en los que se inspiró
Metastasio para elaborar Angelica. En ellos se desarrolla
la historia de Angelica y Medoro y adquieren sentido
las consecuencias que ésta tiene sobre el caballero
carolingio: el Canto I, en el que se fragua la huída
de Angelica y la vana persecución de Orlando;
los Cantos XVIII y XIX, en los cuales aparece Medoro,
es herido y hallado por Angelica, además de relatar
el grueso de la acción entre los dos personajes:
la curación del joven soldado por la princesa
y su posterior unión; y, por último, el
Canto XXIII, en el que se describe el fortuito descubrimiento
de la infidelidad de Angelica que desata, primero los
celos, luego la cólera y, finalmente, la pérdida
de la razón de Orlando.
Nuestro deseo, en definitiva, ha sido recuperar la
esencia de las tres personalidades creadas por el poeta
de Ferrara, captadas magistralmente en los versos de
Metastasio y que cobran vida, de manera prodigiosa,
a través de la música de Porpora. Precisamente
con el objeto de subrayar el conocimiento, tanto del
libretista como del compositor, de los rasgos primordiales
de Orlando, Angelica y Medoro, nos ha parecido más
necesaria aún llevar a cabo esta labor de reintegración
de estos tres genios, Ariosto, Metastasio y Porpora,
en una pieza más esencial y no conformarnos con
un mero historicismo interpretativo, para centrar la
atención del público de hoy en un contexto
dramático que permita conmovernos, viendo, comprendiendo
y sintiendo, de la manera más intensa, las desdichas
o los goces de estos seres, la fina capa sobre la que
se sustentan el carácter y los principios del
ser humano.
La fortaleza, capacidad de acción y cordura de
Orlando, transformados en vana búsqueda, pusilanimidad,
triste enajenación y delirio por un amor idelizado,
irreal; la vanidad y el orgullo personificados por Angelica,
aderezados por el miedo a la entrega, a compartir, es
decir, el Egoismo doblegado por Amor (tema sobre el
cual incidió particularmente Metastasio en este
libreto): una pasión irrefrenable hacia la persona
menos digna; su rango social, princesa, humillado por
un soldado, Medoro, que para mayor vergüenza de
los caballeros carolingios, pertenece a las tropas musulmanas.
Medoro, a su vez, experimenta cómo el amor puro,
fraternal hacia su amigo y señor, es suplantado
por el amor pasional, brevemente polucionado por los
celos y el engaño de Angelica, y por cuya irracional
fuerza se ve impelido a la unión que le procurará
la mayor dicha. Tres sublimes muestras del abandono
del yo por la fuerza de Amor.
Juan Bautista Otero
Barcelona, invierno de 2004
GUSTAV
LEONHARDT
Nacido en Holanda, Gustav Leonhardt está considerado
como uno de los más eminentes especialistas en
el campo de la música antigua, tanto en el aspecto
práctico como en el teórico. Creció
en un ambiente familiar donde la música era habitual,
y desde el principio se interesó por los instrumentos
órgano y clave. Tras acabar sus estudios secundarios
se trasladó a Suiza, a la Schola Cantorum Basilensis,
bajo la dirección de Eduard Müller.
En 1952 fue nombrado profesor de musicología
y clave en la Academia de Música de Viena, cargo
que desempeñó hasta 1955. A continuación
impartió clases en el conservatorio de su ciudad
natal, Amsterdam, y obtuvo el puesto de organista del
Nieuwe Kerk. Desde 1950 ha venido desarrollando una
intensa actividad como solista de clave y órgano,
dando recitales por toda Europa , Norteamérica,
Japón, Australia y Suramérica. Ha grabado
más de 180 discos para diversas casas discográficas
(Phillips, Harmonia Mundi, Sony, BMG etc) .
Como musicólogo ha publicado un detallado estudio
sobre el "Arte de la Fuga" de J. S. Bach y
ha supervisado para Ediciones Universal la publicación
de una serie de música de cámara del siglo
XVII. Asimismo ha revisado para la Sociedad de Historia
de Música Holandesa la edición de la obra
para teclado de Sweelinck.
En 1967 interpretó el papel principal (J.S.
Bach) en la película de Jean Marie Straub "Crónica
de Ana Magdalena Bach".
Desde 1969 ocupa una cátedra en la Universidad
de Harvard en los Estados Unidos.
Tan extensa como su carrera de solista es su actividad
como director. Al frente de las principales agrupaciones
de instrumentos originales, de las que él ha
sido un constante inspirador, como La Petite Bande,
The Orchestra of the Age of Enlightenment y Freiburger
Barockorchester, ha recorrido las principales salas
de conciertos del mundo. Y dirigido óperas de
Monteverdi y Rameau. En colaboración con Harnoncourt
ha grabado la totalidad de las Cantatas de Bach, así
como una ingente cantidad de obras inéditas de
autores franceses y alemanes. Esas grabaciones han sido
merecedoras de los más prestigiosos premios que
otorgan las Academias y las Revistas especializadas
en Europa y América: Diapasón d'Or, Charles
Cross, etc.
Extraordinariamente importante fue su labor como integrante
del trío Brüggen, Bylsma y Leonhardt, con
quienes desarrolló una importante actividad musicológica
y concertística, sentando las bases de lo que
ahora conocemos como interpretación con criterios
e instrumentos originales, la verdadera aportación
de los instrumentistas a la historia de la música
en el S.XX.
En 1980 recibió el "Premio Erasmus"
que se otorga en Europa, y en 1983, 1984 y 1991 recibió
varios doctorados "Honoris Causa" por las
universidades más prestigiosas de Europa y América.
Gustav Leonhardt
clave
PROGRAMA
L. Couperin Suite en re mayor
Prélude, Allemande, Courante, Sarabande, Gaillarde,
Chaconne
J.A.Reinken Toccata en sol menor
J.Pachelbel 3 fugas
Fantasía en mi bemol mayor
G. Böhm Partita sopra "Wer nur den lieben
Gott lässt walten"
Chacona en sol mayor
H. Purcell Ground en mi menor
Suite en re menor
Allemand, Corant, Hornpipe
C. Ritter Allemande por la muerte de Carlos XI de
Suecia (1697)
J.C.F.Fischer Chacona en sol mayor
----------- pausa -----------
A. Forqueray La Marella
La d'Aubonne
La Saincy
La Buisson
J.P.Rameau Entretien des Muses
L'Enharmonique
PAUL
VAN NEVEL
Paul Van Nevel es el fundador y líder de Huelgas
Ensemble, agrupación que formó tras concluir
sus estudios en la Schola Cantorum Basiliensis.
En sus inicios con Huelgas Ensemble Van Nevel se orientó
hacia la música contemporánea, pero gradualmente
pasó a centrarse más en los periodos medieval
y renacentista, con especial énfasis en la riqueza
de la polifonía flamenca. Van Nevel hace una
aproximación a esta música desde su contexto
original, reflejando sus interpretaciones el espíritu
de la época en que cada pieza fue compuesta (su
literatura, pronunciación, experiencia, tempo,
contrapuntos improvisados, actitudes declamatorias,
etc.).
En la actualidad Huelgas Ensemble goza de un merecido
prestigio que le han proporcionado sus grabaciones y
conciertos. Entre las distinciones recibidas por Van
Nevel y Huelgas Ensemble están los prestigiosos
"Prix In Honorem" de la Académie Charles
Cros de Paris, dos Cannes Classical Awards for Ancient
Music, el Diapason d'Or de l'Année y el ECHO
Deutscher Schallplattenpreis. Esta agrupación
actúa habitualmente en prestigiosas salas y festivales
de toda Europa y puede escucharse en las principales
emisoras de radio.
Además de un trabajo intensivo con Huelgas Ensemble,
Van Nevel ha dedicado gran cantidad de tiempo a la investigación
y transcripción de música medieval y renacentista.
Parte de estas transcripciones están disponibles
en la editorial alemana Bärenreiter. Entre sus
artículos se encuentra un monográfico
sobre Johannes Ciconia y un popular ensayo titulado
"Nicolas Gombert y las aventuras de la polifonía
flamenca". En la actualidad se encuentra preparando
un trabajo sobre los "Franco-Flamands", los
compositores franco-flamencos del norte de Francia de
los siglos XV y XVI.
Van Nevel ha sido durante varios años director
invitado de diferentes formaciones de renombre como
el Collegium Vocale Gent, el Nederlands Kamerkoor y
el coro del Nederlandse Bach Vereniging, además
de conferenciante invitado en el Sweelinck School of
Music de Ámsterdam, donde impartió un
curso de notación e interpretación a la
sección de dirección coral.
Paul Van Nevel es un aficionado a los cigarros puros
de reconocido prestigio internacional.
HUELGAS ENSEMBLE
Fundado por Paul Van Nevel, Huelgas Ensemble se ha
convertido en una de las más destacadas agrupaciones
vocales de Europa dedicadas a la interpretación
de música medieval y renacentista. Combinando
gran erudición académica con una técnica
y un brío excepcionales, vuelven a dar vida a
piezas musicales largamente olvidadas en oscuros rincones
de archivos y bibliotecas del continente europeo.
El estilo interpretativo de esta agrupación
gira en torno al reconocimiento de la relación
simbiótica que existía, según la
mentalidad medieval y renacentista, entre las diferentes
ramas de las artes. El estudio de los temperamentos
de Alberto Magno, del "teatro de la memoria"
de Giulio Camillo y de las técnicas oratorias,
forman parte de la investigación interdisciplinar
que hace que los conciertos de Huelgas Ensemble alcancen
un resultado sorprendente a la vez que ajustado al rigor
histórico.
Los logros alcanzados impresionan: entre las numerosas
distinciones de la crítica han conseguido el
premio Edison; el de Caecilia en 1991, 93 y 95; el Snepvangers,
premio de la prensa musical belga, en 1991 por el CD
que contiene la Misa para doce voces "Et ecce terrae
Motus" de Antoine Brumel, y en 1993 por el CD "Nicolas
Gombert: Música en la corte de Carlos V";
el Diapasón d'Or por su grabación de 1995
"Utopia Triumphans"; el primer premio CD Compact
Records Award de 1991 por la grabación de las
misas "L'Homme armé" del siglo XV titulada
"La Dissection d'un homme armé" y tantos
otros.
Huelgas Ensemble grabó un importante número
de CDs de música medieval y renacentista para
el sello Sony Classical comprendidos en la llamada serie
"Vivarte" del productor Wolf Erichson. A partir
de 1999 con el CD "Lamentations de la Renaissance"
pasaron a publicar en el sello Harmonia Mundi France.
FORMACIÓN
Director Artístico: Paul Van
Nevel
Axelle Bernage (superius)
Poline Renou (superius)
Petra Noskaiová (superius)
Peter De Groot (altus)
Tom Phillips (tenor)
George Pooley (tenor)
Bernd Oliver Fröhlich (tenor)
Paul Kirby (tenor)
Stefan Berghammer (tenor)
Jasper Schweppe (baritonans)
Lieven Termont (baritonans)
Marc Busnel (bassus)
Joel Frederiksen (bassus)
NOTAS AL PROGRAMA
En 1556 los famosos impresores musicales parisinos
Le Roy et Ballard publicaron un volumen póstumo
de diecinueve motetes del compositor franco-flamenco
Jean Richafort: "Joannis Richafort modulorum quatuor,
quinque et sex vocum, liber primus…". Esta publicación
figura entre los incontables homenajes que se rindieron
en honor de uno de los más destacados polifonistas
de la primera mitad del siglo XVI.
Aparte de esta edición dedicada exclusivamente
a Richafort, vieron la luz entre 1519 y 1583 más
de sesenta antologías que contienen alguna una
obra suya. Resulta aun más impresionante saber
que más de doscientos manuscritos incluían
copias de composiciones de este destacado autor. Entre
estos manuscritos encontramos varios ejemplos famosos,
en ocasiones comisionados por y para círculos
ilustres.
Tan amplia circulación de su obra nos permite
suponer que Richafort debió de ser un músico
altamente reputado. Esta suposición se confirma
con una serie de hechos conocidos:
Cuando el rey francés François I se entrevistó
con el Papa León X en Bolonia en 1516 Richafort
pertenecía al séquito musical de su majestad.
El arte de Richafort produjo tal impresión en
el melómano Papa que el 30 de enero de ese mismo
año éste le hizo entrega de varios regales
al compositor (el mismo honor concedido a Claudin de
Sermisy).
Un tal Giovanni Antonio Merlo, cantante de la Capilla
Sixtina entre 1555 y 1588, guardaba un diario-memorandum
en el que menciona las composiciones que en su época
eran consideradas las "imperecederas" en el
coro de la Capilla Sixtina. Entre las 18 obras que aparecen
en esta lista se encuentra el motete de Richafort Quem
dicunt hominess. Vale la pena destacar que esta pieza
ya encontró su sitio en un libro de coro de 1518,
así pues estuvo más de cincuenta años
cantándose.
El humanista y musicólogo suizo, corresponsal
de Erasmo, Henricus Glareanus (1488-1563) publicó
en Basilea en 1547 el tratado Dodecachordon en el cual
menciona al más joven cmpositor de su generación,
Richafort, en los siguientes terminus: '…cuius magna
est nostra etate laus in componendis vocibus'.
En uno de los discípulos de Glareanus, Aegidius
Tschudi (1505-1572), pervivía la admiración
de su maestro por Richafort y en uno de sus manuscritos
(St. Gallen, Stiftsbibliothek, ms. 463) copió
siete de sus composiciones.
También encontramos muestras de admiración
por su arte en lugares un tanto inesperados: Pierre
de Ronsard (1524-1585) le sitúa entre los grandes
compositores en su Livre des Meslanges contenant six
vingtz chansons des plus rares et plus industrieuses
qui se trouvent…(1560): '…Et pource, Sire, quand il
se manifeste quelque excellent ouvrier en cet art, vous
le devez songneusement garder, comme chose d'autant
excellente, que rarement elle apparoist. Entre lesquels
se sont depuis six ou sept vingtz ans eslevez Josquin
des Prez, et ses disciples Mouton, Vuillard, Richaffort…'.
Eran, sin embargo, sus propios colegas compositores
los que le tenían en más alta estima y
aprecio. Hacia 1510-1515, cuando en el seno de la capilla
de la corte de Francia se compusieron las primeras misas
parodiadas/cantadas (misas basadas en composiciones
preexistentes -motetes, canciones, etc.-), se tomaba
precisamente como modelo un motete de Richafort (el
ya mencionado Quem dicunt hominess). De modo que hasta
el final del siglo XVI Richafort permaneció entre
los compositores más frecuentemente interpretados.
Divitis, Mouton, Lupus, Morales, Gombert, Ruffo, Pullauer
e incluso Palestrina compusieron misas basadas en modelos
de Richafort. Con toda seguridad el compositor no pudo
haber soñado con mayores homenajes.
Tras lo expuesto se podría pensar que la vida
y la carrera de Richafort estarían ampliamente
documentadas en archivos contemporáneos. Sin
embargo nos encontramos con la paradoja de que la supervivencia
y transmisión de su obra son de una amplitud
inversamente proporcional a los hechos conocidos de
su vida. A continuación citamos algunos de los
escasos detalles conocidos:
Jean Richafort nació en torno a 1480 en el Flandes
francés en un lugar entonces conocido como Ricartsvorde
(Ryfvart cerca de St. Omaars?). Nada se sabe de sus
primeros años de vida y educación. En
1507 se convirtió en Maestro de Capilla de la
catedral de Saint-Rombaud de Malinas, donde dos de sus
hermanos, Guillaume and François, eran integrantes
del coro. En 1509 le sucedió Noël Baudoin
(Bauldewyn).
Lo que aconteció después no está
claro. En algún momento debió de frecuentar
la corte francesa, donde probablemente compuso el motete
Consolator captivorum para el funeral de Luis XII en
1515. Como ya se ha dicho, estuvo en Bolonia en 1516.
Otra fuente (Vicenzo Galilei), le sitúa en Roma
ya en 1513.
Su ultimo puesto conocido fue el de Maestro de Capilla
en la iglesia de Saint-Gilles de Brujas desde 1542 hasta
1547. Tras este destino perdemos cualquier pista de
él.
Teniendo en cuenta el elevado número de publicaciones
francesas y la naturaleza de sus composiciones, es posible
que Richafort pasara los años 20 y 30 al servicio
de los reyes franceses.
Las obras recogidas en este programa son reveladoras
del talento creador y de las carcterísticas del
estilo.de Richafort. Así el poético y
a veces misterioso texto del motete a cuatro voces Sufficiebat
nobis paupertas es una paráfrasis de un pasaje
del Antiguo Testamento (Tobías 5, 20-23 y 10,
4). Diez Fuentes de esta obra han sobrevivido. Para
la voz superior Richafort utiliza la parte del tenor
de la chanson Mon souvenir me fait mourir de Hayne van
Ghizegem. El contrapunto, formado por las tres voces
bajas, contrasta fuertemente con la calma del movimiento
en valores lentos de la voz superior. Estas tres voces
forman una rica estructura armónica de base que
hace uso frecuente de las figuras retóricas (p.ej.
con las palabras 'pecunia ipsa'). Además Richafort
aplica el principio de fuggir le cadenze: en 'filium
nostrum' introduce una cadencia en si bemol éloignée
sur le plan modal.
El breve motete Laetamini in Domino tiene un carácter
completamente diferente. También para voces masculinas,
está compuesto en estilo contrapuntístico
para cuatro voces. Por medio de un ingenioso cruce de
partes (en un punto la primera voz llega incluso a cruzarse
con la cuarta) y breves imitaciones, Richafort consigue
escribir un contrapunto móvil que trasciende
el mero ingenio técnico.
Una de las cumbres de la obra de Richafort es la Salve
Regina tripartita a cinco voces. La melodía gregoriana
de esta antífona es citada y parafraseada a cinco
voces. Al comienzo hay un intercambio alternatim de
contrapunto virtuoso entre dos grupos de voces. Partiendo
solamente de la palabra 'clamamus' asistimos a un despliegue
completo y simultáneo de las cinco voces con
un rico desarrollo melismático. La segunda parte
está compuesta para cuatro voces, sin la voz
superior. La tercera está majestuosamente construida
sobre las palabras 'Et Jesum' (con un neuma) y culmina
en un pasaje melismático en 'nobis post hoc'.
Cada una de las invocaciones finales 'O clemens', 'O
pia' y 'O dulcis Virgo Maria' tiene su propio motivo
desarrollado, para llevarnos a un acorde final aplacado
de un quinto perfecto.
La chanson en cuatro partes Ne vous chaille para voces
masculinas está compuesta a la manera intimista
franco-flamenca con imitaciones densas.
La verdadera cima de su arte la alcanza Richafort indudablemente
con el Requiem en seis partes. La obra se basa en dos
cantus firmi que hacen referencia a Josquin Desprez.
Probablemente fue compuesto a la muerte de este compositor,
acaecida en 1521, y es en todos los sentidos un homenaje
a su arte. En esta pieza se despliega todo el talento
de Richafort desde un punto de vista eminentemente auditivo,
que sólo revela su significado más profundo
tras la escucha de la totalidad de las seis partes que
evolucionan pausadamente. No basta pues, para su total
comprensión y disfrute, un concepto únicamente
visual de la partitura.
Las valoraciones que de los logros artísticos
de Richafort se hagan basándose exclusivamente
en estudios visuales de su música no pueden captar
su verdadero significado y llevarán a juicios
manifiestamente erróneos. Así nos encontramos
con apreciaciones equivocadas como la de un conocido
musicólogo estadounidense, quien se atreve a
comentar: '…compositores como Jean Richafort y Pierre
de Manchicourt, miembros sólidos aunque sin emoción
(sic!) de lo que medio en broma llamaremos una generación
"anónima" (sic!).' (Allan W. Atlas,
Renaissance Music, New York, 1998, p. 343). El tempo
intuitivamente pausado y la concomitante amplitud de
línea expansiva, el equilibrio espléndidamente
inestable entre consonancia y disonancia, la flexibilidad
gregoriana de las líneas melódicas -todas
estas características están presentes
en el REQUIEM.
El primer cantus firmus que se repite en todas las
partes del Requiem es la cita gregoriana 'Circumdederunt
me gemitus mortis, dolores inferni circumdederunt me',
cita que también usaba con frecuencia Josquin
Desprez. Este cantus firmus se presenta en canon sólo
en las dos partes de tenor. En el Graduale y en el Offertorium,
majestuosamente construidos, hace uso igualmente en
las partes de tenor del fragmento 'C'est douleur sans
pareille' de la chanson de Josquin 'Faulte d'argent'.
Alrededor de estos dos cantus firmi Richafort crea
un contrapunto que destaca por la equilibrada construcción
de líneas melódicas meditativas, coloreadas
con parsimonia a la vez que con gran efecto gracias
a la musica ficta y al commixtio (el empleo simultáneo
de varios modos).
El Requiem es un ejemplo perfecto de lo que su predecesor
Franchino Gaffurio describe en su obra Theorica Musice
de 1492 (Ch. V, 62): '…pero se dice que la voz humana,
bien adaptada y formada para el arte es mucho más
adecuada que el sonido de todos los instrumentos a la
hora de sosegar el oído, calmar las pasiones
del alma, expulsar la debilidad del cuerpo, inducir
el movimiento y servir de alternativa a la impulsividad.'
Paul Van Nevel
LA
RISONANZA
La Risonanza es un conjunto vocal e instrumental fundado
en 1995 por Fabio Bonizzoni. Tiene un organico variable
de tres hasta 16/20 músicos, entre cantantes
e instrumentistias, en función de los diversos
programas que desarrolla. Su repertorio fundamental
es la música barroca italiana y, más en
general, la musica escrita en los siglos XVII y XVIII
influída por el estilo italiano.
La Risonanza colabora regularmente con cantantes como
la soprano Roberta Invernizzi, la mezzosoprano Gloria
Banditelli, el contratenor Martin Oro, la soprano Emanuela
Galli o el bajo Sergio Foresti.
Después de registrar en 1996 un CD enteramente
dedicado a Girolamo Frescobaldi para la revista Amadeus,
La Risonanza ha grabado un CD con la "Missa non
sine quare" de Johann Caspar Kerll para la casa
discográfica Symphonia (disco que ha obtenido
el premio "CHOC" de "Le monde de la Musique")
y un CD dedicado a las cantatas de Luigi Rossi en el
sello milanés Stradivarius. Desde el año
2000 La Risonanza graba para el casa discográfica
española Glossa, donde han aparecido sus últimos
registros: un CD dedicado a Barbara Strozzi y, recientemente,
los Concerti per organo Op. IX de Giuseppe Sammartini.
La Risonanza es regularmente invitada por importantes
Festivales musicales como el Netwerk vor Oude Muziek
de Holanda, il Kupferberg e Villa Musica de Magonza,
el Rheingau Musik Festival di Wiesbaden, MDR Musiksommer
de Lipsia, Styriarte de Graz, Musica e Poesia a San
Maurizio, Los Siglos de Oro de la Fundación Cajamadrid,
Festival de Utrecht, la Fondazione Marco Fodella di
Milano, el Festival Internazionale di Musica Antica
di Cesano Maderno, Semana de Música Religiosa
de Cuenca y muchos otros. A lo largo de todo el año
2004, y en conmemoración del tercer centenario
de la muerte de H. I. F. Biber, La Risonanza ha efectuado
una gran gira de conciertos por España (Liceo
de Cámara de la Fundación Cajamadrid,
Festival Internacional de Santander, Quincena Musical
Donostiarra, Festival Internacional del Camino de Santiago,
Pórtico de Semana Santa de Zamora) con la integral
de las Sonatas del Rosario de Biber obteniendo un clamoroso
éxito de público y de crítica.
FABIO BONIZZONI
Fabio Bonizzoni, organista y clavicembalista milanés,
desarrolla una intensa actividad concertística
como solista, como director de su ensemble "La
Risonanza" y como continuista del conjunto vocal
"La Venexiana" .
Paralelamente colabora con la orquesta Amsterdam Baroque
Orchestra de Tom Koopman y con Europa Galante de Fabio
Biondi.
Diplomado en órgano y, cum laude en clavicembalo,
ha estudiado desde 1987 a 1994 en el Conservatorio Real
de la Haya, bajo la guía de Tom Koopman con quien
ha sido el único alumno en obtener el diploma
en órgano barroco como también el de solista
en clavicembalo.
Graba regularmente para las más importantes emisoras
europeos de música clásica (Radio France,
ORF, BBC, WDR, etc.) y participa en festivales internacionales
como el Festival de Brujas, el Rheingau Musik Festival
de Wiesbaden, el Tage für Alte Musik de Berlín,
etc. Sus grabaciones discográficas, realizadas
en sellos como Stradivarius, Symphonia, Arcana o Glossa,
han recibido encendidos elogios de la crítica
especializada así como distinguidos galardones
("Preis der Deutches Schallplattenkritik",
"CHOC" de "Le monde de la Musique",
"ffff" di Télérama, "Excepcional"
de Scherzo, "Goldberg 5 estrellas" etc...).
Actualmente es docente de clavicembalo en el Conservatorio
"A. Scontrino" de Trápani y en el Conservatorio
"Suizo-Italiano" de Lugano.
PROGRAMA
"CORELLI TRASFORMATO"
Música Vocal de Arcangelo Corelli
A.Corelli Ciacona
(1653-1713) per 2 violini e bc
A.Corelli-A.Tonelli Ave Regina Celorum
(1653-1713-1686-1765) Antifona per soprano, alto, 2
violini e bc
Regina Celi
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
A.Corelli Sonata op 5 n 3
per violino e bc
A.Corelli-A.Tonelli Tantum ergo III
per soprano, alto, 2 violini e bc
Salve Regina
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
A.Corelli Triosonata op 4 n 12
per 2 violini e bc
Alma Redemptoris
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
FORMACIÓN
LA RISONANZA
Emanuela Galli - soprano
Gabriella Martellacci - alto
Olivia Centurioni, Nick Robinson - violines
Caterina Dell'Agnello - violonchelo
Gabriele Palomba - tiorba
Fabio Bonizzoni - clave, órgano y dirección
NOTAS AL PROGRAMA
Estamos ante un importante descubrimiento musicológico
de composiciones hasta el momento consideradas perdidas
de Arcanuelo Corelli y, lo que es más sorprendente,
de música vocal. Para ser más exactos
diremos que se trata de música compuesta por
Corelli con adaptación vocal de su contemporáneo
y admirador Antonio Tonelli.
Nos encontramos ante composiciones sacras a dos, tres
y cuatro voces, dos violines y bajo continuo escritas
sobre las sonatas de iglesia del maestro. La música
de Corelli permanece intacta y sobre ella se añaden
dos o más voces, habitualmente soprano y alto.
Las voces intervienen casi siempre "colla parte",
siendo alternativamente dobladas por uno de los dos
violines. En otras ocasiones aparecen como contrapunto
y finalmente a veces quedan los instrumentos solos siguiendo
un esquema utilizado por Monteverdi en sus Scherzos
musicales.
Por tanto les presentamos un Corelli completamente
inédito que La Risonanza propone en un concierto
para soprano, alto, dos volines y bajo continuo. Entre
los motetes recientemente descubiertos completan el
programa unas sonatas de cámara pertenecientes
también a Corelli.
ELS
SONADORS DE MARTÍN I SOLER
Els Sonadors De Martín i Soler
es un ensemble que se articula como banda histórica
de viento cuya principal formación es el Octeto
de Viento con Contrabajo (2 oboes, 2 clarinetes, 2 trompas
y 2 fagotes) y, en ocasiones, percusión.
Se compone de un grupo de músicos especializados
y de alto nivel artístico que interpretan, con
instrumentos originales, la "Harmoniemusik"
(música para vientos) compuesta durante el período
que abarca aproximadamente las tres últimas décadas
del siglo XVIII y la primera mitad del XIX.
Sus miembros coinciden asiduamente, como instrumentistas,
en las más prestigiosas orquestas y agrupaciones
de carácter historicista europeas: Orchestra
of the Eighteenth Century, Freiburger Barockorchester,
Concerto Köln, Anima Eterna, Orchestre des Champs-Elysées,
Orquesta Barroca de Sevilla, Les Talens Lyriques, Nachtmusique...
Se trata de un conjunto estable que, tanto por sus características
como por su repertorio, carece de precedentes y paralelos
en nuestro país.
Su objetivo es difundir el extraordinario y popular
repertorio que fue escrito -o transcrito- para estos
conjuntos de vientos aparecidos en una época
de muchos cambios y grandes alteraciones sociales, un
período en el que esta "nueva sonoridad"
adquirió un gran auge por su carácter
funcional y divulgativo, en una sociedad en la que emergía
con pujanza una nueva clase social poderosa: la burguesía,
deseosa de simular los hábitos y conductas de
la nobleza y, por consiguiente, de acceder al mundo
de la cultura y las artes.
FORMACIÓN
ELS SONADORS DE MARTÍN I SOLER
(con instrumentos originales de época)
Oboes
Albert Romaguera
Pere Saragossa
Clarinetes
Diego Montes
Fernando Romaguera
Trompas Naturales
Rafael Mira
Jorge Rentería
Fagotes
Fernando Sánchez
María Cresol
Contrabajo
Juan Jaime Rúiz
PROGRAMA
Vientos del XVIII: de la Òpera
a la Serenata
I
Obertura y arias de La Flauta Màgica
(arr. Karl Heidenrich) W. A. MOZART
(1756 - 1791)
Divertimento núm. 3 y núm.
6 sobre la ópera Una Cosa Rara V. MARTÍN
I SOLER
(1754 - 1806)
Allegro
Andanta Sostenuto
Allegro
Cotillón-Trio
II
Serenata en Do menor, KV 388 (384a)
W. A. MOZART
(1756 - 1791)
Allegro
Andante
Menuetto in canone
Allegro
EL
CONCIERTO ESPAÑOL
Conscientes de la necesidad de recuperar
parcelas de nuestro patrimonio musical histórico
aún por ser abordadas, un grupo de músicos
españoles en torno a los violinistas Isabel Serrano
y Emilio Moreno y el trompa Javier Bonet, y Mónica
Hernández en las tareas de coordinación,
tomaron la decisión a principios de 2000 de aunar
sus conocimientos y entusiasmo en el proyecto de crear
una pequeña orquesta capaz de abordar el insuficientemente
conocido repertorio español de las épocas
"barroca" y "preclásica",
contando para ello con los mejores especialistas españoles
o residentes en nuestro país en la interpretación
con criterios históricos, y con probada experiencia
todos en el campo de la música de cámara
y orquestal con instrumentos originales dentro y fuera
de España.
El proyecto nació con dos convicciones: una,
el convencimiento de que el nivel de nuestros músicos
está a la misma altura que el de los mejores
de fuera de nuestras fronteras, y la segunda, que la
música española ha de ser hecha en primera
instancia por músicos que se sientan implicados
en la recuperación de su propio patrimonio cultural,
sin concesiones a comercialismos fáciles y con
el máximo rigor musicológico. Para ello
se constituyó "el concierto español"
agrupando una plantilla básica de la orquesta
dieciochesca (cuerda, madera, trompas y continuo), con
la ambición de abordar el repertorio hispano
de manera honesta e históricamente válida,
y con la prioridad básica de recuperar todo lo
recuperable de nuestra mejor música inédita,
intentando con ello ir cubriendo los huecos que aún
hoy siguen vacíos en el conocimiento de nuestro
pasado musical.
Con una ayuda inicial del INAEM, el apoyo de personalidades
de la vida musical y cultural española, y el
respaldo discográfico de un sello del prestigio
internacional de Glossa, con quien acaba de grabar su
primer disco dedicado íntegramente a la música
de Francisco Corselli, el concierto español inició
su andadura en el Festival de Música Antigua
de Aranjuez en otoño de 2000 con un programa
dedicado al maestro de capilla Francisco Courcelle recibido
elogiosamente por la crítica y el público.
Dentro, sin embargo, de la enorme dificultad que supone
el arranque de una orquesta de estas características
sin ayudas estables ni patrocinios, el concierto español
ha conseguido ya gracias al prestigio de todos y cada
uno de sus componentes, una credibilidad nacional e
internacional que se ha plasmado en su participación
en temporadas tan prestigiosas como Los Siglos de Oro
de la Fundación Cajamadrid con un programa dedicado
a la tonadilla escénica madrileña en marzo
de 2001 y el 50 Festival Internacional de Granada en
julio de 2001, conciertos en Bratislava (Eslovaquia)
y México DF apoyados por el INAEM en octubre
y diciembre pasados, y más recientemente con
la celebración del concierto Inaugural del Ciclo
de los Siglos de Oro de Caja Madrid con un programa
de José de Nebra, también el pasado mes
de abril el concierto español ha iniciado un
ciclo dedicado a la tonadilla escénica en colaboración
con el Centro Cultural Conde-Duque y la Universidad
Autónoma de Madrid, dedicado en su primer concierto
a la obra de Luis Misón, y en agosto de este
mismo año ha actuado en la XXIV edición
del Festival de Musica Antigua de Daroca, en el III
Festival de Música Antigua de Langreo (Asturias)
en diciembre de 2002 con un programa dedicado a las
sinfonías de Fábregas, Brunetti y Boccherini
y en el Auditorio Enric Granados de Lleida, con un programa
de música navideña del barroco español.
Entre sus próximos proyectos está su participación
en el Festival Internacional de Torroella de Montgrí,
en el concierto homenaje que se celebra cada año
en memoria de Ernest Lluch, la grabación de un
Cd dedicado a la tonadilla escénica española,
conciertos en Budapest, Varsovia y Cracovia y su presentación
en Francia en la primavera de 2004 en Nantes y París,
siempre con programas consagrados exclusivamente a la
música española de los siglos XVII y XVIII.
CORAL
DE CÁMARA DE PAMPLONA
La Agrupación Coral de Cámara
de Pamplona, fue fundada en 1946 por el Maestro Luis
Morondo Urra, ofreciendo el primer concierto el 11 de
Diciembre de dicho año en el Coliseo Olimpia
de Pamplona, siendo su Director artístico durante
37. La Agrupación Coral de Cámara de Pamplona
nace con la intención de estudiar, trabajar y
cultivar la música de los siglos XV, XVI y XVII.
Conforme van pasando los años, amplía
su repertorio a todo género de música
vocal.
En 1950 La Agrupación Coral de Cámara,
gana el Primer Premio del Concurso Internacional de
Canto de la ciudad Francesa de Lille, lo que supone
alcanzar una gran notoriedad en los más importantes
ámbitos musicales de todo el mundo, así
como su consagración internacional. Desde ese
momento hasta nuestros días, La Coral participa
con éxito en numerosos festivales, actuando en
los escenarios y salas más prestigiosas del Mundo:
Sala Pleyel de París, Sala Gaveu de París,
Teatro de la Opera de Argel, Teatro Colón de
Buenos Aires, Konzerthaus de Viena, Metropolitan House
de Nueva York, Constitution Hall de Washington, Iglesia
de Los Inválidos de París, Micrófonos
de la BBC de Londres, Finlandia Hall de Helsinki, Concert
Hall de Nueva York, Sala Volksbühne de Hannover,
Teatro Sodre de Montevideo, Teatro Mauritania de Tanger,
Gran Teatro de La Habana, Sala Pergola de Florencia,
Concertgebow de Amsterdam.
En 1983 fallece Luis Morondo, siendo nombrado José
Luis Eslava Director de La Coral, a lo largo de los
diez años largos que estuvo como Director, se
trató de seguir en la misma dirección
de trabajo. Durante este tiempo destacaremos entre otras
las giras por Finlandia, Israel, Cuba, URSS y Estados
Unidos.
José Luís Eslava es sustituido por Máximo
Olóriz, quien acomete un importante proceso de
renovación, incorporando nuevas voces, convirtiéndose
en un cambio de estilo en la interpretación.
En esta etapa cabe destacar la participación
en Festivales Internacionales: Biarritz, Nantua, Primavera
Musical de Venecia, Festival de Arte Sacro de Madrid;
todo ello unido a una gira por tierras Argentinas en
Diciembre de 1995.
En 1998, Koldo Pastor Arriazu asume la dirección
de la Agrupación Coral de Cámara de Pamplona.
Durante esta etapa se interpretan obras de autores contemporáneos
como Agustín González Acilu, Tomás
Marco, Leonardo Balada, Fernando Remacha, Paul Arma...etc.
Participa en el Festival Internacional de Música
Contemporánea de Alicante, Auditorio de Zaragoza
con motivo de la IV Semana de Música Contemporánea,
ciclo de Música Antigua de la Quincena Musical
de San Sebastián, Capilla del Palacio Real de
Aranjuez y lleva a cabo una gira por Marruecos, visitando
Rabat, Casablanca, Tánger y Tetuán. Destacar
también la grabación, edición y
estreno de la Suite Coral "El Camino, Campo de
Estrellas" que incluye obras compuestas C. Etxeberria,
K. Pastor y V. Egea. Participa en los Festivales Internacionales
de Santander, Semanas de Música Sacra de Bilbao
y Segovia, Ciclo \"Generaciones y Escuelas Musicales
Europeas\" organizado por la Fundación Marcelino
Botín y Festival Internacional de Guitres (Francia).
De Septiembre de 2001 a Diciembre de 2003, es nombrado
Director Pedro María Ruiz Huici. Durante este
periodo la coral participa entre otros en una gira por
diversas ciudades Centroeuropeas, actuando en Aquisgrán,
Bonn, Paderborn y Maastricht, ofrece un concierto en
la Iglesia de los Inválidos de París,
donde bajo la batuta de Michel Maunas, y acompañados
por la Orquesta del Conservatorio Erik Satie y cuatro
solistas de la Opera de Viena, interpretan la "Missa
In Tempore Belli" Joseph Haydn.
En Enero de 2004 asume la Dirección Musical
David Guindano Igarreta, participando entre otros en
la Semana de Música Sacra de Segovia, Quincena
Musical de San Sebastián, Musica in Voce 2004,
grabación y edición de un disco con el
sello RTVE Música sobre el Padre Donostia.
Cuenta con condecoraciones como la Encomienda de la
Orden del Mérito Civil o la Encomienda de la
Orden de Alfonso X el Sabio, así como con el
diploma del Colegio de Críticos Musicales de
Sudamérica al mejor conjunto coral que ha visitado
América del Sur.
DAVID GUINDANO IGARRETA, director
Comienza su formación musical a los 8 años
de edad bajo la dirección de José María
Goicoechea Aizcorbe como miembro de la Escolanía
"Niños cantores de Navarra". Realiza
sus estudios de canto con la soprano Eugenia Echarren,
recibiendo también orientación y consejos
del bajo-barítono Alfonso Echeverría,
amplía sus estudios en la Escuela Superior de
canto de Madrid con Ana Higueras y Fernando Turina y
en la Scuola Civica di Milano con Roberto Coviello.
Es profesor de canto por el Conservatorio Superior de
música de Donostia-San Sebastián.
Tras comenzar estudios de derecho en la Universidad
de Navarra, pronto orientará su interés
hacia la música teórica estudiando Geografía
e Historia en la U.N.E.D. y es Licenciado en Musicología
por la Universidad Complutense de Madrid.
Funda en 1989 la Coral de Cámara Ilunaldi con
la que debutará como director en 1992 en el XXVº
Certamen Internacional de Coros de Tolosa, con este
mismo grupo organiza una semana dedicada a la figura
de Claudio Monteverdi en 1994. Este mismo año
funda el grupo vocal e instrumental "Vaghi Concenti"
orientado a la interpretación de música
renacentista y barroca con criterios históricos.
Con esta formación ha profundizado en la obra
de compositores como Josquin, Morales, Guerrero, Victoria,
Palestrina, Fletxa el viejo, Monteverdi, Purcell, Buxtehude,
Cererols, Durón, Casanoves, Soler, Iribarren
y Vivaldi. Destacando la puesta en escena de la ópera
Dido y Eneas en diferentes ciudades del norte de España
en 1996, y la exitosa participación en la semana
de música antigua de Estella en 1998. En 2004
es invitado por el Centro de atención al profesorado
del Gobierno de Navarra (C.A.P.) a impartir un curso
de 50 horas de duración orientado a profesores
de conservatorios y escuelas de música y docentes
de primaria y secundaria cuyo título es: "Acercamiento
a la técnica vocal cantada: Una herramienta pedagógica"
Interesado también por el mundo teatral y su
relación con la música ha trabajado como
regidor y ayudante de dirección en varias ocasiones
con personalidades como Guillermo Heras, Franc Aleu,
Roland Olbeter, Sabine Dahrendorf, Jaime Martorell o
Lorin Maazel.
Actualmente es jefe de estudios y profesor de técnica
vocal y fonética aplicada en la Escuela de canto
"Eugenia Echarren", asesor de técnica
vocal de varios grupos, así como director de
la Orquesta "Juan Francés de Iribarren"
y del Ensemble Vaghi Concenti. En enero de 2004 es nombrado
director de la Coral de Cámara de Pamplona. En
noviembre de 2004 graba, con el sello de RTVE dirigiendo
la Coral de Cámara de Pamplona, el disco compacto
"In memoriam" dedicado a Juan Eraso y Padre
Donostia con obras de este último.
PROGRAMA
STABAT MATER
Stabat Mater Josquin Desprez
(ca. 1440-1521)
Miserere Josquin Desprez
Stabat Mater Giovanni Pierluigi Palestrina
(ca. 1525-1594)
Improperia Tomás Luís
de Victoria
(ca. 1548-1611)
----------------------------
Stabat Mater Domenico Scarlatti
(1685-1757)
Stabat mater dolorosa
Cujus animam gementem
Quis non posset contristari
Eja mater, istud agas
Sancta mater, istud agas
Fac me vere tecum flere
Juxta crucem tecum stare
Inflammatus et accensus
Fac ut animae donetur
Amen
LOS
MÚSICOS DEL BUEN RETIRO
Bajo la iniciativa de Isabel Serrano y de Antoine Ladrette,
y con el fin de investigar e interpretar especialmente
la musica barroca española, nacen "los Mùsicos
del Buen Retiro," refiriendose al hoy desaparecido
Palacio madrileño. Grupo en que se integran otros
musicos con prestigiosa trayectoria en en mundo de la
musica barroca dentro y fuera de nuestras fronteras,
el conjunto a conseguido en tan solo quatro años,
ser reconocido como uno de los mejores en España,
al lado de "El Ayre Español", "La
Orchesta barroca de Sevilla", y "El Concierto
Español", de qual son tambien activos miembros.
Su proyecto es retratar los llamados "Mùsicos
de la Càmara", grupo reducido de cantantes
e instrumentistas al servicio de los Reyes, en la intimidad
de sus palacios. Que sean "maestros de mùsica"
de un Infante, o de la propia Reyna, como lo fue Domenico
Scarlatti, tenian un papel fundamental en la vida quotidiana,
que iba de la simple distracciòn de una velada
musical, con una simple sonata a violin solo, a la composiciòn
de una serenata a quatro voces, interpretada en el "Salon
de Reynos", con unos decorados efimeros, o prestados
por el cercano "Coliseo del Buen Retiro",
en caso de gran Festejo.
El verano 2004 sera un dato importante para "Los
Musicos del Buen Retiro", quien despues del festival
"Musica antigua Aranjuez 2002", con dos arias,
y del "Festival internacional Camino de Santiago
2003", con cinco arias, daran una version en càmara
de "Las Amazonas de España", dramma
de Jose de Cañizares puesto en mùsica
por Giacome Facco en 1720, y efectuaran su grabacion
inedita, unos 284 años despues de su estreno.
Programas ya realizados
"ENTRE LA ESCENA Y LA IGLESIA: ARIAS Y CANTATAS
PARA MADRID Y TOLEDO": Corselli, J. de san Juan,
Literes, Nebra, Casellas.
"AMOR Y MUERTE : SONATAS CANTATAS Y LAMENTACIONES":
Corelli, Scarlatti, Caldara, Corselli.
"TRIOS, QUARTETOS Y QUINTETOS DE BOCCHERINI"
"LA LUZ DEL BARROCO: MUSICAS PARA VENETIA":
Vivaldi, Marcello, Sanmartini.
"LAS AMAZONAS DE ESPAÑA": Dramma de
Jose de Cañizares, puesto en mùsica por
Giacome Facco, Version de Càmara.
FORMACIÓN
Maria Luz Alvarez y Raquel Andueza, sopranos
Isabel Serrano y Suzane Scholtz, violines barrocos
Marcial Moreiras, viola barroca
Antoine Ladrette, violonchelo barroco
Eduard Martinez, clave
Juan Carlos de Mulder, tiorba
Juan Jaime Ruiz, contrabajo
PROGRAMA
DE TORRES A CALDARA: ESPAÑA EN EUROPA
Dúo Humano "Amante Fatiga" José
de Torres
Dos sopranos,violines y b.c. (1670-1738)
Sinfonia
Estribillo-Grave: Aria a duo
Recitado-Aria
Recitado-Aria
Recitado- Aria
Recitado-Aria final a duo
II PARTE
"Don Chisciotte in corte della duchessa"
Antonio Caldara
Sinfonia 1670-1736)
Ben mi volea meravigliar(aria duchessa)
Da si austera virtú (aria Altisidora)
Sancio amico,e figliuol..(duo Don Chisciotte,Sancio)
Intermedio instrumental
Or che presso..(aria il duca)
Viva,viva Don Chisciotte(duo final)
NOTAS AL PROGRAMA
En la biblioteca del Palacio de Liria
( Casa de Alba),al ir a buscar algunas particellas
impresas de la ópera "Las Amazonas de
España" de G. Facco,procedentes de la
imprenta de José de Torres, apareció
un borrador del Duo Humano con violines "Amante
Fatiga", del ya citado José de Torres.
A pesar de los estragos sufridos por este valioso
archivo durante la guerra civil, teníamos la
suerte de tener estos tesoros musicales en nuestras
manos.
Inmediatamente pensamos en incluir la
música de Torres (maestro de Capilla de Felipe
V) siempre un seguro de gran calidad, en el programa
que confeccionábamos para el Festival de Aranjuez
del 2005. Es un dúo de amor entre un zagal
y una zagala,y tiene todos los encantos de las recién
llegadas formas a la italiana con las arias da capo
,si bien coexistencon estribillos típicamente
hispanos.
Pero en este año,de efemérides quijotescas
,queríamos ofrecer nuestro humilde homenaje
a esta obra ,de la mano de Antonio Caldara, compositor
veneciano, que vivió exactamente elmismo tiempo
que Torres, y que estuvo en Barcelona en 1708,invitado
por Carlos de Austria, pretendiente al trono de España.
Cuando Carlos llega a ser emperador de Austria,Caldara
es invitado como vicemaestro de capilla.En 1727 y
ante la enfermedad de otro gran compositor que era
F. Conti, debe asumir la responsabilidad de componer
una ópera para los carnavales. El libreto elegido
fue "Don Chisciotte in corte della duchessa"
de G. C. Pasquini, y con un tema tan a la moda en
Europa en esos momentos no sería el único
libreto con dichos temas: En 1733 se representaría
"SancioPansa governatore dell'isola Barattaria"
siendo Pasquini también el autor del texto.
De entre esos cinco actos que constituyen la ópera
,nosotros ofreceremos la sinfonía y algún
intermedio instrumental que alternarán con
las Arias más bellas de los más representativos
personajes: Don Chisciotte, Sancio, la duchessa o
Altisidora.
MAYO
M 3 Fiesta de la Música: ¡Viva
Boccherini!
Música en los Jardines
S 7 Paseo Musical. Jardín de La Isla
Salida Puerta Plaza Rusiñol
Concierto final Capilla de Palacio
Grupo Jácara
D8 Chiara Banchini & Ensemble 415 con Mª Cristina
Kiehr
Capilla de Palacio
Luigi Boccherini: Stabat Mater y Quinteto
S14 Paseo Musical. Jardín del Príncipe
Salida Puerta Principal
Concierto final Fuente de Apolo
Ministriles de Marsias. "Aires desde la torrecilla"
J 19, S 21, D 22 Real Compañía Ópera
de Cámara
Capilla de Palacio
Opera en versión semiescénica:
Orlando. Música de Nicola Porpora. Libreto de
Pietro Metastasio
Dirección: Juan Bautista Otero
S 28 Gustav Leonhardt
Capilla de Palacio
Couperin, Forqueray, Rameau,…
D29 Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel
Capilla de Palacio
JUNIO
S 4 La Risonanza
Capilla de Palacio
Música Vocal de Corelli
Fabio Bonizzoni
D 5 Paseo Musical. Jardín del Príncipe.
Salida Puerta Plaza Redonda
Concierto final: Casa del Labrador:
Els Sonadors de Martín i Soler. Vientos del XVIII:
de la Ópera a la Serenata
S 11 El Concierto Español
Centro Isabel de Farnesio
Arias Académicas de Luigi Boccherini
Director: Emilio Moreno
D 19 Coral de Cámara de Pamplona
Capilla de Palacio
Stabat Mater: Scarlatti, Desprez, Palestrina, De Victoria
D 26 Los Músicos del Buen Retiro
Salón del Teatro
Tonos Humanos de José de Torres y Arias del Quijote
de Antonio Caldara
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