PATIO CENTRAL DEL CONDE DUQUE

del 1 al 29 de julio - 21.30 horas

· LOS CONCIERTOS DEL CONDE DUQUE

¨ ISMAEL SERRANO
Naves ardiendo más allá de Orión
- España (Madrid) -
1 de julio
Precio: 18 y 22 euros

¨ BÉLA FLECK - JEAN-LUC PONTY - STANLEY CLARKE
Trio!
- Estados Unidos y Francia -
2 de julio
Precio: 22 y 27 euros (venta anticipada)
25 y 30 euros (taquilla)

¨ GAL COSTA
- Brasil -
5 de julio
Precio: 30 y 35 euros

¨ VÍCTOR MONGE "SERRANITO" CON CAMERATA ROMEU
Sueños de ida y vuelta
- España (Madrid) y Cuba -
6 de julio
Precio: 24 y 34 euros

¨ JORGE DREXLER
Eco
- Uruguay -
7 de julio - 22 horas
Precio: 20 y 25 euros

¨ MIGUEL RÍOS
60 MP3
- España (Granada) -
8 de julio - 22 horas
Precio: 18 y 24 euros

¨ ALKISTIS PROTOPSALTI
Para verte reír
- Grecia -
9 de julio
Precio: 20 y 25 euros

¨ VARGAS BLUES BAND CON DEVON ALLMAN
- España (Madrid) -
10 de julio
Precio: 15 y 20 euros

¨ CLAUDIO BAGLIONI
Todo Baglioni. Grandes éxitos en español
- Italia -
11 de julio
Precio: 33 y 38 euros

¨ Mª DOLORES PRADERA
Canciones del alma
- España (Madrid) -
13 de julio
Precio: 15 y 20 euros

¨ GEORGE CLINTON-PARLIAMENT / FUNKADELIC
- Estados Unidos -
14 de julio
Precio: 25 y 30 euros

¨ CHEIKH LÔ
- Senegal -
15 de julio
Precio: 20 y 25 euros

¨ ANTONIO VEGA
3.000 noches con Marga
- España (Madrid) -
16 de julio
Precio: 17 y 20 euros

¨ TAJ MAHAL TRIO
- Estados Unidos -
18 de julio
Precio: 25 y 30 euros

¨ ROBERT CRAY
- Estados Unidos -
19 de julio
Precio: 25 y 30 euros

¨ BARBARA HENDRICKS & MAGNUS LINDGREN QUARTET
Jazz Project
- Estados Unidos -
20 de julio
Precio: 35 y 45 euros

¨ COLIN JAMES
Telonero: SUPER FUNKY EXPRESS
- Estados Unidos -
21 de julio
Precio: 20 y 25 euros

¨ ROBERTA FLACK
22 de julio
- Estados Unidos -
Precio: 35 y 38 euros

¨ JORANE
The you and the now
Telonero: IARLA O´LIONÁIRD
- Canadá -
23 de julio
Precio: 20 y 25 euros

¨ CIBELLE
- Brasil -
25 de julio
Precio: 18 y 22 euros (venta anticipada)
20 y 25 euros (taquilla)

¨ LOS LOBOS
- Estados Unidos -
26 de julio
Precio: 25 y 28 euros (venta anticipada)
27 y 30 euros (taquilla)

¨ SARGENTO GARCÍA + CHAMBAO
- Francia y España (Andalucía) -
27 de julio

¨ COMPAÑÍA ATILIO STAMPONE
Grandes del tango
música y danza
- Argentina -
28 y 29 de julio
Precio: 25 y 28 euros

del 4 al 7 de agosto - 22 horas

· COMEDIANTS
Las mil y una noches
teatro
- España (Cataluña) -
Adaptación y dramaturgia: Joan Font y Luisa Hurtado
Dirección: JOAN FONT
del 4 al 7de agosto
precio: 12, 18 y 25 euros

MATADERO DE LEGAZPI

del 7 al 30 de julio - 22 horas

· HELIKON ÓPERA TEATRO DE MOSCÚ
Falstaff
ópera
- Rusia -
Música: Giuseppe Verdi
Libreto: Arrigo Boito
Dirección: DMITRY BERTMAN
Del 7 al 10 de julio
Precio: 20, 30 y 40 euros

· EVA YERBABUENA BALLET FLAMENCO
Eva
danza (flamenco)
- España (Andalucia) -
Coreografía y dirección: EVA YERBABUENA
13 y 14 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

· COMPAÑÍA METROS
Carmen
danza
- España (Cataluña) -
Música original: Martirio, sobre la obra homónima de G. Bizet
Coreografía y dirección: RAMÓN OLLER
18 y 19 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

· COMPAÑÍA MANUELA CARRASCO
Tronío
danza (flamenco)
- España (Andalucía) -
Dirección artística: JOAQUÍN AMADOR
Coreografía: MANUELA CARRASCO
22 y 23 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

· CIRCUS BAOBAB
Le singe de saudieu
circo acrobático
- Guinea Conakry -
Dirección de escena: KABINÉ TRAORÉ
25, 26 y 27 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

· MARTHA GRAHAM DANCE COMPANY
Acts of light - Embattled garden - Sketches from chronicle - Cave of the heart
danza (contemporánea)
- Estados Unidos -
Programas:
Día 30 de julio: Acts of light - Embattled garden - Sketches from chronicle
Día 31 de julio: Acts of light - Cave of the heart - Sketches from chronicle
Coreografías: MARTHA GRAHAM
Precio: 12, 20 y 30 euros

del 4 al 12 de agosto - 22 horas

· ÓPERA POPULAR
Norma
ópera
- España (Madrid) -
Música: Bellini
Libreto: Fellice Romani
Orquesta Filarmonía - Coro Eurolírica - Orfeón Filarmónico
Director del Coro Eurolírica: Juan Pablo de Juan
Director del Orfeón Filarmónico: Sergio Kullhman
Director musical: PASCUAL OSA
Director de escena: GUSTAVO TAMBASCIO
4, 5 y 6 de agosto
Precio: 15, 30 y 45 euros

· ADALIL PRODUCCIONES
María de Buenos Aires
ópera
- España -
Música: Astor Piazzolla
Letra: Horacio Ferrer
Dirección de escena: JOSÉ CARLOS PLAZA
9 y 10 de agosto
Precio: 15, 20 y 25 euros
· ST. PETERSBURG BALLET- THEATER BORIS EIFMAN
Giselle rouge
danza
- Rusia -
Música: Tchaikovsky, Alfred Schnitke y Georges Bizet
Coreografía, dirección e idea original: BORIS EIFMAN
12 y 13 de agosto
Precio: 12, 20 y 30 euros

JARDINES DE SABATINI

del 12 al 31 de julio - 22 horas
Precio: 18 y 22 euros

· CRISTINA BRANCO
Ulisses
- Portugal -
12 de julio

· CARLOS DO CARMO
- Portugal -
13 de julio

· LA CHICANA
- Argentina -
14 y 15 de julio

· 34 PUÑALADAS
Orquesta de cuerdas tensadas y cantor
- Argentina -
16 de julio

· L'HAM DE FOC
Cor de porc
- España (Valencia) -
18 de julio

· MACLOMA
teatro de clown
- Francia -
20, 21, 22 y 23 de julio

· NOCHES LÍRICAS DE SABATINI
zarzuela y género chico
- España (Madrid) -
del 25 al 29 de julio

· JAVIER RUIBAL
- España (Andalucía) -
30 de julio

· EDITH SALAZAR
Bolero… Cartas de amor y desamor
- Venezuela -
31 de julio

· CICLO DE FLAMENCO
del 2 al 13 de agosto - 22 horas
Precio: 18 y 22 euros

¨ LA TANA - MONTSE CORTÉS
música
- España (Andalucia y Cataluña) -
2 de agosto

¨ SEGUNDO FALCÓN - MARI PAZ LUCENA
música y danza
- España (Andalucía) -
3 de agosto

¨ GINESA ORTEGA
música
- España (Cataluña) -
4 de agosto

¨ JOSÉ MENESE - RAFAEL RIQUENI
música
- España (Andalucía) -
5 de agosto

¨ BELÉN MAYA
danza
- España (Madrid) -
6 de agosto

¨ CARMEN LINARES
música
- España (Andalucía) -
7 de agosto

¨ FERNANDO "TERREMOTO" - ANTONIO VÉLEZ "PITINGO"
música
- España (Andalucía) -
8 de agosto

¨ ALONSO NUÑEZ "RANCAPINO" - VICENTE SOTO "SORDERA" -
NANO DE JEREZ - GORDO DE JEREZ
Alreó de la fragua
música y danza
- España (Andalucía) -
9 y 10 de agosto

¨ LA MACANITA - AGUSTÍN CARBONELL "EL BOLA"
música y danza
- España (Andalucia y Madrid) -
11 de agosto

¨ MARÍA TOLEDO - JOAQUÍN RUIZ
música y danza
- España (Castilla-La Mancha y Madrid) -
12 de agosto

¨ DIEGO "EL CIGALA"
música
- España (Madrid) -
13 de agosto

VERANOS EN LA CALLE

· TEATRO EN LA CALLE
del 1 al 16 de julio - 21.30 horas
Acceso libre

¨ Andante en moto - Quijote se rueda
- España (Castilla La Mancha) -
Dirección y dramaturgia: JOSÉ LUIS SERRANO
Plaza de Salvador Dalí
1 de julio - 22 horas
2 de julio - 21.30 horas
Plaza de la Paja
8 y 9 de julio - 21.30 horas
Pza. de Agustín Lara (antigua Corrala)
15 y 16 de julio - 21. 30 horas

· AZCA, DANZA Y MÚSICA
del 8 de julio al 12 de agosto - 14 y 21 horas
Acceso libre

¨ COMPAÑÍA ARRIERITOS
13 ROSAS (extractos)
- España (Madrid) -
Paseo de la Castellana, 75 - Interior Azca
(junto a plaza Manuel Gómez Moreno)
8 de julio

¨ EXTREMUS DANZA Y EVA MORENO
Pared con pared (extractos)
- España (Valencia) -
Paseo de la Castellana 75 - Interior Azca
(junto a plaza Manuel Gómez Moreno)
16 de julio

¨ COMPAÑÍA MAR GÓMEZ
Morir no corre prisa
- España (Cataluña) -
Plaza Manuel Gómez Moreno
22 de julio
Estreno absoluto

¨ BALLET CONTEMPORÁNEO DE BURGOS
Óvolos
- España (Castilla León) -
Paseo de la Castellana 75 - Interior Azca
(junto a plaza Manuel Gómez Moreno)
2 de agosto

¨ LARUMBE DANZA - CENTRO DE CREACIÓN COREOGRÁFICA DE COSLADA
Popurrí: sirenas urbanas / Confusione / Menage a 3 / ¿Dudo?
- España (Madrid) -
Plaza Manuel Gómez Moreno
12 de agosto

· MÚSICA PARA LA PUESTA DE SOL
del 14 de julio al 6 de agosto - 21.30 horas
Acceso libre

¨ ORQUESTA HARMONIA SPHAERARUM
- España (Madrid) -
Plaza de Oriente
14 de julio

¨ ARA MALIKIAN
- Líbano -
Plaza de Oriente
15 de julio

¨ ORQUESTA MADRID BARROCO
- España (Madrid) -
Plaza de Oriente
16 de julio

¨ CUARTETO DEGANI
- España (Madrid) -
Plaza del Conde de Miranda
21 de julio

¨ JOSÉ ANTONIO CARRIL y AURELIO VIRIBAY
- España (País Vasco) -
Plaza del Conde de Miranda
22 de julio

¨ QUINTETO DE VIENTO VICENT ALBEROLA
- España (Valencia) -
Plaza del Conde de Miranda
23 de julio
¨ MICROLOGUS Y COMPAÑÍA ESQUIVEL
- España (Madrid) -
Plaza de la Paja
28 de julio

¨ ORQUESTA HARMONÍA - SPHAERARUM
- España (Madrid) -
Plaza de la Paja
29 de julio

¨ CUARTETO LANGSAMER
- España (Madrid) -
Plaza de la Paja
30 de julio

¨ CORO ANTAR ATMAN Y OPERA OMNIA
Un recorrido coral por la canción europea
- España (Madrid) -
Templo de Debod
4 de agosto

¨ QUINTETO DE VIENTO MADRID
- España (Madrid) -
Templo de Debod
5 de agosto

¨ SOLISTAS ROYAL OPERA HOUSE COVENT GARDEN
- Reino Unido -
Plaza de Oriente
6 de agosto

PLAZA MAYOR
15 de julio - 22 horas

· ORQUESTA Y CORO DE LA STAATSKAPELLE BERLIN
Novena sinfonía
Sinfonía nº 9 en Re menor, op. 125, "Coral"
de Ludwig van Beethoven (1770-1827)
- Alemania y Argentina -
Director: DANIEL BARENBOIM
Acceso libre hasta completar aforo

CENTRO CULTURAL DE LA VILLA
del 1 de julio al 14 de agosto
Precio: de 12 a 20 euros

· PÍA FRAUS
Farsa quijotesca
teatro (Festival El Quijote en Iberomérica)
- Brasil -
Director: HUGO POSSOLO
Sala Guirau
1 y 2 julio - 20.30 horas
3 de julio - 19 horas
Precio: 12 euros

· DANZA EN EL CENTRO CULTURAL DE LA VILLA
de martes a sábado - 20.30 horas
domingo -19 horas
Precio: 15 euros (abono de 3 espectáculos: 30 euros / grupos: 8 euros)

¨ LOSDEDAE
Recorrido... recorrer - Coreografías al minuto
danza (contemporáneo)
- España (Madrid) -
Coreografía y dirección: CHEVY MURADAY
Sala Guirau
5, 6 y 7 de julio

¨ MALUCOS
La huida
ballet contemporáneo
- España (Madrid) -
Coreografía: CARLOS CHAMORRO
Danza en la calle: Jardines del Descubrimiento - Plaza de Colón
acceso libre
8 de julio - 20.30 horas
Estreno mundial

¨ LA CALEBASSE DE MERLÍN NYAKAM
Recreación primitiva
danza (contemporáneo)
- Camerún -
coreografía: MERLÍN NYAKAM
Sala Guirau
9 y 10 de julio

¨ L´EXPLOSE
La mirada del avestruz
danza (contemporánea)
- Colombia -
coreografía: TINO FERNÁNDEZ
Sala Guirau
13 y 14 de julio

¨ COMPAÑÍA MERCEDES RUIZ
Gestos de mujer
danza (flamenco)
- España (Andalucía) -
coreografía: MERCEDES RUÍZ
Sala Guirau
15 y 16 de julio

¨ COMPAÑÍA ISRAEL GALVÁN
Arena
danza (flamenco)
- España (Andalucía) -
coreografía: ISRAEL GALVÁN
Sala Guirau
20 y 21 de julio

¨ GELABERT AZZOPARDI CIA. DE DANSA
Pistt !! pistt !! / Caravan
Danza (contemporáneo)
- España (Cataluña) -
Coreografía: CESC GELABART
Sala Guirau
23 y 24 de julio

¨ BALLET DE CÁMARA DE LA ÓPERA DE PRAGA
Zaskok / Stand in, Sonata de Kreutzer, Stabat mater, Sinfonietta
danza (neoclásico)
- República Checa -
Dirección y coreografía: PAVEL SMOCK
Sala Guirau
27, 28 y 29 de julio

¨ COREÓGRAFOS DEL XXI
Piezas ganadoras del Certamen Internacional de Coreografía en Danza Moderna Nueva York & Burgos (2002-2005)
Artista invitado: Goyo Montero
Sala Guirau
30 y 31 de julio

· ACTIVIDADES PARALELAS
Sala II - 12 y 19 de julio - 20 horas

¨ LA ADMINISTRACIÓN PÚBLICA Y PRIVADA Y LOS PROFESIONALES
proyección y coloquio
12 de julio

¨ LA CRÍTICA Y LOS PROFESIONALES
proyección y coloquio
19 de julio

· ZARZUELA

ÓPERA CÓMICA DE MADRID
- España (Madrid) -
del 5 al 14 de agosto
días 7, 9, 10, 11 y 14 de agosto - 20 horas
días 5, 6, 12 y 13 - 19 y 22 horas
Precio: 20 euros - grupos: 18 euros (función de las 19 horas)

Programa doble
¨ Agua, azucarillos y aguardiente
Música: Federico Chueca
Libreto: Ramos Carrión

¨ El bateo
Música: Federico Chueca
Libreto: Antonio Paso y Antonio Domínguez

TEATRO ESPAÑOL
del 30 de junio al 31 de julio
precio: de 3 a 20 euros

· CENTRO DRAMÁTICO GALEGO
Ricardo III
de William Shakespeare
teatro
- España (Galicia) -
Dirección: MANUEL GUEDE
del 30 de junio al 3 de julio - 20.30 horas

· MARTIRIO Y MIGUEL POVEDA
Romance de valentía
música
- España (Andalucia y Cataluña) -
7 y 8 de julio - 20.30 horas

· La eterna canción
Sainete lírico en dos actos
- España (Madrid) -
Música: Pablo Sorozábal
Libreto: Fernández de Sevilla
Dirección musical: MANUEL GAS
Dirección de escena: IGNACIO GARCÍA
Producción del Teatro Español
del 14 al 31 de julio - 20.30 horas

EL CANTO DE LA CABRA

del 6 de julio al 14 de agosto
de miércoles a domingo - 22 horas
precio: 12 euros (día del espectador: 9 euros)

· COMPAÑÍA LOS MANANTIALES
Ácaros
teatro
- España (Valencia) -
Dirección: XIMO FLORES
del 6 al 17 de julio

· COMPAÑÍA ERTZA
Ego-tik
danza
- España (País Vasco) -
coreografía: ASIER ZABALETA
del 20 al 31 de julio

· COMPAÑÍA AMARANTO
Tazón de sopa china y un tenedor
(o hacer el gilipollas)
teatro
-España (Cataluña) -
Dirección: COMPAÑÍA AMARANTO
del 3 al 14 de agosto

TEATRO PRADILLO

· A PEDIR DE BOCA: UNA VELADA COREOGRÁFICA Y CULINARIA
danza
del 1 al 31 julio
de miércoles a domingo - 21 horas
Precio: grada 25 euros (aperitivo y postre + espectáculo)
mesa 40 euros (cena completa + espectáculo)

¨ APERITIVO: Verde que te quiero verde
- España (Andalucia) -
Coreografía: Paloma Díaz
Intérpretes: Paloma Díaz y Charo Sánchez Piñero
¨ PRIMER PLATO: Pipirrana con bacalao
- España (Madrid y Andalucía) -
Coreografía: Daniel Doña
Intérpretes: Daniel Doña y Olga Pericet

¨ SEGUNDO PLATO: Ternera a la miel
- España (Andalucía) -
Coreografía: Guillermo Weickert
Intérpretes: Guillermo Weickert e Inmaculada Corral

¨ POSTRE: Brazo de gitano a la naranja
Título: María ácida y el niño la traca
- España (Andalucía) -
Coreografía: Carlos Chamorro
Intérpretes: Carlos Chamorro y Lola Blanco

¨ CAFÉ, COPA Y PURO: Armagnac, café solo con una nube de
leche, chocolate amargo, purito
Título: Dame quince minutos que quiero volar un rato
- Francia y España (Madrid) -
Coreógrafos e intérpretes: Nicolas Rambaud y Coral Troncoso

JARDINES DEL GALILEO

del 8 de julio al 14 de agosto (continúa en cartel)
de martes a domingo - 21.15 horas
precio: 20 euros

· La decente
de Miguel Mihura
teatro
- España (Madrid) -
Intérpretes: Luis Varela, Francisco Racionero, Cristina Juanes y Julia Trujillo y Cristina Palomo
Dirección: MANUEL CANSECO

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

2 y 3 de julio - de 11 a 21 horas y de 23 a 05 horas
precio: de 10 a 30 euros

· CAFÉ DEL MAR
Sensomusic
chill out
- España (Canarias) -

CINE EN LA BOMBILLA
del 24 de junio al 14 de agosto (continúa hasta el 3 de septiembre)
precio: 4,50 euros (Carnet Joven y 3ª edad: 4 euros - menores de 4 años: gratis)

TITIRILANDIA
12ª FIESTA DEL TÍTERE DE LOS VERANOS DE LA VILLA
del 9 de julio al 14 de agosto
precio: 4 euros

· TEATRO DE TÍTERES
del 9 de julio al 14 de agosto
(continúa hasta el 4 de septiembre)
Viernes, sábados y domingos - 19.30 y 22 horas
Teatro de títeres del Parque de El Retiro
Acceso libre

· UN VERANO DE CUENTO
Encuentro lúdico con autores de literatura infantil y juvenil
del 12 de julio al 14 de agosto
(continúa hasta el 30 de agosto)
Martes - 18.30 y 20 horas
La Casa Encendida
Acceso libre

· TÍTERES DE VERANO
del 13 de julio al 14 de agosto
(continúa hasta el 21 de agosto)
Miércoles y jueves: 19.30 horas
de viernes a domingo - 19.30 y 21 horas
Auditorio del C. C. Casa de Vacas
Precio: 5 euros

Documentación

PATIO CENTRAL DEL CONDE DUQUE
del 1 al 29 de julio - 21.30 horas

· LOS CONCIERTOS DEL CONDE DUQUE

¨ ISMAEL SERRANO
Naves ardiendo más allá de Orión
- España (Madrid) -
1 de julio
Precio: 18 y 22 euros

Formación

Ismael Serrano (guitarra y voz) Fredi Marugán (dirección musical y guitarras) Antonio Saúco (teclados) Javier Bergia (percusión) Andreas Prittwitz (Saxo y flauta) Javier Quílez (bajos) Óscar Herrero (batería)

Ismael Serrano, letrista y músico excepcional, presenta su sexto álbum, Naves ardiendo más allá de Orión, un disco que quema el corazón, pasional, amable, cercano, impregnado de alegría y sueños cumplidos. Su título no ha sido elegido al azar sino bajo la inspiración de la película de Ridley Scott, Blade Runner. Sus canciones, como dice Ismael, "son mis naves en llamas".

Ismael Serrano es un artista que maneja las claves de la autenticidad y el rigor. Ya desde sus inicios en la década de los 90 destaca como creador de temas que se convierten en verdaderos himnos para los jóvenes como 'Papá cuéntame otra vez'. Sus giras nacionales e internacionales lo revelan como un artista de público incondicional e impulsor de un público nuevo que crece disco a disco. Protagonista absoluto, siempre ofrece un cuidadísimo directo, que humaniza su trabajo y lo acerca visceralmente al público de sus conciertos. La calidad indiscutible de sus cinco discos anteriores está avalada por una media de 100.000 copias vendidas por cada álbum editado.

¨ BELA FLECK, JEAN-LUC PONTY y STANLEY CLARKE
Trio!
- Estados Unidos y Francia -
2 de julio
Precio: 22 y 27 euros (venta anticipada)
25 y 30 euros (taquilla)

Formación

Stanley Clarke (Bajo), Béla Fleck (Banjo), Jean-Luc Ponty (Violín)

El Bajista Stanley Clarke, Béla Fleck con su banjo y el violinista Jean-Luc Ponty reunidos en Trio! girarán este verano por todo el mundo, en lo que promete ser un auténtico evento musical. Nos ofrecerán tanto canciones escritas por cada uno de los componentes, especialmente para Trio!, como arreglos de sus clásicos más conocidos pero siempre reservando un espacio para la improvisación.

Stanley Clarke
Nació en Filadelfia (Estados Unidos). Fue uno de los mejores bajistas, y más revolucionarios, de la década de los 70. Para muchos es el impulsor y pionero d el bajo eléctrico. Formó parte de la mítica formación Return to Forever junto a Chick Corea, Al DiMeola y Lenny White. Durante esa etapa, compuso canciones como The Romantic Warrior, una canción con toques muy innovadores para esa época. A finales de la década de los 70 dejó un poco de lado la vertiente musical que le había hecho popular y se adentró en un tipo de música más comercial, además de empezar a colaborar con artistas como Jeff Beck o Keith Richards. Su álbum School Days (1976), es buena muestra de ello. Otros de sus discos en solitario son Modern Man (1979), If this Bass could only Talk (1988) y East River Ride (1993). Además ha trabajado en la producción de discos de artistas como Natalie Cole.

Béla Fleck
Con su grupo The Flecktones, el pionero del banjo Béla Fleck ha creado una mezcla original y rompedora de géneros de bluegrass, jazz y pop. Desde su formación en 1989, las interminables giras de The Flecktones han despertado la atención de los medios , llegando a un público de más de 500.000 personas sólo en 2001. The Flecktones grabaron su primer álbum, The Flecktones, en 1990. En su momento se clasificó como blu-bop, una mezcla de jazz y bluegrass. Los seis siguientes discos documentan su evolución musical. Tras The Flecktones, el grupo empezó a experimentar con doblete de voces y artistas invitados, como Amy Grant, John Medeski y Dave Matthews. The Flecktones ganó su quinto Grammy en 2000 (mejor álbum de jazz contemporáneo) por Outbound, un proyecto de amplia cobertura -con artistas invitados como el guitarrista Adrian Belew o los cantantes como Jon Anderson y Shawn Colvin- construido alrededor del concepto de Fleck de "el banjo excéntrico". Tras 19 candidaturas a los Grammy, y cinco premios, Fleck ha conseguido dos candidaturas por su álbum de 2001 con Sony Classical, Perpetual Motion. Este álbum, su primer proyecto de corte clásico, incluye una serie de nuevos arreglos de famosas obras cortas de Bach, Beethoven, Chopin, Debussy, Paganini, Scarlatti y Tchaikovsky.

Jean-Luc Ponty
Nacido en una familia de músicos clásicos en 1942 en Francia, fue admitido en el Conservatoire National Supérieur de Musique de París con 16 años. Tocó durante 3 años en la Orquesta Sinfónica Concerts Lamoureux. Comenzó su carrera en el mundo del jazz, en Francia, a principios de los 60. Es uno de los pioneros del violín eléctrico y del jazz-rock. Colaboró con Zappa en 1969 para la grabación de Hot Rats y, poco después, Zappa le produjo King Kong. En 1973 entró en The Mothers para la gira de ese año. Además de contar con una larga lista de discos en solitario (entre los que figuran albumes como Jazz Long Playing, Violin Summit) ha colaborado con gente como John McLaughlin o Chick Corea.

¨ GAL COSTA
- Brasil -
5 de julio
Precio: 30 y 35 euros

Formación

Gal Costa (voz), Zé Canuto (saxo), Marcus Teixeira (guitarra), Bororó (bajo), Jurim Moreira (batería)

Nacida en Salvador de Bahía, tocaba guitarra y cantaba en fiestas. Así fue como conoció a Gilberto Gil, Caetano Veloso y su hermana Maria Bethania en 1963 y, con ellos, participó en el espectáculo musical Nós, por exemplo, germen del movimiento Tropicalismo, que revolucionó en los años 60 la música popular brasileña. Gal Costa grabó su primer single en 1965, con las canciones Eu vim da Bahia (Gilberto Gil) y Sim, Foi Você (Caetano Veloso). En 1967 grabó Domingo, a dúo con Caetano Veloso, y en 1968 arrasó con la interpretación de Divino, maravilhoso (Caetano / Gil) y Baby (Caetano), dos de los himnos tropicalistas más recordados.

Gal Costa ha seguido desde entonces una carrera asociada a Caetano y Gil, que han compuesto numerosos temas originales para ella. En 1979, su Gal Tropical la consagró como cantante favorita del público brasileño. El maestro Antonio Carlos Jobim la señaló como su cantante favorita. Ella fue, de hecho, la reina de la canción durante la década de los 80, con un repertorio muy amplio que incluía canciones de Chico Buarque, Roberto Carlos, Jorge Ben, Cole Porter y compositores debutantes entonces como Carlinhos Brown.

En 1994 renovó su carrera con el disco O Sorriso do Gato de Alice, con producción del vanguardista Arto Lindsay. En sus 40 años de carrera, Gal Costa ha sido intérprete de éxitos como Detalhes (Roberto Carlos / Erasmo Carlos), Folhetim (Chico Buarque), Balancê (J. de Barro / A. Ribeiro), India (J. Flores/ M. Guerrero / J. Fortuna), Festa do interior (Moraes Moreira / Abel Silva) o Vaca profana (Caetano).

¨ VICTOR MONGE "SERRANITO"
CON CAMERATA ROMEU
Sueños de ida y vuelta
- España (Madrid) y Cuba -
6 de julio

Formación

Víctor Monge "Serranito"

Camerata Romeu: Zenaida Romeu (directora); Ramses Puente, Beatriz Vera y Gretchen López (violín 1º); Yadira Cobo e Indira González (violín 2º); Anolan González y Yohima Griffith (violas); Yescenia Fales (chelo), Caridad Zaldivia (contrabajo) y Lianne Lastra (percusión cubana)

Artistas invitados: Charo Espino (bailaora), Ángel Muñoz (bailaor), Eva Duran (cantaora), Curro Cuetos (cantaor), Moisés Sánchez (teclado), Fernando Bravo (saxo-flauta), Rafael Morales (guitarra), Víctor Monge "Junior" (percusión flamenca), Iván Díaz (percusión cubana), Julian Vaquero (bajo-guitarra)

Sueños de Ida y Vuelta, último trabajo de Víctor Monge, está concebido como un espectáculo teatral del que forman parte más de veinte artistas, entre músicos, cantaores y bailaores. El guitarrista ha contado con la prestigiosa orquesta de cámara femenina de Cuba, Camerata Romeu, para este último disco. Los depurados sonidos del grupo centroamericano cristalizan a la perfección con la armonía flamenca del compositor.

VICTOR MONGE "SERRANITO"
Guitarrista y compositor flamenco nacido en Madrid. Autodidacta que cuando contaba 12 años de edad saltó al mundo profesional. Considerado como uno de los guitarristas más virtuosos de la historia, a lo largo de su trayectoria ha demostrado una magnífica facilidad para la ejecución, así como una inusual inquietud por su propia evolución y su propio desarrollo artístico.

Se inicia en la guitarra con ocho años, con las escasas enseñanzas de su padre, y poco después comienza a trabajar, junto con su hermano mayor, en un trío llamado LOS SERRANOS, de ahí el diminutivo de "Serranito", por ser el más pequeño del grupo. Su técnica, unida a su musicalidad le reconoce como uno de los grandes representantes del flamenco. Su labor incansable y sus ideas novedosas para enriquecer la música flamenca ha atraído también la admiración de los músicos clásicos.
Poseedor de un conocimiento exhaustivo de la cultura flamenca, de una intuición musical extraordinaria y de un espíritu autoexigente, se caracteriza por cuidar meticulosamente el equilibrio de sus composiciones, ajustando la complejidad y la precisión a la armonía, creando la tensión necesaria en cada ciclo de la composición, recogiendo la esencia de la raíz flamenca y recreándola en su propia concepción vital. Profundo y trascendente, sus actuaciones en directo están llenas de fuerza; pero de austeridad también: de silencios rítmicamente pausados, de fuerza y tonalidad, de clásicas cadencias remarcadas en la técnica que le dan a cada nota un colorido de barroco profundo.

¨ JORGE DREXLER
Eco
- Uruguay -
7 de julio - 22 horas
Precio: 20 y 25 euros

Formación

Jorge Drexler (voz y guitarras), Huma (guitarra eléctrica y samplers), Gonzalo Gutierrez (bajo), Borja Barrueta (batería)

Jorge Drexler sabe mezclar como nadie la electrónica y la poesía consiguiendo canciones que siguen la mejor tradición de los grandes cantautores pero en las que también se encuentran texturas únicas, donde la sensibilidad y los ritmos logran hacer un equipo perfecto.

En su discografía, donde su última referencia es Eco, y que ahora contiene la canción ganadora del Oscar Al otro lado del río, abundan canciones que han sabido capturar el alma del público, desde el Río de la Plata hasta España, pasando por Estados Unidos, Brasil, México o Italia.

Sus canciones han sido grabadas, entre otros, por Ana Belén, Víctor Manuel, Neneh Cherry, Pablo Milanés, Ketama, Miguel Ríos, Ana Torroja, David Broza, Rosario Flores, Lorenzo Jovanotti, Paulinho Moska, Jaime Roos, Adriana Varela y Bajofondo Tango Club.

Sus creaciones acumulan nominaciones a los más prestigiosos premios dentro de la música, tal es el caso de su disco anterior Sea, que fue nominado a los Latin grammy awards, a los MTV Latin Awards y votado entre los 10 mejores álbumes del 2001 por la revista Rolling Stone Argentina.

Tanto Sea como Frontera han sido nominados a los Premios gardel de la música argentina (2001 y 2000, respectivamente) y obtuvieron el disco de oro por sus ventas en Uruguay. Eco a su vez, fue nominado en España en la categoría de mejor álbum en la IX Edición de los premios de la música del 2005.

Es coautor de la canción Perfume incluida en el disco Bajofondo Tango Club que obtuviera un Grammy Latino y un Premio Gardel en el 2003.

Su disco Eco, fue editado en marzo del 2004 por el sello DRO ATLANTIC. Está producido por Juan Campodónico (productor del recientemente multipremiado Bajofondo Tango Club) y coproducido por Carlos Casacuberta y Jorge Drexler. Entre otros músicos, participa el percusionista brasilero Marcos Suzano. El disco fue grabado en Montevideo con un equipo de músicos uruguayos, argentinos, españoles y brasileros, mezclado en Madrid y masterizado en Los Ángeles. Incluye entre sus canciones una coautoría con Ben Sidran, el prestigioso pianista de jazz, compositor y productor norteamericano.

¨ MIGUEL RÍOS
60 MP3
- España (Granada) -
8 de julio - 22 horas
Precio: 18 y 24 euros

Formación

Osvi Grecco (guitarra y voces), Jaime Asua (guitarra y voces), Tito Dávila (teclados, loops y voces), Candy Avello (bajo y voces), José Bruno (batería)

Miguel Ríos se presenta en el Conde Duque para cantar las nuevas canciones de su último disco 60MP3 premiado por la Academia de la Música, como Mejor disco de rock del año. El concierto, que lleva rodando por diferentes escenarios del país durante el último años, combina, los grandes éxitos del rockero granadino con los nuevos temas escritos "en comandita" con el poeta Luis García Montero y el guitarrista John Parsons.

Miguel Ríos nació en 1944. Editó su primer disco en 1962 para la compañía Phillips Records y, desde entonces hasta nuestros días, ha producido algunas de las mejores canciones del repertorio del rock en español en infinidad de discos, y ha contribuido al desarrollo de ésta música en España e Iberoamérica, actuando con muchos de sus mejores exponentes. Desde 1998 edita sus discos con su propio sello independiente, Rock and Ríos Records.

Miguel Ríos ha mantenido una constante fascinación por la música en directo, arriesgando siempre con las apuestas tecnológicas más punteras del momento. Ha producido las giras: La noche roja (1978), Rock&Ríos (1982), El rock de una noche de verano (1983), Rock en el ruedo (1985), Big Band Ríos (1997), Miguel Ríos y las estrella del rock latino (2002). Cantó con Ana Belén, Víctor Manuel y Joan Manuel Serrat en El Gusto es nuestro (1996) y con Ana Belén y la OCG, dirigida por Josep Pons, con repertorio de Kurt Weill (1999). También dirigió y presentó las series musicales Qué noche la de aquél año (RTVE, 1987) y Fiebre de sur (Canal Sur, 1993).

Galardonado con la Medalla Oro de Granada, la Medalla Oro de Bellas Artes, la Medalla Oro de Trabajo y la Medalla Oro de Andalucía, entre otras, Miguel Ríos está en un gran momento, según la crítica especializada y el público que acude a sus conciertos. Para él, que siempre ha confesado que "canta para que la gente lo quiera", volver a actuar en la ciudad que lo cobijó por más de cuarenta años, es "poder cantar bien alto el blues de un tipo agradecido: cosas que le debo a Madrid".

¨ ALKISTIS PROTOPSALTI
Para verte reir
- Grecia -
9 de julio
Precio: 20 y 25 euros

Formación

Alkistis Protopsalti (voz), Stefanos Korkolis (piano), Bousounis George (sintetizadores), Katsikis Nikolas (bouzouki), Misyrlis Theofilos (percusión), Spyros Kontakis (guitarra), Grigoriou John (bajo)

Para crear las once canciones que nos brinda su nuevo disco, Para verte reír, Álkistis Protopsalti ha acudido a compositores como Korkolis, Dimitra Galani, Nickelback, Yorgos Mpoussounis, Yorgos Dimitriadis, Andreas Lamprou, Roger Clency, Maria Papadopoulou, y a poemas de Rebecca Roussi, Nikos Moraitis, Myrto Kontova, Thanos Papanikolaou, Yorgos Gkinis, Eleana Vrachali y Yorgos Pavrianos.

La intérprete griega reivindica que "mientras haya sentimientos, habrá canciones. Mientras haya canciones, el espíritu se expresará y se regocijará. Así de simple, para verte reír."

La carrera discográfica de Álkistis Protopsalti se inició en 1975 colaborando con el compositor Dimos Moutsis y su primer disco llevó por título Tetralogía. En 1976 viajó a Europa con el compositor Ilías Andriópoulos, obteniendo gran éxito y grabando Kiklos Seferi El círculo de Seferis, con letras de Yorgos Seferis. Un año más tarde volvió a trabajar con Dimos Moutsis en la banda sonora Ergatikí simfonía Sinfonía del trabajo, con letras de Yorgos Skourtis. Al año siguiente colaboró con los artistas griegos más famosos, como Yorgos Dalaras, Viki Mosholioú, Thanasis Papakonstandinou, etc., así como con la mayoría de los compositores de vanguardia. Sus siguientes discos fueron Aplá tragoudia Canciones sencillas, 1977, con música de Dimos Moutsis, Yannis Karalís y Hristos Lettonoú, Rezerva (Reserva, 1979, con letra y música de Dionisis Savvópoulos), Grámmata sto Makriyanni ke allá laiká (Cartas a Makriyanni y otras canciones populares, 1979, con música de Ilías Andriópoulos y letras de Manos Eleftheríou y Mihalis Bourboulis), Maniátika (1980, con música de Mihalis Terzís y letras de Kiriakos Kassis), Fragma (Barrera, 1981, con música de Dimos Moutsis y letras de Kiriakos Kassis), Telos den ehi to tragoudi (No tiene fin la canción, 1982), que era un popurrí de canciones de los sesenta, "rehechas", y Prosanatolismi (Orientaciones, 1984, con música de Ilías Andriópoulos y letras de Odisseas Elitis). Éxodos kindinou (Salida de incendios, 1984) fue el primero para PolyGram, y llevaba temas de Yannis Spanós, uno de los compositores griegos más importantes.

En 1985 Kikloforó ki oploforó (Ando por ahí armada), con música de Stamatis Kraounakis y letras de Lina Nikolakopoulou y Eftihía Papayannopoulou, obtiene gran éxito, superando los cien ejemplares vendidos. Es también la creación musical más importante de la década en Grecia.

En 1986 se editó una recopilación de sus canciones, de 1975 a 1977, con el título Pai i agapi mou (Se fue mi amor). Otros discos de esta época son Lissistrati (1986, con música de Stamatis Kraounakis y letras de Lina Nikolakopoulou), Leoforos (Avenida, 1987), una grabación en directo en el local de igual nombre; y su colaboración cantando Mambo brasileiro en Latin, un disco de canciones latinoamericanas y griegas de Yorgos Dalaras.

A principios de 1988 Álkistis grabó su álbum Dikéoma (El derecho), uno de los más interesantes de su carrera, con canciones de compañeros como Haris Alexíou, Dímitra Galani, Yannis Parios, etc.

Su disco de 1989, Dió vímata ap' tin ammo (A dos pasos de la arena), estuvo integrado por diez canciones del compositor Stamatis Spanoudakis, antes de la música de la película Il colore dell'odio, dirigida por Pasquale, participando Álkistis en una canción, cantada en árabe. Colabora con el cantante Andonis Kaloyannis en Ti ora ine (Qué hora es, 1989). En 1989 y 1990 actuó con gran éxito en Zoom (Tesalónica), editándose un nuevo disco en vivo titulado Leoforos B' (Avenida, segunda parte) como consecuencia del programa que interpretó en 1987 en el club nocturno Leoforos.

En 1991, en colaboración con Lina Nikolakopoulou y con el compositor serbio Goran Bregovic (famoso por aquel entonces por su trabajo en la película El tiempo de los gitanos), se edita su disco Paradéhtika (Lo he reconocido), que contiene temas antiguos y nuevos de Goran Bregovic. En 1992 canta dos canciones de Lakis Papadópoulos y Notis Mavroudis, respectivamente, en el disco To tragoudi gimnó (La canción desnuda). Vuelve a actuar en Zoom en la temporada 91-92 con mayor éxito todavía, extrayéndose de esas actuaciones un disco doble en directo.
En 1993 Álkistis graba Karavania (Caravanas), con letra y música de Kostas Ganotís, y Anthropon erga (Acciones humanas), de nuevo con Stamatis Kraounakis y Lina Nikolakopoulou. Aparecen recopilaciones como Epitihíes (Éxitos) y Ta prota mou tragoudiá (Mis primeras canciones, con temas de 1975 a 1977). Pueden encontrarse otras colaboraciones en Otan erhode i fili mou (Vienen mis amigos, 1995, doce canciones nuevas y diez antiguas de Stamatis Kraounakis), Karayozis (obra teatral de Stamatis Kraounakis y Yannis Kakoulidis, verano de 1996), y To trito stefani (La tercera corona, 1996, con música de Stamatis Kraounakis y basada en la novela de Kostas Tahtsis). De 1996 es también otro disco doble: la grabación en directo Odio Irodou Áttikou / I Álkistis Protopsalti se erga tou Ilía Andriopoulou (Teatro Herodes de Ática - Álkistis Protopsalti en obras de Ilías Andriópoulos).

Sus trabajos más recientes son San ifestio pou xipná (Como un volcán que despierta), con música de Nikos Antipas sobre letras de su amiga Lina Nikolakopoulou; otro disco de igual título, pero grabado en directo en el teatro del Pireo, en 2000, un segundo álbum de nuevas canciones de Nikos Antipas y Lina Nikolakopoulou titulado Idrogies sferes (Globos terráqueos).

En enero de 2002 ofreció un concierto en el Music Hall de Atenas bajo el título Ta paramythia mias fonis presentando una estupenda colección de sus canciones favoritas acompañada por la Orquesta Sinfónica de Praga, además de su orquesta actual y el coro Fons Musicalis, bajo la dirección de Francesc Preisler, orquestado por Costas Papadoukas. Fue la primera vez que la cantante interpretó canciones extranjeras, la mayoría extraídas de musicales y películas internacionales.

¨ VARGAS BLUES BAND CON DEVON ALLMAN
- España y Estados Unidos -
10 de julio
Precio: 15 y 20 euros

Formación

Javier Vargas (guitarra), evon Allman (voz invitada), gustavo segura (batería), Esteban Cabezas (bajo), Lucía del Campo (teclados), Jorge Amularo (voz)
Javier Vargas, hijo de emigrantes españoles en Argentina, nació en Madrid poco después de que sus padres dejaran Buenos Aires. Nueve años más tarde su familia regresó a Argentina y allí comenzó a interesarse por la música.
En Mar del Plata comenzó a tocar en garajes y cuando en los años 70 su familia emigró a Venezuela, Javier cogió su guitarra y se marchó a los EE.UU. a estudiar música. Tocaba en clubes, y colaboraba en grabaciones como guitarrista de sesión. Cada noche participaba en jam sessions con artistas americanos e ingleses, conoció a Alvin Lee, Roy Buchanan, Cannet Heat y otros muchos de los que aprendió y que también influenciaron su forma de tocar.
Al regresar a Madrid en los 80 se encontró de nuevo con músicos que habían participado en el movimiento del Rock Nacional en Argentina: Aquelarre, Miguel Abuelo, Javier Martínez, Moris, Claudio Gabis, Cubero Díaz, Miguel Botafogo, Andrés Calamaro, etc.
Formó parte de la banda de Miguel Ríos durante tres años y participó en varios de sus álbumes. También colaboró con La Orquesta Mondragón, Luz Casal, Joaquín Sabina, y Manolo Tena, como músico de sesión y compositor.
All Around Blues (1991), es el primer disco que graba Javier como líder de la Vargas Blues Band. Colaboraron Elena Figueroa y Philip Guttman entre otros.

En 1992 aparece Madrid-Memphis. En este segundo álbum Javier Vargas contó con la colaboración de los bluesman Carey Bell y Lousiana Red, el guitarrista flamenco Rafael Riqueni y las voces de Philip Guttman y Jeff Espinoza.

En febrero de 1994 sale a la calle, Blues Latino. Para este trabajo Javier Vargas contó con la colaboración de Flaco Jiménez, Chris Rea, Junior Wells y Andrés Calamaro. El álbum tuvo una extraordinaria aceptación entre una gran diversidad de público.
El tema Blues Latino de Javier Vargas fue grabado por Carlos Santana y publicado en todo el mundo dentro de su álbum Santana Brothers. Santana intrepretó Blues Latino en Woodstock, 1994.

En mayo de 1995 en los estudios Ardent de Memphis y en Austin (Texas) se graba Texas Tango. Producido por Jim Gaines, el álbum contó con las colaboraciones de Double Trouble (la banda de Stevie R. Vaughan), Larry T. Thurston (Blues Brothers) y Preston Shannon.

En julio de 1996 es invitado por Carlos Santana a tocar junto a él dos temas del concierto celebrado en el Zenith de París. La invitación se repetiría en 1998, durante los conciertos de Santana en Madrid, también en el patio del Conde Duque, París (Bercy) y en 2000, en la gira Supernatural por España.

Gipsy Boogie (1997), repite producción de Jim Gaines. Se grabó entre Madrid y Memphis, fue mezclado en Florida y masterizado en Nueva York. Tuvo colaboradores de la talla de Raimundo Amador, Carles Benavent, La Chonchi, el cantante cubano David Montes, Chester Thomson, Lonnie Brooks, Larry McCray, Little Jimmy King, David Allen y Larry Graham (de Sly & The Family Stone).

En Noviembre de 1999 la Vargas Blues Band se desplazó a los Estados Unidos para grabar su primer álbum de directo, en el club "Buddy Guy´s Legends" de Chicago.

Last Night incluye todos los temas grabados en "Legend´s" y un DVD con el concierto de Madrid y escenas grabadas en Chicago.

En 2003 se edita el primer álbum enteramente instrumental, Chill Latin Blues, en el que cobran protagonismo la guitarra de Javier Vargas, y la fusión de sus influencias musicales.

Javier Vargas no ha dejado de colaborar con numerosos artistas como guitarrista, productor y compositor. Su música puede escucharse también en la banda sonora de diversas peliculas. Además de haber estado de gira por España, Inglaterra, Francia, Italia, Portugal, Canadá y Argentina, la Vargas Blues Band ha tocado en prestigiosos festivales europeos (Festival de Jazz de Montreaux, el alemán Pop Korn Festival, The Great British R&B Festival…) y Canadienses (Mont-Trémblant Blues Festival), siempre con un gran éxito.

¨ CLAUDIO BAGLIONI
Todo Baglioni. Grandes éxitos en español
- Italia -
11 de julio
Precio: 33 y 38 euros

El cantante italiano acaba de publicar en España el álbum Todo Baglioni. Grandes éxitos en español. Un trabajo que contiene sus temas más conocidos, como Sábado por la tarde, Y tú, Pequeño gran amor o A mi modo, entre otras. Las dos primeras han sido remezcladas por Juan Luis Giménez, del grupo Presuntos Implicados, proporcionándoles un tratamiento inédito. Baglioni interpretará lo mejor de su carrera musical a través de las 15 canciones de este álbum, que resumen sus 35 años de trayectoria.

A mediados de la década de los 70, fue número uno de las listas españolas con la canción Sábado por la tarde (Sabato pomeriggio), frecuentando nuestra televisión o realizando giras por el continente americano y europeo, gracias a un prestigio y a una popularidad que no le ha abandonado desde sus comienzos profesionales.

Claudio Baglioni nació el 16 de mayo de 1951 en Roma. Cuando tenía 14 años participó en un concurso de voces nuevas en su barrio de Centocelle y a los 15 ganó sus primeras mil liras cantando en un teatro periférico de variedades. Tenía 16 cuando escribió una suite inspirada en Annabel Lee, el poema de Edgar Allan Poe, y un año más tarde compuso sus primeras canciones: Signora Lia e Interludio. Con semejante currículo, el primer contrato discográfico no se hizo esperar y en 1969 firmó con RCA. Claudio Baglioni tenía 18 años.

En 1970 publicó su primer disco con la canción Una favola blu, con la que participó en el célebre concurso Disco per l'Estate, y editó su primer álbum. Tras ganar el Premio de la Crítica en el Festival de Sopot (Polonia), Baglioni publicó el segundo disco en 1971, el tercero en 1972, el cuarto en 1973, el quinto en 1974, el sexto en 1975... Un disco por año, algunos con colaboraciones de Astor Piazzolla y Vangelis y todos en los puestos más altos de las listas. Eran los años dorados de la música italiana, con una gran presencia en España, donde sus artistas más significativos eran verdaderos ídolos. Claudio Baglioni y sus canciones eran estrellas internacionales, realizando importantes giras por Estados Unidos, Canadá, Argentina, Brasil, Perú, Venezuela y México.

Vendió un millón de ejemplares de su álbum Alé-oo (1983), 1.200.000 de La vita e'adesso (1985) y un millón más del triple disco en directo Assolo (1986). En 1987 cantó con la London Symphony Orchestra dirigida por Lorin Maazel. Después llegaron las colaboraciones con Paco de Lucía, Pino Daniele, Youssou N'Dour, Montserrat Caballé, Sting, Art Garfunkel y Al Stewart... Y así hasta hoy.

Claudio Baglioni es uno de los pocos artistas de los 70 que ha mantenido su carrera y su prestigio hasta el siglo XXI. Son 35 años y 23 discos en los que el italiano ha sido pionero e innovador en muchas cosas. En rodearse de grandes músicos para sus giras, en utilizar tecnología de última generación en sus giras, en lanzarse a la calle realizando actuaciones sorpresa encima de un camión, en grabar conciertos acústicos, en ser un adelantado de los videoclips, en publicar libros con sus escritos y fotografías y en continuar despertando el interés del público desde su primer disco en 1970 al último en 2003, titulado Sono Io -L'uomo della storia accanto, que subió inmediatamente al número uno de las listas italianas tras su presentación.

¨ Mª DOLORES PRADERA
Canciones del alma
- España (Madrid) -
13 de julio
Precio: 15 y 20 euros

Formación

Juan Salvador "Chava" (requinto), Luis Baigo (guitarra), Pepe Ébano (percusión), José Maria Panizo (contrabajo), y el grupo mariachi "Los charros de España"

En Canciones del alma, último disco de María Dolores Pradera, la artista vuelve a reunir a sus músicos habituales (guitarra, contrabajo, percusiones, requinto), además de un grupo mariachi (trompetas, violines, acordeón), con los que interpretará aires de México.

No faltarán, sin embargo, las piezas musicales de su repertorio más clásico, canciones como La flor de la canela, Amarraditos, El rosario de mi madre, Fina estampa, que se unirán a las nuevas canciones del disco, entre las que se encuentran Tu nombre me sabe a hierba, de Joan Manuel Serrat, Gracias a la vida, de Violeta Parra, o A Dios le pido, de Juanes.

María Dolores Pradera y sus recuerdos
Soy hija de un asturiano que tenía ocho años cuando se vino andando a Madrid. Al poco, escapó como polizón a Argentina donde tuvo todo tipo de trabajos. Llegó a hacer una fortura en Chile, pero se arruinó.

Mi padre nunca renunció a España. Aquí fue donde conoció a mi madre. En mi caso, al igual que con el resto de los hermanos, mi madre se quedaba embarazada en América pero volvía a España para dar a luz.

De la Guerra Civil tengo imágenes contradictorias. El horror del hambre, el miedo, los bombardeos, los muertos en la calle. Al mismo tiempo, los niños nos sentíamos felices, salíamos a buscar madera para hacer fuego, teníamos mucha libertad....

Era una niña muy imaginativa. Durante la guerra, cantaba y recitaba ante los vecinos de la calle Viriato. En casa, me encantaba disfrazarme de lo que yo pensaba que era una espía internacional, con tacones y todo.

Cuando terminó la guerra, reanudé los estudios. Pero tuve que dejar el bachillerato por problemas de dinero. Había estudiado corte y confección pero me pareció más divertido el hacer de extra en los Estudios Chamartín.
Alternaba el cine con el teatro, Fernando Fernán-Gómez dirigía el teatro del Instituto Italiano de Cultura, un recinto que se consideraba parte de la Embajada Italiana, por lo que la censura no podía intervenir. Montábamos obras que no se podían hacer en otros locales de Madrid.

Alazán era el café-salón de moda en Madrid. Entre la gente que venía a verme cantar estaban Berlanga, Bardem, Buero Vallejo, Camilo José Cela, González Ruano, Paco Rabal, Antonio el bailarín... Una noche, apareció por allí Edith Piaff, que había escuchado discos míos y adoraba mis rancheras.

En Alazán iba a estar unos días y me quedé seis temporadas. Cuando yo cantaba, la gente dejaba de bailar y eso me confirmaba que no lo hacía del todo mal.

No me gusta que se diga que dejé el cine por el teatro o que me cambié de actriz a cantante. Nunca he tomado ese tipo de decisiones: me he dejado llevar por la vida y lo sigo haciendo...

A finales de los sesenta, mis hijos habían crecido y ya no necesitaban que yo estuviera allí para ponerles la bufanda. Me reclamaban de Sudamérica y me puse a cantar de forma más continua. Pensé que sería una cosa de temporada pero la demanda nunca ha parado.

He tenido la fortuna de ser amiga de muchos de los autores que he cantado. Ellos me regalaron ponchos, rebozos, mantillas. Cuando me pongo alguno, sé que esa prenda me conecta con Atahualpa Yupanqui, Lola Beltrán, Horacio Guaraní, Chabuca Granda, Jorge Cafrune, Lucha Villa, Mercedes Sosa, La Negra Grande de Colombia....

No creo que haya desaprovechado mi cupo de amor. He amado mucho y me han amado mucho. El problema es que un hombre demasiado enamorado termina queriéndote encerrar en una jaula.

Es curioso que los hombres pierdan interés por una relación cuando deriva de amor en amistad. Para mí, es en ese momento cuando demostramos nuestra grandeza como seres humanos.

El odio es el sentimiento menos productivo. Te cansa, te desgasta...¡ y te hace arrugas en la cara!". "La soledad tiene mal cartel pero puede ser fértil, creadora, reconfortante. Claro que, para asumirla tienes que ser fuerte. Muy fuerte.

María Dolores Pradera

¨ GEORGE CLINTON-PARLIAMENT / FUNKADELIC
- Estados Unidos -
14 de julio
Precio: 25 y 30 euros

George Clinton, el genio y motor de Parliament y Funkadelic, es la figura más influyente en la historia del funk.

Tras fundar The Parliaments en el instituto, en 1967 tuvo su primer éxito I Wanna Testify. Pronto empezó a experimentar con la música, se despegó del sonido Motown y ya no ha vuelto a aterrizar. A principios de los 70 nació Parliament, evolución hacia jams circulares sobre ritmos funkys. También creó Funkadelic, un grupo de rock que mezclaba guitarras distorsionadas psicodélicas, extraños efectos de sonido, discursos cosmológicos con ritmos bailables y líneas de bajos bombásticas, asentando lo que desde entonces se conoce como funk.

Parliament y Funkadelic dominaron y revolucionaron la escena musical de los 70 con 40 éxitos en las listas de R&B y 4 números uno: Flashlight, One Nation Under a Groove, Aqua Boogie and (Not Just) Knee Deep. Sus colaboradores eran el magistral teclista Bernie Worrel, el guitarrista Eddie Hazel, el bajista Bootsy Collins, el saxofonista Maceo Parker y el trombonista Fred Wesley. Sobre el escenario, un espectáculo maratoniano que incluía una nave nodriza y disfraces estrambóticos.

En los 80 George Clinton logró un número uno con Atomic Dog, produjo a The Red Hot Chili Peppers, y Prince le fichó para su sello Paisley Park. En los 90 Clinton ya era considerado el padrino de la música urban moderna. Ritmos, loops y sampleos de P-funk inundaban los álbumes de OutKast, Dr. Dre, Snoop Dogg, Busta Rhymes, Missy Elliot, De La Soul, Fishbone, y muchos más. Como dice Clinton, "funk es el ADN del hip-hop y rap". También se juntó para grabar con artistas como Too Short, Digital Underground, Ice Cube, Q-Tip, Coolio y Redman. En 2002 la revista situó a Parliament/Funkadelic en el número 6 de las 50 mejores bandas de todos los tiempos.

Actualmente, la nave de Parliament Funkadelic no muestra signos de bajar el ritmo, siguen activos tanto en los estudios como en los escenarios. El grupo incluye junto con nuevas voces miembros originales de la banda, como Gary Shider, Dewayne "Blackbyrd" McKnight, Mike Hampton, William "Billy Bass" Nelson y Cardell "Boogie" Mosson. A veces llegan a ser más de 30 personas sobre el escenario a la vez.

¨ CHEIHK LÔ
- Senegal -
15 de julio
Precio: 20 y 25 euros

Formación

Cheikh lô (solista, guitarra, batería), Samba n'Dokh m'Baye (tama), Malick Sy (bajo), Thiernou Kouaté (saxofón, flauta), Arona Barry (teclados), Bachir Dia (teclados), Tete m'Baye (percusión), Sankoung Diabate (guitarra)

Cheikh Lô es seguidor de Baye Fall, una variante senegalesa del Islam que rinde culto a su fundador Cheikh Ibra Fall. Son una característica de este culto los dreadlocks (largas trenzas enmarañadas) y el estilo patchwork (especie de remiendos) en el vestir, cualidades que han hecho a Lô una figura característica en Senegal. Cheikh Lô ama el reggae, según él "lo escuchaba a todas horas, especialmente Bob Marley y Peter Tosh. Pero no soy un músico de reggae".

Fueron los ritmos mbalax (originariamente una forma de danza de tambores para las celebraciones wolof) los que supusieron su auténtica cuna musical.

Nacido en 1955 en la pequeña ciudad de Bobo Dioulasso, en Burkina Fasso, sus padres eran de Senegal. Aunque él creció en Burkina en la frontera con Mali y hablando las lenguas bambara, wolof y francés. Abandonó la escuela muy joven por su pasión por la música y pasaba horas tocando la guitarra, la batería y la percusión, todos los instrumentos eran prestados ya que no tuvo su propia guitarra hasta el año 85.

Durante su adolescencia escuchó todo tipo de música, pero sobre todo rumba zaireña, que tiene sus orígenes en el son cubano. A la edad de veintiún años empieza a tocar percusiones con la Orquesta Volta Jazz en Bobo Dioulasso. Se trasladó a Dakar en 1970 y allí tocó la batería para el artista progresivo Ouza. En 1985 se trasladó a Francia, donde pasó dos años trabajando como músico de sesión en París. Al volver a Senegal, empezó a buscar a alguien para producir su propia música. Su encuentro con Youssou N'Dour en 1989 fue milagroso. N'Dour descubrió en la voz de Lô "un viaje a través de Mali, Niger y Burkina".

La primera cassette de Lô apareció en el año 1990 y se llamó Doxandeme (Inmigrantes). Tuvo gran aceptación a pesar de la precariedad del sonido y Lô adquirió un cierto renombre, una nueva figura a tener en cuenta. Pero no consignó hasta 1995 y gracias a la ayuda de Youssou N'Dour entrar a grabar en un estudio en condiciones sus composiciones.

Ne La Thiass apareció en el sello de N'Dour y fue un éxito inmediato. World Circuit lo publicó para el mercado internacional en 1996. En 1997 Lô realizó su primera gira europea con gran acogida de público. Ese mismo año fue nominado como revelación en los premios Kora en Sudáfrica. En 1998 giró en Estados Unidos como parte de Africa Fête, y en 1999 recibió el prestigioso Ordre Nacional de Merite de Léon del presidente de Senegal.

A finales de 2001 Cheikh Lô empezó a trabajar sobre su segundo disco Bamba Gueej, que apareció en el sello World Circuit. Fue co-producido por N'Dour y Nick Gold, y el disco exploró un nuevo territorio con unos arreglos de metales de Pee Wee Ellis, una influencia marcadamente cubana gracias a las colaboraciones de la sección de trompetas de los afro-cuban All Stars y el flautista de La Orquesta Aragón, Richard Egües. También incluyó un dúo con la diva de Mali, Oumou Sangaré. Lô giró por toda Europa presentando Bamba Gueej.

Al principio de 2003 Cheikh realizó varios conciertos en los festivales WOMAD en Australia y Nueva Zelanda. Las críticas fueron impresionantes. También ha colaborado en el disco Red Hot and Riot álbum, junto a numerosos influyentes artistas de la world music, versionando canciones de Fela Kuti.

¨ ANTONIO VEGA
- España (Madrid) -
16 de julio
Precio: 17 y 20 euros

Antonio Vega se ha vaciado. Antonio ha logrado disfrutar de una libertad creadora insólita para él hasta la fecha y lo ha dado todo en el empeño. Ha salido de su cueva particular, ha sacado fuerzas de su flaqueza, ha resistido a sus tentaciones, ha vencido hábitos, en aras de una lucidez y energía necesarias para atender cada momento, cada nota de este álbum 3000 noches con marga. Y, claro, Antonio ha roto moldes de composición, ha jugado como un niño y ha tirado de su propio fondo literario, musical, educacional, principalmente el de su adolescencia y juventud en los setenta. Las siete canciones y dos piezas instrumentales resultantes de este ejercicio titánico, de esta hazaña humana y artística, nos revelan un Antonio Vega, siempre íntimo, mucho más extravertido, menos oscuro y autocomplaciente, más claro y directo. Antonio está encantado, más orgulloso de este disco que de ningún otro que ha grabado solo o con Nacha Pop.

"Lo siento mío de principio a fin y hemos formado una banda para poder plasmar todo lo bueno que hemos hecho en este disco del que nos sentimos dueños muy satisfechos".

A estas alturas del texto, en este segundo párrafo, presupongo que el lector resistente y curioso va a leer hasta el final ya porque la figura de Antonio Vega le atrae desde hace un tiempo, ya porque necesita documentación para su labor mediática. Confieso sentirme abrumado por el impacto emocional de estas canciones y mi charla con su autor, a quien conozco entrevista a entrevista desde 1980. No me considero su amigo, pero el cariño y respeto mutuos han crecido como maduraron nuestras emociones y pensamientos. Leamos primeros fragmentos del texto de introducción en los créditos del disco:

"Hacia finales del mes de junio del año 2004 y después de pasar por el peor momento de mi vida, sin duda, comenzó la aventura de este 3000 noches con Marga. Con vehemencia enfermiza me sumergí en una dedicación incesante a mi trabajo. Escribí, arreglé, di forma uno a uno a los temas que componen esta obra.

En un momento en que, como hoy, mi corazón se hallaba desbordado por el dolor, todo giraba en torno a la figura de Margarita del Río Reyes, la mujer que me lo dio todo a cambio de nada y a la que he consagrado mi vida entera, lo que me quede de ella.
Me ahogo en la congoja de tu recuerdo ausente
De mi garganta anudada, mi soledad temprana
Cansado de caminos que no conducen a nada
¿Hasta dónde llega la vida?
¿De dónde viene la muerte?
Todos los días he llorado tu marcha
Y lo he hecho solo
Y solo grito tu nombre
Empeñado en pronunciarlo
Y hacer del ayer, mañana
Y del mañana, presente... "

Cada cual paga un precio por su mayor o menor empeño en volar libremente. Estas canciones despiden libertad en cada acorde. 3000 noches con marga suena por amor.

"Es un disco nacido de la ilusión y de la necesidad también de pronunciar su nombre y de estar cerca de ella y de darla... Es un disco que está por encima de planteamientos estilísticos o de mercado de cualquier tipo... Responde a la versatilidad, a la riqueza de una relación humana, antes que a la continuidad de un estilo".

Teclados de Basilio Martí, guitarras de Jorge D'Amico, bajos de J.M. Baladón, saxos y otros vientos de Santi Ibarretxe, las armónicas de Javier Urquijo, las baterías de Toni Jurado o Anye Bao, los apuntes, consejos y paciencia de Carlos Martos, se ajustaron a una pregrabaciones caseras de Antonio en su ordenador. Todo había sido marcado para la grabación definitiva en los estudios Sonoland donde Antonio ha maldormido tantas noches.

"Los músicos se han liberado de responsabilidades malentendidas y han estado a la altura más que de sobra para satisfacer mi curiosidad artística. Hemos puesto el listón muy alto. Hay un antes y un después para todos nosotros con este disco".

Y Antonio se ha vivido más guitarrista y cantante que nunca. Guitarras, guitarras, sí como la canción incluida en su primer álbum No me iré mañana. Guitarras setenteras, prosinfónicas, en un sonido de los ochenta. Adiós a esos tres minutos escuetos, óptimos para la radiodifusión y comercialización de hoy día. Las canciones duran lo que ellas mismas y sus músicos pidan o anhelen. Pasa el otoño son cinco minutos y medio de canción con un solo final de guitarra de casi dos minutos; Caminos infinitos son casi ocho y Te espero, cinco y medio.

Los melómanos nos lo merecíamos. Gracias Antonio Vega, tu genio poético es tan deslumbrante como tu corazón matemático.

"He disfrutado con la palabra. He disfrutado especialmente cantando cosas tan reales y ciertas que salen de algún sitio muy cercano a todos, de una enorme cotidianeidad".

3000 noches con marga es El Disco de Antonio Vega.

Santiago Alcanda

¨ TAJ MAHAL & TRIO
- Estados Unidos -
18 de julio
Precio: 25 y 30 euros

Formación

Taj Mahal (guitarra, piano), Kester Smith (batería), Bill Rich (bajo)

Taj Mahal realizará un recorrido por su amplísimo repertorio, que comprende desde el blues canónico hasta las canciones infantiles caribeñas, ya sea acompañando su canto con la guitarra, el piano o el banjo, o con el poderío del que hace gala en sus grabaciones más "lujosas", con la banda al completo e invitados de la talla de Etta James, en discos como Like Never Before o Dacing the Blues.

Taj Mahal (Henry St. Claire Fredericks), todo un personaje de leyenda es un enciclopédico conocedor de músicas del mundo. Es un musicólogo preocupado por investigar los orígenes y las raíces de la música negra en cualquier parte del planeta. Ha sido invitado y reverenciado por Bob Dylan o Los Rolling Stones.

Nació en Harlem en 1940 y allí creció oyendo a sus vecinos Tito Puente y Mongo Santamaria. Vivió en un barrio de Springfield, que era un cruce de caminos y culturas. La Colina era un barrio de afroamericanos, antillanos, europeos occidentales y orientales. Su padre era un fantástico músico de jazz, cuyos arreglos tocaba Benny Goodman; la gente llamaba "genio" a su padre, incluso lo dijo la propia Ella Fitzgerald. Su madre era una poderosa contralto que cantaba en un coro y el ambiente en el que creció era "salvajemente" musical.

Su padre era un ferviente seguidor de las ideas de Marcus Garvey que predicaba el panafricanismo, aunque el regreso a África a él le llegó de forma musical, incluyendo melodías latinas, hindúes…"Creo que trato de desarrollar la tesis afroamericana de la única forma que conozco: intentando mostrar cómo se siente un ciudadano del mundo, un ser humano negro que tiene el blues del siglo XX. Esta música emana de la humanidad afroamericana pero se extiende hasta abrazar todo el planeta, a mi me basta con ser parte de todo ese abrazo".

¨ ROBERT CRAY
- Estados Unidos -
19 de julio
Precio: 25 y 30 euros

Formación

Robert Cray (guitarra), Jim Pugh (teclados), Karl Severaid (bajo), Kevin Hayes (batería)

Un gran cantante, compositor prolífico, guitarrista con sonido reconocible entre mil, Robert Cray sabe satisfacer por igual a los amantes de blues y a los del soul.

Robert Cray nació el 1 de agosto de 1953 en Columbus (Georgia). Hijo de militar, en función de los destinos de su padre, no dejó de trasladarse, llegando incluso a pasar una parte de su juventud en Alemania. Cuando volvió a Estados Unidos, creció, como muchos americanos de su edad, escuchando rock psicodélico antes de descubrir el blues a través de los discos de Magic Sam, BB King, Howlin' Wolf o Albert King que le dejaron una profunda huella. El soul de los años sesenta -el sonido Stax- está también muy presente en su música. Después de algunos cursos de guitarra, formó el grupo One Way Street, que tocaba con estilo Beatles.
Pero su encuentro con Albert Colllins que ofreció un concierto en la Universidad de Takoma (Washington), fue decisivo. A partir de entonces decidió dedicarse al blues. Después de pasar dos años con Collins a quién profesaba una gran admiración, formó la Robert Cray Band, en 1975, con su amigo de la infancia Richard Cousins y el intérprete de harmónica Curtis Salgado.
El encuentro con el inteligente productor Bruce Bromberg y un pequeño papel en la película Animal House, con John Belushi, le permitieron grabar su primer álbum Who's Been Talking, en 1978, que pasó desapercibido pero que permitió descubrir la bonita y cálida voz de Cray, indefectiblemente marcada por Sam Cooke, incluso por Otis Redding, su forma de tocar la guitarra fluida y ese sonido muy cool que envuelve todos los temas que interpreta aunque se trate de versiones de blues de Howliln' Wolf, Sammy Myers o Willie Dixon.
Varios años más tarde, sus álbumes Bad Influence y Falses Accusations marcaron una etapa importante en la carrera de Cray, que también se afirmó como un excelente compositor de textos llenos de seriedad y profundidad. La fuerza de Phone Booth fue retomada por Albert King y la balada Bad Influence por Eric Clapton, y le permitieron a Cray salir del anonimato y le ofrecieron muchas oportunidades (conciertos, giras, artículos en prensa).
Robert Cray no deja de afirmarse como el prototipo del nuevo bluesman articulando su música en diversas corrientes, sin por ello negar su filiación al blues de Texas-California de Albert Collins o Johnny Copeland, con el que grabó el excelente Showdown. Este éxito le permitió firmar con una gran discográfica, Mercury. Publicado en este sello en 1986, Strong Persuader fue uno de los álbumes de blues más vendidos de todos los tiempos. Su enorme éxito marcó incluso la vuelta del blues a la escena musical después de un largo eclipse comercial. Pero nada de lo que ha grabado Cray ha sido gratuito, ya sea Don't Be Afraid In The Dark o Midnight Stroll, aunque ha evitado grabar demasiados álbumes, llevando con inteligencia su carrera de éxitos y convirtiéndose poco a poco en jefe de un movimiento, seguido por una pléyade de imitadores. A finales de los años noventa pasó una breve temporada vacía que le hizo perder su contrato con Mercury, no sin antes grabar otro buen disco Sweet Potato Pie, para después firmar con Rykodisc y volver con discos más soul comoTake Your Shoes Off y Shoulda Been Home con los que se reconcilia con su público, no con el de Dire Straits o de Eric Clapton, sino con el que le sigue desde los primeros discos.
Fernando Iza

¨ BARBARA HENDRICKS & MAGNUS LINDGREN QUARTET
Jazz Project
- Estados Unidos -
20 de julio
Precio: 35 y 45 euros

Formación

Barbara Hendricks (voz), Magnus Lindgren (saxo, clarinete, flauta), Mathias Algotsson (piano), Fredrik Jonsson (bajo), Jonas Holgersson (batería)

Barbara Hendricks, una de las voces privilegiadas de la lírica mundial, Premio Príncipe de Asturias, deslumbrará al público con un acercamiento al mundo del jazz acompañada por el Magnus Lindgren Quartet, ganadores de múltiples premios como mejor grupo de jazz. Juntos interpretan obras de Ellington, Gershwin y Porter, entre otros.

Barbara Hendricks
Nació en Stephens, Arkansas, y se graduó en Música en la Juilliard School of Music de Nueva York donde estudió con la mezzo-soprano Jennie Tourel. Con 20 años, ya se había graduado en Matemáticas y en Química en la Universidad de Nebraska.

En 1974 debutó en Estados Unidos y en Europa, en la Ópera de San Francisco y en el Festival Glyndebourne, iniciando así una carrera que la llevó a los principales escenarios de Ópera de todo el mundo, tales como la Ópera de París, Metropolitan Ópera, Covent Garden y La Scala. En Berlín, Viena, Hamburgo y Munich debutó con el rol de Susana de Las Bodas de Fígaro, papel que también interpretó en las últimas representaciones que dirigió Karl Böhm de esta ópera.

Barbara Hendricks cuenta con un repertorio que abarca más de 20 personajes de ópera, 12 de los cuales ya han sido grabados.

Desde su début en 1974, en el Town Hall de Nueva York, es considerada una de las principales y más activas recitalistas de su generación.

Barbara Hendricks debutó en el mundo del jazz en el Festival de Montreux en 1994 y, desde entonces, actúa regularmente en renombrados festivales de jazz de todo el mundo.

Desde 1987, Barbara Hendricks colabora activamente con el Alto Comisionado para los Refugiados de Naciones Unidas como Embajadora de Buena Voluntad, visitando campos de refugiados por todo el mundo.

En 1998 creó la Fundación Barbara Hendricks para la Paz y la Reconciliación, fundación que tiene por objetivo la prevención de conflictos en el mundo y la búsqueda de la reconciliación en los lugares donde el conflicto ya haya estallado.

Magnus Lindgren Quartet
Magnus Lindgren es uno de los jóvenes músicos de jazz suecos más dinámico, con un sonido único y distintivo. El lanzamiento de su tercer álbum por el sello Caprice ha puesto al cuarteto en el centro de las miradas. La perfecta interpretación y conocimiento mutuo que los miembros del cuarteto demuestran, igual que la "alegría traviesa" que los caracteriza, se ven claramente reflejados en su último disco titulado The Game. Influencias del bebop y el funk se mezclan con composiciones del grupo, así como una muy original interpretación de Caravan de Ellington.

Desde la grabación del álbum debut en 1999, Way Out, Magnus Lindgren, junto con su cuarteto, comenzó una gira por Europa, donde recibieron diversos premios.

Su segundo álbum, Paradise Open, compuesto para big band y cuarteto, fue galardonado con el Grammy sueco y el más destacado premio de jazz sueco, el Gyllene Skivan, en el 2001.

¨ COLIN JAMES
- Estados Unidos -
21 de julio
Precio: 20 y 25 euros

Formación

Colin James (guitarra y voz), Doug Elliott (bajo y coros), Craig Northey (guitarra y coros), Simon Kendall (teclado y coros), James Kaufman (batería), Steve Hilliam (saxo y coros)

Colin James, cantante, guitarrista y compositor canadiense, está considerado como uno de los renovadores del blues. Ha tocado con músicos como su mentor, Stevie Ray Vaughan, además de con Keith Richards y los geniales Mavis Staples, Lenny Kravitz y Bonnie Raitt, que han aparecido en inolvidables colaboraciones, en sus discos. Su primer trabajo discográfico de blues, Colin James and The Little Big-Band, fue doble disco de platino en Canadá y supuso el renacimiento de las big bands de blues en la segunda mitad de los años 90. Su álbum acústico, Nacional Steel, ganó el premio Juno como mejor disco de blues y James fue nombrado mejor productor, en 1999, por su trabajo en Colin James and The Little Big-Band II. El octavo álbum de su carrera se llama Traveler y se acaba de editar en España.

Como en su anterior álbum, Fuse, Colin colaboró con su buen amigo Craig Northey para escribir una serie de canciones para Traveler. "Siempre quise escribir una balada al estilo Motown", dice Colin, "Cometí un error, fue lo más parecido que nunca pude haber hecho, lo cual me gratificó cuando con Craig lo terminamos". El tema Know how to love you es la canción escrita solo por él en el álbum. "Escribí la letra en una larga parada en el aeropuerto de Nashville después de un concierto en Ft. Lauderdale y entre St. Paul y Vancouver la terminé", recuerda Colin.

Jeff Trott co-autor con Sheryl Crow ha colaborado con Colin en You and whose army y vino a Los Ángeles a grabar con Colin. Fue en el Paramour donde se escribió Skydiving un día antes de grabarlo. Además de Northey y Trott, también pasó por el estudio el legendario bajista Daryl Johnson (Emilou Harris, Neville Brothers), el prestigioso batería de estudio Victor Indrizzo (Depeche Mode) y el batería Dean Butherworth (Ben Harper).

Traveler contiene tres versiones, la primera la que abre el disco I'm Losing You escrita por un hombre que estaba en su viaje particular, el último John Lennon. Fue un encuentro real para Colin que siempre había querido grabar algún tema de Lennon. "Hay una gran base de blues que pensamos que podría funcionar como base vocal y guitarrística" dice Colin. "Cuando terminamos el tema nos dimos cuenta hasta que punto nos recordaba a veces al original".

En 1988 Colin apareció en la escena musical como un joven genio de la guitarra de Regina con un sonido que recordaba a los grandes maestros del blues pero al mismo tiempo con un estilo personal. Hay que decir que el mundo de la música se percató enseguida. En los años posteriores Colin ha conseguido muchos discos de platino con sus álbumes de rock, discos de big-bands superventas y canciones en lo más alto de las listas. Ha conseguido subir al podium nada menos que seis veces para recoger los prestigiosos premios Juno.

Colin ha tocado con músicos como su mentor Stevie Ray Vaughan y Keith Richards y el talento de los geniales Mavis Staples, Lenny Kravitz y Bonnie Raitt ha aparecido en sus discos en inolvidables colaboraciones. Su primer disco de blues Colin James and The Little Big-Band, fue disco de doble platino en Canadá y supuso el renacimiento de las Big Bands de blues en la segunda mitad de los años 90. Su álbum acústico Nacional Steel ganó el premio Juno como el mejor disco de blues y fue nombrado mejor productor en 1999 por su trabajo en el Colin James and The Little Big-Band II.

"Para mí este disco supuso una oportunidad para escribir de una manera mas personal" dice Colin. "Es bastante diferente a la mayoría de mis grabaciones de blues y me encanta tener la oportunidad de extenderme a una mayor variedad de sonidos y estilos que la mayoría de las grabaciones contemporáneas.

¨ ROBERTA FLACK
- Estados Unidos -
22 de julio
Precio: 35 y 38 euros

Formación

Roberta Flack (voz principal), Shelton Becton (teclados), Antonio Terry (voz), Milton Barnes (bajo), Sherrod Barnes (guitarra), Arturo Tappin (saxo /flauta), Ricardo Jordan (batería)

Elegante, urbana, reservada, afable y sofisticada, todos estos términos han sido usados para describir la música de Roberta Flack, particularmente su romanticismo, los guiños jazzísticos y los éxitos de sus baladas de los 70, las cuales continúan disfrutando de una gran popularidad.

Flack es la hija de un organista de iglesia y empezó a tocar piano a una edad muy temprana, le fue concedida una beca y se gradúo en la universidad de Howard. Después de dedicarse a la enseñanza Flack fue descubierta cantando en un club con músicos de jazz y se le brindo la oportunidad de firmar por Atlantic. Sus primeros dos discos no alcanzaron un gran éxito. Sin embargo todo cambió cuando una versión de Ewan MacColl´s The first time ever I zaw your face de su primer LP, fue incluida en la banda sonora de Play Misty for Me. El single escalo rápidamente las listas llegando a alcanzar el número uno en las listas de exitos de 1972 y permaneció allí durante seis semanas. Siendo unos de los grandes éxitos del año.

Flack continuó su éxito con su compañero de universidad Donny Hathaway con el cual formo un dueto que triunfaría con Where Is the Love. Killing me softly with his song fue número dos en la lista de éxitos durante 5 semanas en 1973 y mas tarde coronó las listas de éxitos en 1974 con Feel like makin´love.

Roberta Flack se tomo un respiro y dejó las actuaciones a un lado para concentrarse en grabaciones y a la ayuda con fines benéficos. Llegó a la cima de las listas de éxitos varias veces mas durante los siguientes años, pero en 1979 recibió un gran golpe su vida cuando Hathaway se suicidó. Devastada , Flack se vió forzada a buscarse otro compañero de dueto y lo hizo con Peabo Bryson, con el cual giró en 1980. Los dos grabaron juntos en 1983 consiguiendo un gran éxito con Tonight , I celebrate my love.

Flack paso el resto de los 80 actuando con su orquesta, y también en varias ocasiones con Miles Davis. Volvió al Top Ten una vez más en 1991 con Set The Night to Music, a dúo con Maxi Priest. A finales de los 90 emprendió una gira mundial incluyendo paises como Argentina, Australia y Turquía, que demostraron que su música cautivaba al publico en todo el mundo.

Durante 2002 se editó un DVD Roberta Flack in Concert, que la mostró como una de las mas proactivas defensoras después del tema de los atentados del 11 de septiembre.

Posteriormente ha aparecido junto a las artista mas jóvenes como son Alicia Keys, Aria y Angie Stone. En el 2003 edita Holidays, que contiene una colección de favoritos de ella, coincidiendo con la Navidad de ese año.

¨ JORANE + IARLA O'LIONÁIRD
- Canadá -
23 de julio
Precio: 20 y 25 euros

Formación

Jorane (cello, voz), Simon Godin (guitarra), Alexis Martin (batería), Fred Boudreau (bajo)

La música de esta joven artista canadiense es difícil de encasillar. En su debut, y único concierto en España, presentará su sexto y último trabajo hasta el momento, The you and the now, para el que ha contado con el conocido productor Michael Brook (Real World) y la colaboración del también canadiense Daniel Lanois (productor de U2).

Una voz profunda y cálida junto a las vibrantes cuerdas de su cello conforman una combinación única que no deja indiferente a nadie. Su contundente presencia en el escenario evoca un paisaje visual y sonoro, consiguiendo crear una magia que no ha dejado de cautivar a los diferentes públicos que ha deleitado durante sus giras por Canadá, Alemania, Francia, Bélgica, México o Japón.

Además de los seis discos propios que ya tiene en el mercado, Jorane también dedica parte de su tiempo a realizar bandas sonoras, como lo de la última película de Claude Fournier, Je n'aime que toi; el trabajo de Adrian Lyne Unfaithfu,l con Richard Gere, o la cinta de Ole Bornedal I am Dina, con Gérard Dépardieu. Entre sus colaboraciones cabe destacar las realizadas con la cantante Sarah McLachlan o el grupo instrumental Apocalyptica.

Iarla O'Lionáird (Irlanda)
En una de sus visitas a los estudios de Realworld conoció a los que serían componentes de una de las formaciones más aclamadas de la world music: Afro Celt Sound System. Desde entonces, ya son cuatro los discos que ha grabado con los AfroCelts, dos de los cuales han sido nominados a los premios Grammy en 2000 y 2002, después de haber alcanzado ventas que rozan el millón de unidades. En 1997, O'Lionáird editó en solitario The Seven Steps to Mercy, y ya en 2001 la banda sonora de la película I Could Read The Sky. Su música también ha aparecido en otros films destacados como el de Martin Scorcese Gangs of New York, con Leonardo DiCaprio, además de haber sido invitado por diferentes estrellas de la escena internacional, como los mismísimos U2.
¨ CIBELLE
- Brasil -
25 de julio
Precio: 18 y 22 euros (venta anticipada)
20 y 25 euros (taquilla)

Formación

Cibelle (voz, guitarra y percusión), Felipe Pagani (guitarra), Kita Steuer (bajo), Vladimiro Carboni (batería), Kristian Craig Robinson (electrónica)

A lo largo del último año, Cibelle ha explorado nuevos territorios y estilos musicales. Ahora, además, coproduce, diseña, y graba sus vídeos, además de componer sus propios temas, (más folk, más microbeats, más bossa jazz, más invención sónica...).

El productor de su último disco ha sido Apollo 9 (uno de los mejores y más jóvenes productores de Brasil) y los mezcladores Chris Harrison y Pete Norris, arquitectos sonoros de Morcheeba.

Cibelle presentará este verano en Conde Duque, canciones de su primer album un avance de su nuevo trabajo, previsto para septiembre '05, donde incluye una personal revisión del About a Girl de Nirvana y 4 videoclips en DVD.

¨ LOS LOBOS
- Estados Unidos -
26 de julio
Precio: 25 y 28 euros (venta anticipada)
27 y 30 euros (taquilla)

Formación

David Hidalgo (guitarra, violín, acordeón, percusiones, voz), César Rosas (guitarras, voz), Louie Pérez (guitarra, batería, voz), Conrad Lozano (bajo, voz), Steve Berlin (saxo, teclados)

Una fusión de rock, tex-mex, blues, country, folk, y R&B con música tradicional de México y Latinoamérica, así es la música de Los Lobos.

Esta banda de chicanos ha desarrollado uno de los estilos más originales de los últimos 30 años. Desde sus modestos inicios en los barrios pobres del Este de Los Ángeles hasta los grandes escenarios internacionales, Los Lobos han destilado sus vidas en canciones.

Comenzaron su carrera en 1973. La llamada "zona Este" de Los Ángeles fue el lugar donde una banda de jóvenes chicanos comenzó a amenizar fiestas, bodas, ferias y bares con música mexicana tocada, primordialmente, con instrumentos acústicos. Sin embargo, no fue hasta 1984 con How will the wolf survive?, su primer disco de larga duración, cuando la banda dejó atrás al grupo de familia y amigos que les seguía, para comenzar su sorprendente legado.

Hoy, tres décadas después, Los Lobos han recorrido el extenso territorio norteamericano de norte a sur y de este a oeste cientos de veces. Ya en avión, en coche o en autobús, con presentaciones igual en bares y teatros, auditorios municipales y estadios, casinos y anfiteatros, festivales monumentales o ferias regionales… el quinteto ha llevado con orgullo su mensaje al estilo de las bandas del viejo San Francisco, como The Grateful Dead; es decir, tocando en cualquier lugar donde alguien estuviera dispuesto a escuchar.

Ha sido una carrera de largo recorrido para los Lobos. Los guitarristas y fundadores Louie Pérez, Cesar Rosas y David Hidalgo, Conrad Lozano al bajo y el teclista y saxofonista Steve Berlin, que lleva 20 años con la banda, forman el quinteto base.

Han actuado como teloneros de los artistas más importantes, como Bob Dylan, ZZ Top, U2, The Grateful Dead, The Eagles, Santana, The Clash, Elvis Costello o Debe Mathews Band, por citar sólo a los más importantes.

En 1984 Los Lobos ganaron su primer premio Grammy. Con La Bamba de Ritchie Valens, en 1987 se precipitaron hacia un triunfo mundial y pronto recibieron otros premios Grammy y el reconocimiento y admiración unánime de los medios de difusión. Con más de treinta años de carrera a sus espaldas, Los Lobos es considerado como el mejor grupo de rock latino de la historia por gran parte de la prensa musical internacional. No es por su presencia mediática, por la revisión del clásico de Ritchie Valens La Bamba o por su participación en la película El mariachi, protagonizada por Antonio Banderas, sino por su extraordinaria capacidad para filtrar los mejores patrones del clásico rock americano y supeditarlo a su forma de entenderlo, cualquier seguidor de su carrera, jalonada con trece discos, cuatro premios Grammy, centenares de conciertos y trabajos paralelos, puede justificarlo.

La banda intenta reinventarse y seguir aumentando su audiencia. A Los Lobos les gustaría cosechar de nuevo el apoyo de la crítica, más premios Grammy, el cariño de la profesión y volver a ser superventas, pero sin sacrificar su integridad. Cuando la banda llega al escenario, el público les aclama. Mientras ellos interpretan un repertorio de clásicos como Cielito lindo, La pistola y el corazón o el éxito Guantanamera, el público celebra el mestizaje que representa la música de Los Lobos.

¨ SARGENTO GARCÍA + CHAMBAO
- Francia y España -
27 de julio

Formación

Sargento García

Chambao
Toni Cantero (guitarras varias y coros), Toni Romero (teclaos y coros) , Roberto Cantero (saxo tenor y soprano, flauta y secuencias), Coki Giménez (percusión y batería), Juan Heredia (percusión), Oliver Sierra (guitarra y tres cubano), Eva Jiménez (coros), Mari (voz).

Sargento García
Después del éxito obtenido por el disco La Semilla Escondida en Francia (más de 80.000 discos vendido y más de 120 conciertos en 10 meses), Sargento Garcia decidió hacer una versión diferente sólo para España. Para ello compuso un tema para Ojos de Brujo, Seré de Arena, que grabaron juntos en el estudio Jan Cadela de Barcelona. Incluyó además el remix de Asian Dub Fundation de la canción More Time. El resultado ha sido un disco exclusivo para España que Sargento Garcia presentará con su Sound System en el Patio Central de Conde Duque este verano

Con tres álbumes que resumen la festiva sensualidad de un ciudadano del mundo, Sargento García se ha convertido en el embajador francés de los ritmos calientes. Su música - el extremo opuesto del personaje burgués y rechoncho (secuaz del Zorro) de quien tomó prestado el nombre - es picante, resonante, pulcra y revitalizadora, una mezcla de los mejores ritmos jamaicanos y cubanos. Un pionero que combina armoniosamente el reggae, la salsa, el son, el cha-cha, el ska, la rumba y el ragga.

París, 1997: Bruno García, habiendo ya demostrado lo que tenía que demostrar en la escena de rock alternativo (Ludwig Von 88) y con las virtudes cosmopolitas de sus muy alabados sound systems, sienta las bases para un sonido Esperanto al que él denomina salsamuffin. Con origen en el Caribe, pero libre para transitar entre la inspiración y el encuentro fortuito, esta poco convencional y original alianza de sonidos se convierte en algo muy popular.

Con los miembros fijos de Los Locos Del Barrio, un ecléctico contingente procedente de la escena Afro-Caribeña-Latina parisina, Bruno recorrió toda Francia, y luego respondiendo al reclamo internacional (más de 200.000 copias vendidas) actuó sobre todo en países de hispanos y en Estados Unidos.

Los tres primeros álbumes de Bruno - Viva El Sargento (1997), Un Poquito Quema'O (1999), Sin Fronteras (2001), (un manifiesto nómada que se bifurca para explorar el Mali de Amadou y Mariam, y el mundo gitano de Balbino) se idearon en París utilizando ingredientes exóticos.

Con su cuarto álbum, La Semilla Escondida, Sargento García tomó el camino opuesto, volviendo a los orígenes de estos estimulantes estilos musicales para grabarlos allí mismo, en el lugar de donde proceden, en un estudio, con experimentados músicos.

Chambao
Chambao es uno de los grupos más innovadores en el campo de la mezcla de estilos, del mestizaje, fuente de riqueza; son pioneros en un sonido que lleva su firma. Pero, Chambao es mucho más, no sólo se trata de fusionar el flamenco con la electrónica. Es, más que un invento, un encuentro. "Somos heterogéneos por naturaleza", "lo que hacemos sólo puede entenderse como Chambao puro".

Primero fue Flamenco Chill, un álbum recopilatorio, con seis temas propios y dos versiones, Triana y Camarón (Pepe de Lucía), no podía ser menos; con él alcanzaron la popularidad. Su calidez y sensualidad que transporta a ambientes relajados mezclados con el duende y la gracia sureña les valió para conseguir el reconocimiento del público ( más de 90.000 copias vendidas) tanto nacional como internacional. Fusionando notas flamencas con la "parafernalia" de la electrónica, ellos mismos autodenominaron su estilo como flamenco chill, una originalísima propuesta y una apuesta valiente y arriesgada.

"Queremos transmitir la mejor de las vibraciones" y para ello dieron vida a Endorfinas en la mente, su segundo álbum, esta vez con once temas enteramente suyos, con el que recibieron el Premio Ondas a la Mejor Creación Musical, y el Premio de la Música al Mejor Álbum de Nuevas Músicas.

Y así parieron, Pokito a poko, a su "tercer hijo", apostando nuevamente por la fusión del flamenco "apaleao" (callejero) y las programaciones y secuencias; pero cada vez más con un lenguaje propio e inconfundible. Evoca alegría y serenidad a un tiempo, con, quizás, un sentido rítmico más vivo, más chambao.

En "Pokito a poko" se vislumbran los ritmos de tres por cuatro en canciones como "Mi primo Juan", "Como la luz" y "Chicuelo". En "Uleré" se apunta la mezcla perfecta de tiempos flamencos con secuencias.

Pokito a poko deja sabor a día recién estrenado, a esperanza renovada: todo está a punto de empezar....La vida gira en tu ventana, no la dejes escapar. Abre cortinas, se hace la luz, todo comienza a despertar...Y en tus pupilas toda tu vida...

¨ ATILIO STAMPONE
Grandes del tango
música y danza
- Argentina -
28 y 29 de julio
Precio: 25 y 28 euros

Formación

Atilio Stampone (piano), Carlos Buono (bandoneón), Matias Grande (violín), Nestor Ferrer (contrabajo), Miguel Irazu (guitarra), Jorge Colella (cantante)
Bailarines: Loredana y Mariano, Esther y Ariel, María y Cristian

Grandes del tango es un espectáculo de música y danza que recrea la atmósfera tradicional del tango en sus diferentes épocas y expresiones. El programa se desarrolla a través de pequeñas historias que se van narrando en cada pieza, a lo largo de un extenso repertorio que refleja las grandes obras del tango argentino.

Atilio Stampone
A los 15 años, debuta profesionalmente en la Orquesta de Roberto Dimas, y un año más tarde se incorpora a la agrupación de Pedro Maffia. En 1946, cuando Astor Piazzolla se desvincula de Aníbal Troilo y forma su propia agrupación, Stampone se une a él como pianista hasta que se disuelve el grupo. Comienza entonces sus estudios con el maestro Vicente Scaramuzza. En 1949 es ya solista de la Orquesta de Mariano Mores. En 1950 obtiene una beca para estudiar en Italia, en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma con el maestro Carlos Zecchi. Una vez allí, realiza una gira dedos años por Italia, Francia, Grecia, Egipto, Siria, Líbano y Turquía.

En 1984, en la función inaugural del ciclo del Mozarteum Argentino, se presentó en el Teatro Colón, y en el 85, toma posesión del cargo de Presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música. En el 1987, dentro de las Fiestas de San Isidro 87, se estrenó, en el Teatro Real de Madrid, el espectáculo Tango en Concierto.

Entre otras creaciones, es autor de la música de la película La historia oficial, ganadora del Oscar de la Academia del Cine de Hollywood, a la mejor película extranjera.

En 1995 realiza en el New York City, un espectáculo de tango con Julio Bocca y su Ballet Argentino. En 1996, también con Julio Bocca, emprende una gira que abarca Italia, España, Israel y Egipto, con gran éxito.

En el mes de julio de 2000, la Secretaría de Cultura de la Nación lo designa como Director de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto.

del 4 al 12 de agosto - 22 horas

· COMEDIANTS
Las mil y una noches
teatro
- España (Cataluña) -
Adaptación y dramaturgia: Joan Font y Luisa Hurtado
Dirección: JOAN FONT
del 4 al 7de agosto
precio: 12, 18 y 25 euros

Ficha artística

Intérpretes Queralt Albinyana
Isaac Alcayde
Alma Alonso
Txe Arana
Mia Castellvi
José Pedro García
Roger Julia
Jordi Rallo
Iván Tapia

Adaptación y dramaturgia Joan Font
Luisa Hurtado
Composición y dirección musical Gani Mirzo
Coreografía y ayudante de dirección Montse Colomé
Espacio escénico Frederic Amat
Vestuario Frederic Amat / Cortana
Diseño de iluminación Albert Faura
Diseño de sonido Roc Mateu
Adjunta a la dirección Luisa Hurtado
Dirección Joan Font

Hay historias en los diarios que estremecen, hay libros que forman parte de nuestra historia. De la conjunción de estas dos realidades puede surgir en los creadores la necesidad de contar. Ese fue mi caso cuando leí en la prensa la terrible noticia del incendio de la Biblioteca Nacional de Bagdad, víctima de los efectos colaterales de una guerra que, como todas, nunca tuvo que ser.

En lo que se ha llamado "bibliocausto" han desaparecido más de un millón de libros, a los que hay que unir los 2.200 manuscritos antiguos, quemados o desaparecidos, de la biblioteca Awqaf y los dos millones de documentos del periodo otomano y republicano del Archivo Nacional de Iraq. No es nueva la destrucción de bibliotecas por la mano del hombre. Como no lo es el coraje con el que algunos quieren preservarlas.

Entre los libros quemados hay miles de ejemplares de La mil y una noches, libro de libros para generaciones de hombres y mujeres de oriente y occidente. ¿Por qué no fabular sobre la posible peripecia de un grupo de personas reunidas en un espacio indeterminado para salvar ejemplares de ese mismo libro y contándose los unos a los otros las historias que contiene? ¿Por qué no pensar que mientras alguien recuerda la historia ésta existe?. Naturalmente, es la mirada de un occidental atraída por la dimensión de los temas que contienen los relatos. Todo está en La mil y una noches: el abuso de poder, el viaje, la infidelidad, el mundo barroco, los mitos y las leyendas todavía vivas. Son cuentos que te desvelan las realidades del ser humano y son también el testimonio de la tradición oral de una cultura milenaria.

No hay crimen mayor que el que se comete contra la cultura de un pueblo. Borrar deliberadamente las huellas de una civilización es un crimen vergonzoso, pero hacerlo por intereses bastardos, disfrazados de ideales democráticos es un crimen contra la humanidad. Mirar hacia otro lado es olvidar nuestros orígenes y dejar que esta indignidad pueda volverse contra nosotros.

Joan Font

Sinopsis
El espectáculo se desarrolla en la ciudad de Bagdad, tomada como símbolo y metáfora de tantas guerras absurdas que a lo largo de la historia nos han perseguido...

Nos encontramos en una biblioteca medio derruida y parcialmente quemada, donde gente de diversos lugares traen, ordenan y custodian objetos de valor que han conseguido salvar de la destrucción y el saqueo. Han de pasar la noche vigilando para que nadie nuevamente pueda robarlos.

El toque de queda les advierte que la vigilia ha comenzado. Alguien, tímidamente, comienza una canción que será el preámbulo de una noche mágica, en la que se irán contando historias sobre un libro salvado de la quema de la Biblioteca Nacional: Las mil y una noches.

El primer cuento elegido es el que da origen al personaje de Shahrasad, hilo conductor del espectáculo.

Dos hermanos reyes, son traicionados por sus respectivas esposas; la venganza contra las mujeres es terrible y desproporcionada. Shahriyar, el hermano mayor, después de ejecutar a su esposa, decide tomar cada noche a una doncella y al amanecer matarla. Shahrasad, la hija del visir, tiene un plan para detener la masacre femenina y decide entregarse voluntariamente al rey. Después de hacer el amor, comienza a contarle una historia que deja interrumpida en el momento más álgido. "¿Qué sucede? ¿Por qué cortas el relato en lo más interesante?" pregunta el rey. "Ha amanecido ya, pero si lo permitís, alteza, esta noche contaré el resto que es mucho más interesante" le contesta seductora Shahrasad. El rey duda... pero finalmente accede y aplaza la ejecución de la doncella.

A partir de ese pequeño triunfo, nuestra heroína consigue salvar, momentáneamente, su vida y la de las demás mujeres, y cada noche cuenta al rey una historia tras otra hasta que...

Nuestros protagonistas reales, los que vigilan los tesoros recatados exponiendo sus vidas, también distraen a la muerte contando historias, aunque son interrumpidos en un par de ocasiones por elementos violentos que tratan de romper sus sueños. La fantasía puede más y continúan desgranando cuentos donde princesas, genios, bufones, magos, papagayos chivatos, marineros, muchachos ingenuos y esclavas deslenguadas nos conducen a países lejanos en caravanas que no llegarán a su destino porque son asaltadas por bandidos; a naufragios y montañas magnéticas que desaparecerán ante la fuerza de un destino escrito en las estrellas, y que a pesar de conocerlo de antemano no podemos cambiar. También nos mostrarán que la ingratitud, la injusticia y el abuso de poder no siempre salen impunes, puede hacerse justicia después de la muerte.

El amor triunfará por encima de las convenciones sociales y las vicisitudes porque:
"Nunca han visto los ojos imagen
más hermosa que la de los amantes
en un mismo lecho, abrazados,
vistiendo el traje del placer
y utilizando como almohada
el brazo del amado."

Los genios pueden estar en nuestra contra, pero podemos aplacar su furia contándoles historias divertidas. La conciencia irresponsable de una muerte accidental, puede llevar a un inocente a la horca si no confesamos la verdad a tiempo y los celos irracionales pueden desencadenar la más absurda de las historias... todo un mosaico de vida y muerte.

Prepárense, abran sus sentidos, déjense llevar por ellos y acompáñenos por esta singular aventura que desde nuestra particular visión, les transportará a mundos fantásticos.

MATADERO DE LEGAZPI

del 7 al 30 de julio - 22 horas

· HELIKON ÓPERA TEATRO DE MOSCÚ
Falstaff
ópera
- Rusia -
Música: Giuseppe Verdi
Libreto: Arrigo Boito
Dirección: DMITRY BERTMAN
Del 7 al 10 de julio
Precio: 20, 30 y 40 euros

Ficha artística

Intérpretes
Sir John Falstaff Mikhail Davidov
Ford Andrei Baturkin
Fenton Herman Apaikin
Dr. Cajus Alexander Podbolotov
Bardolfo Vladimir Bolotin
Pistola Alexei Antonov
Mrs. Alice Ford Elena Voznessenskaya
Mrs. Meg Pege Elena Guschina
Nannetta Marina Andreeva
Mrs. Quickly Larissa Kostiuk

Música Giuseppe Verdi (1813 - 1901)
Libreto Arrigo Boito (1842 - 1918)
Escenografía y vestuario Igor Nezhny y Tatiana Tulubieva
Dirección del coro Tatiana Gromova
Dirección del ballet Alexander Tagiltsev
Dirección musical Theodore Currentzis
Dirección Dmitry Bertman

Falstaff es la última obra de Giuseppe Verdi (Bussetto 1813 - Milán 1901). Es una obra del género bufo, aunque no esté estructurada en arias y las escenas se desarrollen sin solución de continuidad, pero mantienen el estilo propio del compositor italiano.

El libreto es obra de Arrigo Boito (Padua 1842 - Milán 1918) y se basa en la comedia Las alegres comadres de Windsor, de William Shakespeare. Dividida en tres actos, fue estrenada en Milán en 1893, convirtiéndose de inmediato en un gran éxito. Helikon Ópera Teatro, en sus 10 años de existencia, ha presentado más de 20 óperas, entre las que se encuentran Carmen, La traviata, Eugene Oneguin o Lady Macbeth.

Helikon Opera Teatro
La historia de la Helikon Opera Teatro comenzó hace diez años, cuando Dmitry A. Bertman, un joven director de escena de 23 años, decide realizar, junto a unos amigos estudiantes, una nueva producción de Mavra, de Stravinsky. Hicieron una reducción de la instrumentación a siete músicos, con ayuda de Kiril Tikhonov, un director musical reconocido que ha hecho la mayor parte de su carrera artística en Estados Unidos.

Así se creó la Helikon Opera Teatro, ubicada dentro de los muros de un soberbio palacio moscovita del siglo XVIII, entre el Conservatorio Tchaikovsky y el Teatro Bolshoi. Esta nueva compañía consiguió tener cada noche un público fiel de melómanos, suficientemente apasionados y "afortunados", por poder pagar la entrada, diez veces el precio de una del Bolshoi.

En algunos años, la Helikon Opera Teatro ha presentado más de veinte óperas distintas, la mayoría en estreno nacional, y algunas mundial. Cada producción ha impuesto una visión brillante y audaz, mientras que cada artista, solista o músico de la Helikon Opera Teatro puede rivalizar con los mejores de Rusia.

En 1993, la Helikon Opera Teatro pasa a ser una ópera estatal, y es invitada para actuar en el Líbano, Suiza, Alemania, Irlanda y Reino Unido (Londres), donde actúan tres años consecutivos con gran éxito.

Su producción de Carmen, de Bizet, le valió a Dmitry A. Bertman el Premio Máscara de Oro en 1997, equivalente ruso de los Premios Molière.

Presentadas en julio del 1999 en el Festival de Radio-France et Montpellier, Carmen y Los Cuentos de Hoffmann tuvieron un gran éxito. Dos meses después, La Dama de Picas estuvo en el Festival de las Artes de Massachusetts, y volvieron a Francia en noviembre de ese mismo año para presentar Los cuentos de Hoffmann en el Théâtre des Champs-Elysées (París), para hacer luego una gira por la provincia. En febrero del 2000, se presentó Carmen en el Théâtre des Champs Elysées.

La Helikon fue invitada por Mstislav Rostropovitch a los Encuentros Musicales de Evian, en junio del 2000, para representar La Chauve-Souris dirigida por él, y volvió a estar presente en el Festival de Radio France et Montpellier en julio del 2000, con Lady Macbeth de Mzensk y Mavra/Maddalena (dos breves óperas de Prokofiev y Stravinsky puestas en escena en una misma velada).

En noviembre y diciembre del año pasado, la Helikon fue nuevamente de gira por Francia, con una nueva producción de La Traviata. La producción fue un éxito y muchos teatros se interesaron por la compañía y sus futuros proyectos. Con la misma producción, la Helikon ha viajado en el mes de marzo del presente año, a Estados Unidos para realizar una gira.

En la Helikon Opera Teatro están trabajando actualmente unas 300 personas. Subvencionada por la ciudad de Moscú, esta institución forma una compañía estable, contrariamente al sistema que prevalece en la mayoría de los teatros de ópera.

El éxito de la Helikon Opera Teatro reside en la personalidad de su director, Dmitry A. Bertman: su mirada moderna, fresca, su humor corrosivo, la vivacidad, la energía endiablada de cada una de sus puestas en escena, aportan savia nueva al arte lírico.

En 2001 la compañía realiza su debut en España en el Festival Internacional de Santander con Lady Macbeth de Msenk de Shostakovich y Eugene Oneguin de Tchaikovsky, obteniendo un gran éxito y regresando en 2002 al mismo festival y al de Castell de Peralada con Los cuentos de Hoffmann de Offenbach y su nueva producción de Lulú de Alban Berg, revalidando el enorme éxito del año anterior. En 2003, trajo a España (Salamanca, ciudad europea de la cultura 2003) la ópera Pierre le Grand de Grétry.

En 2004, presenta El caso Makropoulos, de Leos Janácek, en el Festival Castell de Peralada y el Festival Internacional de Santander; La clemenza di Tito, de W. A. Mozart, en el Festival de Teatro Clásico de Mérida y Norma, de Bellini, y Pierre le Grand, de Grétry, en el Festival Internacional de Santander.

· EVA YERBABUENA BALLET FLAMENCO
Eva
danza (flamenco)
- España (Andalucia) -
13 y 14 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

Ficha artística y técnica

Bailarines Mercedes de Córdoba
María Moreno
Asunción Pérez Choni
Luis Miguel González
Juan Manuel Zurano
Eduardo Guerrero

Cante Enrique Soto, Jeromo Segura y Pepe de Pura
Guitarra Paco Jarana y Manuel de la Luz
Percusión Antonio Coronel
Saxo-flauta Ignacio Vidaechea

Música Paco Jarana
Arreglos Antonio Coronel, en Tiempo al tiempo, y Jesús Cayuelas, en Introducción 1
Vestuario Jimena San Román
Zapatos Begoña Cervera
Iluminación Raúl Perotti

Coreografía y dirección artística: Eva Yerbabuena

Sobre el espectáculo

Me siento sola en el silencio y me traslado en el tiempo para darme cuenta de algo que siempre me ha parecido incuestionable: la atemporalidad del flamenco. Desde el viejo gramófono, la pizarra gris me grita que el flamenco, voces, sonidos, toques, movimientos, sigue siendo una expresión suprema del sentimiento, sin normas ni medidas. Desde mi verdad siento los palos del flamenco, lleno mi cuerpo de libertad, nombre y forma...

Rarapata, "patás" de bulerías que nacen de mis adentros... Torre de la Vela, granaina, que aún siendo palo libre y arrítmico expreso llevando entre los volantes de mi cola todo aquello que Granada me hace sentir... la luz de sus pequeños tragaluces, el olor de su verde, el tacto sagrado de sus yeserías, el tintineo continuo del agua que cae...

Calla la voz y viene tiempo al tiempo, y mi cuerpo habla a golpes duros sin verbo... En Sevilla, una expresión popular "chirrín-malacatín" anuncia que algo se acaba, y yo lo hago por tangos, exponiendo, sin traba alguna, lo que encierro, lo que llevo guardado en rebeldía por ver la luz de mi cuerpo en movimiento.

La luz se muere, se pierde el sonido, se van las formas y me quedo sola, vahída entre penumbras, con el saber certero desde mis centros de la temporalidad del flamenco... no es otra cosa que dejar el corazón expuesto anta la vida...

Eva Yerbabuena

Eva Yerbabuena
Eva Garrido "la Yerbabuena" nació en 1970 en Frankfurt, aunque a los 15 días volvió a la tierra de sus padres, Granada. Comenzó a bailar en su tierra, a los doce años con Enrique "el Canastero", Angustillas "la Mona", Mariquilla y Mario Maya en su tierra antes de viajar a Sevilla para llevar a cabo sus estudios de arte dramático con Juan Furest y Jesús Domínguez, último paso antes de su marcha a la Habana (Cuba) para poder estudiar coreografía con Johanes García.

Su salto al mundo profesional se produjo en 1985, cuando comenzó a trabajar en la compañía de Rafael Aguilar para el espectáculo Diquela de la Alhambra. Luego, en 1987, se enroló con la Compañía de Paco Moyano en Ausencia, A tomar café (producción hispano-cubana) y De leyenda.

A partir de 1990 colaboró con Javier Latorre en La fuerza del destino, con Manolete en Amor Brujo, con Merche Esmeralda en Mujeres y con Joaquín Cortés en Jóvenes flamencos. Por aquella época participó en el día de la Hispanidad en Nueva York formando pareja con Javier Barón en su primera creación, Flamenco, un éxito que compaginó con el privilegio de ser la única bailarina flamenca en el espectáculo Integración, en el Teatro Nacional de la Habana, para la apertura del Festival internacional de Cine de la ciudad cubana.

En 1998 actuó en el City Center de Nueva York y en el Teatro Real de Madrid como artista invitada del Ballet Nacional de España, interpretando A mi niña Manuela, preludio de su salto definitivo a los grandes escenarios de todo el mundo gracias a la creación de su propia compañía, con la que se presentó en la X Bienal de Flamenco de Sevilla para estrenar su primer montaje, Eva. En plena gira de esta obra, entre la que intercala colaboraciones con los mayores artistas de la danza flamenca, la Yerbabuena vuelve a subir un nuevo peldaño en sus aspiraciones creativas cuando en 1998 comparte cartel con Mikhail Barysshnikov en Wuppertal (Alemania), actuando como artista invitada por la coreógrafa Pina Baush, con motivo del 25º aniversario de su compañía, teniendo también la oportunidad de bailar junto a Marie-Claude Pietragalla y Ana Laguna.

En 2001, es llamada por Mike Figgis para participar en la película Hotel, en la que se dan cita también artistas de cine internacional como John Malkovich, Julia Sands, Burt Reynolds, Salma Hayek, Ornella Mutti y Chiara Mastroianni.

Eva conquista entonces por segunda vez la estatuilla Flamenco Hoy como Mejor Bailaora y Mejor Compañía del año 2000, premio concedido por la Crítica Nacional de Flamenco.

A estas alturas, y con sólo 31 años, se está fraguando su mayor reconocimiento público hasta el momento, el Premio Nacional de Danza 2001, un galardón que la sitúa definitivamente entre las grandes figuras del baile flamenco de todos los tiempos.

Sin embargo, la artista no para. En el mes de enero de 2002, mientras prepara su nuevo montaje, comienza una gira por Estados Unidos actuando en los más grandes teatros, como el City Center de New York, el Majestic Theater de Boston, el Lisner Auditorium de Washington, el Austin Auditorium de Texas y el Kimo Theater de Alburquerque. Y, de nuevo, el Premio Flamenco Hoy vuelve a caer en sus manos como Mejor Bailaora 2001.

Centrada a partir de aquí en su obra La voz del silencio, con la que obtuvo en la XII Bienal el premio Giraldillo a la mejor bailaora, Eva retoma sus giras en 2003, un año en el que ha paseado sus montajes por Francia, Argentina y Estados Unidos, entre otros muchos lugares.

En octubre de 2004, es invitada por Pina Bausch a participar en su festival, compartiendo escenario con artistas de la talla de Sylvie Guillem, Ana Laguna y Malakhov, donde interpreta una coreografía de la gran coreógrafa alemana y su soleá.

En 2005 obtuvo dos Premios Max de las Artes Escénicas por su obra Eva: a cal y canto, en las modalidades de mejor intérprete de danza y mejor espectáculo de danza.

· METROS
Carmen
danza
- España (Cataluña) -
Música original: Martirio, sobre la obra homónima de G. Bizet
Coreografía y dirección: RAMÓN OLLER
18 y 19 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

Ficha artística y técnica

Intérpretes
Gitana Mª Carmen García
Carmen Sandrine Rouet
Susana García
José Javier García
Marijn Roelofsen
Micaela Joana Rañé
Manuela Susana García
Sonia Martín
Millo Saulo Garrido
Trabajadoras Sonia Martín
Mª Jesús Picher
Natalia Jiménez
Mozos Yannick Badier
Golan Yosef
Javier García
Bruto Lluís Pascual

Maquinista Ángel Rodríguez
Técnico de iluminación Roberto García
Técnico de sonido Marc Gatell
Diseño de iluminación Gloria Montesinos (A.a.i)
Diseño de sonido Albert Puig
Diseño de vestuario Merçe Paloma
Espacio escénico Joan Jorba
Dirección técnica Edgardo Millán
Asistente Lluís Pascual

Asistente coreográfico Alicia Pérez-Cabrero
Coreografía y dirección Ramón Oller

Cia. Metros
Producción y coordinación general Ginette Casanovas
Pilar Chueca
Auxiliar de producción Gina Calvo
Produción ejecutiva Anexa

Sobre el espectáculo

Carmen, uno de nuestros mitos más universales, ha sido una referencia poco recurrente para nuestros creadores. Desde el lenguaje del flamenco, tenemos los magníficos trabajos de Antonio Gades y de Salvador Távora, pero, hasta ahora, no ha habido ningún intento de acercamiento temático a través del lenguaje coreográfico contemporáneo.

Esta es la apuesta de uno de nuestros coreógrafos más versátiles y reconocidos nacional e internacionalmente, Ramón Oller, y de su compañía Metros. La base musical del espectáculo, procedente de la ópera de Bizet, se completa con las aportaciones musicales de Martirio.

Metros
Ramón Oller (Esparreguera, 1962), tras sus primeros pasos artísticos en el teatro popular catalán, estudió Artes Dramáticas en el Institut del Teatre de Barcelona y danza clásica y contemporánea en Barcelona, Londres y París. Desde su primera y ya premiada coreografía, Dos dies i mig (1984), Oller y su compañía Metros, creada en 1984 y afincada en Barcelona, han seguido una línea netamente ascendente.

En 1986 es invitado por el Jacobs Pillow Dance Festival (Estados Unidos) para perfeccionar sus conocimientos de coreografía y pedagogía. En 1991, el Centro Coreográfico Nacional de Tours, entonces bajo la dirección de Jean-Christophe Maillot, le propone la co-creación del espectáculo Naranjas et Citrons, bailado por los bailarines del Centro Coreográfico Nacional de Tours y por la compañía Metros.

Desde 1996 es asesor de Danza Contemporánea de la Junta de Andalucía y coordinador del plan de estudios del Centro Andaluz de Danza.

Ramón Oller inició en el año 1994 la colaboración con la compañía estadounidense Ballet Hispánico de Nueva York. Esta colaboración se traduce en la creación anual de un nuevo espectáculo para esta compañía.

En la actualidad está impartiendo la asignatura de Composición a los estudiantes de Grado Superior de Danza Contemporánea del Instituto del Teatro de Barcelona.

Además de dirigir su propia compañía, Oller imparte clases, talleres y cursillos en España y en el extranjero. Desde 1991, trabaja como coreógrafo independiente para el teatro, la zarzuela, el musical, la ópera y el ballet.

Oller ha creado hasta la fecha más de cuarenta obras. Al margen de las creaciones para su compañía Metros, ha realizado coreografías para la Compañía Nacional de Danza, Ballet Nacional de España, Ballet Cristina Hoyos, Compañía Javier Barón, ITdansa, Dagoll Dagom, Teatro del Liceu, Centro Dramático Nacional, Teatro de la Zarzuela, Festival Castell de Peralada, Teatre Lliure, etc. así como para España, Ballet Nacional de Paraguay (Paraguay), Ballet Hispánico de Nueva York y Good Speed Opera House (Estados Unidos), Ballet de la Ópera de Essen (Alemania), Introdans (Países Bajos), Intoto (Gran Bretaña) y Pulsion (Francia), entre otras compañías.

Oller fue distinguido con el Premio Nacional de Danza por el Ministerio de Cultura en 1994, y ha sido Premio Nacional de Cataluña en 1994 y 1996.

Por otra parte, la Asociación de Directores de Escena de España premió en 1993 su obra Estem divinament y en 1997, Romy & July. En 1996 recibe el Premio Nacional de Danza de Paraguay por la obra Trocito de Cielo, y en 1998 gana el Premio Ciudad de Barcelona de las Artes Escénicas con Romy & July.

· COMPAÑÍA MANUELA CARRASCO
Tronío
danza (flamenco)
- España (Andalucía) -
Dirección artística: JOAQUÍN AMADOR
Coreografía: MANUELA CARRASCO
22 y 23 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

Ficha artística y técnica

Bailarines Rafael de Carmen
el Torombo
el Bobote
Luis de Peña
Javier Heredia

Artistas invitados Juan Villar
Manuel Molina

Cante Antonio Zúñiga
la Tobala
la Nitra
Zamara Carrasco
el Barilla

Artistas invitados al cante Juana la Grande (Juana la del Pipa)
el Extremeño
Arcángel

Guitarras Joaquín Amador
Pedro Sierra
Antón Jiménez
Juan José Amador
Agustín de Morón

Percusión: José Carrasco

Música Joaquín Amador
Iluminación Juan Sampedro
Vestuario Salado
Sonido Joaquín Terán
Ayudante de dirección Enrique Salgado
Dirección artística Joaquín Amador
Coreografía Manuela Carrasco

Sobre el espectáculo

Manuela Carrasco y su compañía, acompañados por algunos cantaores invitados, como Juana la del Pipa, el Extremeño y Arcángel, entre otros, presentará Tronío, un espectáculo en el que la sevillana tejerá, con sus pies, tarantos, seguiriyas, alegrías, soleás o bulerías. Tronío es, en palabras de la propia Carrasco, un espectáculo "puro, fuerte y de raza".
Sinopsis
Tronío, señorío, majestad, baile, danza del gitanismo memorial. Manuela Carrasco Salazar, la hija del sordo de Triana, baila, retuerce su cuerpo entre vaivenes de verdad absoluta , siempre hasta donde Dios quiera, nunca buscando el alivio. Ese es su único argumento, bailar flamenco. Certero, con rostro de furia, los brazos al cielo, los pies al infierno. Trono jondo para quienes escriben la historia a costa de vivencias, fuente auténtica del flamenco esencial. Va por usted maestro Sabicas. Y luego por doña Carmen vaya el taranto, bailado como se bailan las cosas que duelen al amparo de la voz que más daña en el atrás de hoy: Enrique "El Extremeño". Y a seguir viviendo recordando.

Anzonini, Valdepeñas, la Roezna. Jondura seguiriyera. Y otra vez Manuela. Ahora por alegrías, el baile de la rebelión, del gozo, del éxtasis. Danza lejana ya en el cuerpo de la trianera, que ahora la retoma buscando la inspiración entre melismas de algodón. Arcángel le canta. Y luego avisa Rafael de Carmen. Todo no es fiestas, seguiriya. Y tres voces de mujer alivian la herida por tangos al final, con la sangre de su sangre -Zamara Amador -, fluyendo por la garganta, hasta que la Carrasco se vista de soleá por bulerías para calmar la aspereza del grito jerezano de Juana la del Pipa con su rabia gitana. Ahí está todo. Todo lo que el recuerdo alcanza a ver. Tronío, sólo quienes miran hacia atrás y ven pueden presumir de él.
Pasión Flamenca

Manuela Carrasco vino al mundo en el mágico barrio sevillano de Triana, cuenta con diez años cuando sus padres se trasladan a la Costa del Sol, a trabajar en la cocina de un restaurante, y allá va Manuela también, a colaborar. Y he aquí que en el camino del tajo, Manuela ve todos los días las luminarias de un tablao llamado El Jaleo. Por aquel tiempo ya le había confesado a su madre su firme convicción de ser artista, y tanto insiste para que la lleve a ver a Mariquilla, la dueña del tablao, que al fin su madre se la presenta a la famosa bailarina para que le haga una prueba. Mariquilla quedó pasmada ante aquel "brillante en bruto", según sus propias palabras, y la contrató para que actuara en su sala.
Su padre, sin embargo, el que ahora le acompaña muchas veces en sus recitales, no quería que su niña se dedicase a la danza, y muchas noches, cuando Manuela dormía, le tiraba los zapatos de baile por la ventana, a ver si se le quitaban las ganas de bailar más.

Poco después, venciendo los obstáculos, se presenta en su Sevilla natal en la sala La Cochera, por entonces centro de flamenco de primera calidad, pues contaba entre sus artistas con Matilde Coral, Rafael el Negro y Antonio el Farruco, que componían el magnífico cuadro Los Bolecos.

Siendo aún adolescente se enrola en la compañía de Curro Vélez para hacer una gira por Bélgica, Holanda y Alemania. En aquellos escenarios de lujo, ella salía descalza con un pañuelo, una blusita y una falda, y volvía locos a los serenos espectadores del norte de Europa, bailando por bulerías. Fue en esa gira cuando sus insólitas maneras de interpretar la danza honda empezaron a poner a todos los públicos en pie.

Su primer salto a Madrid viene precedido por una actuación en el histórico festival de arte flamenco El Potaje de Utrera, precisamente el año en que la Hermandad de los Gitanos rendía homenaje a Manolo Caracol. Se puede decir que allí se firmó el contrato para su presentación en la capital de España y en el marco de Los Canasteros, donde el genial cantaor desgranaba su eco terrible y profundo.

Tras su presencia en los rincones de toda la tierra andaluza, vuelve a Madrid y el revuelo que arma en Los Canasteros se prolonga ocho meses consecutivos, con la sala llena todos los días. Por ese tiempo Manuela comienza a recibir los más importantes premios de su género: en 1974, el Nacional de Bulerías en el Concurso de Córdoba, y en el mismo año el correspondiente al baile, que le otorga la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera.

En 1976, en San Remo (Italia), tras una actuación memorable, que le abre las puertas de Europa, conquista el premio Embajadores de la Paz, un galardón que orgullosamente comparte con sólo dos compatriotas: Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar.

Viajó Manuela por España entera, en honor de triunfos constantes, y luego por Italia, donde abarrotó una semana entera el gran Teatro Olímpico de Roma, en 1981; y al siguiente Francia, recibiendo el aplauso unánime, tanto de la crítica como del público.

· CIRCUS BAOBAB
Le singe de saudieu
circo acrobático
- Guinea Conakry -
25, 26 y 27 de julio
Precio: 12, 15 y 25 euros

Ficha artística y técnica

Acróbatas y bailarines Yamoussa Camara
Fodé Camara
Mohamed Laye Camara
Aboubacar Bangoura
Ibrahima Kouyate
Alsény Soumah
Alsény Sylla
Morlaye Touré
Morlaye Soumah
Daouda Camara

Bailarinas y coro Fanta Camara
Safiatou Soumah
Moussoukoro Bangoura
Makoura Kourouma
Nana Bangoura

Músicos
Canto, saxofón alto y soprano Momo Wandel Soumah
Flauta Laye Camara
Palafón Ibrahima Sory
Bolón, canto Amadou Camara
Kora, guitarra, canto Abdoulaye Kouyate
Dum dum Kerfalla Camara "Bakala"
Djembé Alhassane Camara "Dartagnan"
Djembé Fadama Kourouma
Djembé Sékou Sydia Sylla
Sampán Amadou Bangoura

Idea original Laurent Chevallier y Telivel Diallo
Escenografía Jean Michel Poitreau y Philippe Moutte
Vestuario Fabienne Desflèches y Daouda Camara
Sonido: Didier Delaine
Asistente sonido Léo Dumay y Yaël Laporte
Iluminación Christophe Lacombe
Diseño iluminación Jean-Marie Prouvèze
Regiduría Ansoumane Diallo, N'faly Camara, Mory Diallo dit Minos, Moussa Diallo, Badra Ali Sata y Lanciné Diallo
Regidor Philippe Mandel
Fotos Philippe Cibille
Difusión y comunicación Hélène Picot
Administración/ Producción Isabelle Sage
Administración Sara Vincent
Arquitecto Baobab Serge Calvier
Director técnico Mory Diallo
Puesta en escena Pierrot Bidon
Coreografía Ibrahima Coumbassa
Dirección musical Momo Wandel Soumah
Dirección escénica Kabiné Traoré

El mundo del circo habla un lenguaje universal y permite el intercambio de las diferentes características culturales. Animado por el mestizaje de modos de expresión, en búsqueda perpetua de formas nuevas, el circo favorece el enriquecimiento cosmopolita y se convierte en un campo de experiencias fabuloso.

Guinea, terreno artístico fecundo (percusiones, danzas, zancos, cantos ritmados, acrobacia danzada...) ha sido el crisol ideal para realizar la primera experiencia africana en el mundo del circo aéreo.

Desde esta perspectiva, Circus Baobab, procedente del Centro Acrobático de Guinea vuelve a LosVeranos de la Villa para acercarnos las tradiciones seculares guineanas desde la tradición circense con un lenguaje propio muy característico.

Circus Baobab nace de una manera inesperada y curiosa. En 1998, el cineasta francés Laurent Chevalier tuvo la idea de realizar un largometraje sobre un circo itinerante guineano, alrededor de su vida cotidiana, de su periplo por las pistas y las representaciones en las plazas de los pueblos.

La cuestión es que en la época no había ninguna compañía itinerante de circo en aquel país. Y ésta es la semilla de Circus Baobab. La Dirección de Asuntos Culturales de Guinea se plantea la creación de una compañía nacional de circo, siguiendo la misma línea que en la creación de los Ballets Africanos por parte de Keïta Fodeba, durante los años 50.

Después de tres meses, el proyecto estaba muy evolucionado: se reunieron los directores de los grupos de danzas y acrobacias del distrito de Conakry, mientras que Chevalier buscó y encontró a Pierrot Bidon (fundador d'Archaos y figura clave en el circo contemporáneo francés), el hombre circo todo-terreno, necesario para la selección de artistas que habrían de participar en esta aventura y para asentar las bases del proyecto.

Todo juntos idearon un espectáculo en el que el elemento escenográfico principal era un enorme baobab.

Así nace el primer espectáculo de Circus Baobab: 8 chicas y 20 muchachos de edades entre 15 y 25 años que, trabajando las coreografías ancestrales guineanas bajo las órdenes de Pierrot Bidon, llevan a la escena una antigua leyenda de la etnia bambara: La leyenda del mono tamborilero.

Le singe de saudieu
"Balandou es una aldea tranquila en el corazón de la selva guineana. Regularmente, esta armonía se ve interrumpida por los monos, que destruyen la aldea y sus cosechas.

Esta tarde, el jefe de la aldea convoca a todos los hombres: promete ofrecer en matrimonio a una de sus hijas al guerrero que logre capturar al jefe de los monos.

So Dyeu sale a la caza y encuentra al mono, encaramado en la copa de un gran baobab. So Dyeu consigue arrancarlo de su árbol para hacerle caer en su trampa.

Al regresar, todos en la aldea festejan el retorno de su glorioso cazador. Como recompensa, y para estar a la par de su bravura, el jefe decide ofrecerle en matrimonio no sólo a una hija, sino a todas ellas."
(Cahiers d'Etudes Africaines)

Esta leyenda guineana es llevada a la escena con el decorado que precisa: un inmenso árbol en el que viven los monos (trapecio volante, acrobacias aéreas), a cuyo pie se extiende la aldea con sus guerreros, sus mujeres y sus músicos. El trapecio volante, la contorsión, la acrobacia, las danzas y percusiones endiabladas se mezclan en grandes escenas llenas de poesía, cuyo telón de fondo es la puesta de sol en la sabana. Este fresco africano finaliza en un gran número acrobático con fuegos artificiales de cuerpos volantes en todos los sentidos.

Trapecio volante, dúos de trapecio fijo sobre pértiga, cuerda lisa, contorsionismo, malabarismo, acrobacias y danzas componen este espectáculo interpretado por 16 acróbatas y 6 músicos. Creado en 2000, se ha readaptado en 2004 en una versión más técnica y más sintética.

· MARTHA GRAHAM DANCE COMPANY
Acts of light - Embattled garden - Sketches from chronicle - Cave of the heart
danza (contemporánea)
- Estados Unidos -
Programas:
Día 30 de julio: Acts of light - Embattled garden - Sketches from chronicle
Día 31 de julio: Acts of light - Cave of the heart - Sketches from chronicle
Coreografías: MARTHA GRAHAM
Precio: 12, 20 y 30 euros

Ficha artística

Intérpretes Elizabeth Auclair
Tadej Brdnik
Terese Capucilli
Katherine Crockett
Christine Dakin
Gary Galbraith
Martin Lofsnes
Miki Orihara
Fang-Yi Sheu
Christophe Jeannot
Virginie Mécène
Alessandra Prosperi
Erica Dankmeyer
Jennifer DePalo-Rivera
Carrie Ellmore-Tallitsch
Whitney V. Hunter
Catherine Lutton
Maurizio Nardi
Brenda Nieto
Heidi Stoeckley
Yuko Suzuki
Blakeley White-McGuire
David Zurak

Supervisor de iluminación Jim French
Diseño de iluminación Beverly Emmons
Jean Rosenthal
Directora de vestuario Russ Vogler
Diseño de vestuario Martha Graham
Diseño de escenografía Isamu Noguchi
Director musical y de orquesta Aaron Sherber
Director general John P. Kivlen
Director artístico Susan Kikuchi
Director de la compañía David Pini
Director de producción Melissa Caolo
Director ejecutivo Marvin Preston
Directora artística Janet Eilber
Fundadora, bailarina y coreógrafa Martha Graham
Sobre el programa

§ Acts of light

Ficha artística

Coreografía Martha Graham
Música Carl Nielsen
Diseño vestuario Halston y Martha Graham
Diseño de iluminación Beverly Emmons

Fue estrenada el 26 de febrero de 1981 en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts, de Washington.

La pieza aborda temas que son una constante en la obra de Martha Graham: el amor, la muerte y el renacimiento.

I. Conversation of Lovers
II. Lament
III. Ritual of the Sun

"Gracias por todos 'los actos de luz' que embellecieron aquel verano, que aún pervive en el recuerdo." (Emily Dickinson).

§ Embattled garden

Ficha artística

Coreografía y vestuario Martha Graham
Música Carlos Surinach
Escenografía Isamu Noguchi
Diseño original de iluminación Jean Rosenthal
Adaptación de iluminación Beverly Emmons

Fue estrenada el día 3 de abril 1958 en el Adelphi Theatre, de Nueva York.

Se dice que el amor no respeta las reglas del juego, sino que se rinde a algo más que a una rígida ley. Aunque el Jardín del Amor parece estar siempre amenazado por el conocimiento que posee "el forastero" del mundo exterior y por la antigua sabiduría de aquellos que, como Lilith (según la leyenda, mujer de Adán antes que Eva), vivieron allí con anterioridad.

§ Sketches from `chronicle´

Ficha artística

Coreografía y vestuario Martha Graham
Música Wallingford Riegger
Diseño original de iluminación Jean Rosenthal

Fue estrenada el 20 de diciembre 1936 en el Guild Theatre, de Nueva York.

Creada en tiempos de la Guerra Civil española, Chronicle no intenta mostrarnos la realidad de la guerra, sino que evoca imágenes de la misma, nos presenta el crucial preludio de la batalla, pinta su efecto devastador sobre la mente humana, que deja una estela y sugiere una respuesta. (Nota del programa original del Guild Theatre, 1936).

I . Spectre-1914
Drums - Red Shroud - Lament

II . Steps in the Street
Devastation - Homelessness - Exile

III . Prelude to Action
Unity - Pledge to the Future

Spectre-1914 fue reconstruída en 1994, después de un largo período de investigación y recopilación de material, por Teressa Capucilli y Carol Fried, a partir de trozos de películas y fotografías de Barbara Morgan.

Steps in the Street fue reconstruída por Yuriko y Martha Graham, a partir de un film de Julien Bryan. La reconstrucción de las luces de Steps in the Street estuvo a cargo de David Finley.

Prelude to Action fue reconstruída por Sophie Maslow, con la colaboración de Terese Capucilli, Carol Fried y Diane Gray, a partir de trozos de películas y fotografías de Barbara Morgan.

La reconstrucción de las luces de Spectre-1914 y Prelude to Action estuvo a cargo de Steven L. Shelley.

§ Cave of the heart

Ficha artística

Coreografía y vestuario Martha Graham
Música Samuel Barber
Escenografía Isamu Noguchi
Diseño original de iluminación Jean Rosenthal
Adaptación de iluminación Beverly Emmons

Fue estrenada el 10 de Mayo 1946, en la Universidad de Columbia, Nueva York.

Cave of the Heart es un estudio sobre el poder destructivo del amor, sobre las oscuras pasiones que guarda el corazón humano, como una serpiente enroscada lista para atacar.

En la mitología griega, Medea, una hechicera, se enamora de Jasón y utiliza sus poderes mágicos para ayudarle a conseguir el Vellocino de Oro. Sacrificando todo lo que más ama, huye con él a Corinto, pero Jasón la abandona. Traicionada y desterrada, planea un complot para acabar con la vida de su rival, la Princesa, y la de sus dos hijos.

Marta Graham Company
Fundada en 1926 por la bailarina y coreógrafa Martha Graham es, en la actualidad, la compañía de danza más veterana y laureada de Estados Unidos.

Desde sus comienzos, Martha Graham Dance Company ha recibido la aclamación del público en más de 50 países de América, Europa, África y Asia. Ha actuado en el Metropolitan Opera House, Carnegie Hall, Paris Opera House, Covent Garden, J. F. Kennedy Center for Performing Arts, junto a las pirámides de Egipto y en el Ancient Herod Atticus Theatre de la Acrópolis de Atenas.

La compañía tiene en su repertorio 181 trabajos coreográficos de Martha Graham. Entre sus obras más emblemáticas figuran: Heretic (1929), Lamentation (1930), Primitive Mysteries (1931), Frontier (1935), Deep Song (1937), El penitente (1940), Appalachian Spring (1944), Cave of the Heart (1946), Errand into the Maze (1947), Night Journey (1947), Diversion of Angels (1948), Clytemnestra (1958), Embattled Garden (1958), Phaedra (1962), Frescoes (1978), Acts of Light (1981), The Rit of Spring (1984), Temptation of the Moon (1986), Night Chant (1988) y Maple Leaf Rag (1990).
La compañía ha sido, un campo de entrenamiento de ilustres bailarines y coreógrafos. Entre sus ex miembros cabe destacar a Merce Cunningham, Eric Hawkins, Pearl Lang, Elisa Monte, Paul Taylor, Glen Tetley, Jacqulyn Buglisi, Donlin Foreman y Pascal Rioult. Celebridades como Mikahil Baryshnikov, Claire Bloom, Margot Fonteyn, Liza Minnelli, Rudolf Nureyev, Maya Plissetskaya y Kathleen Turner han sido artistas invitados por la Compañía.

Otro personaje distinguido que fue alumna de Martha Graham ha sido Betty Bloomer, quien bailó con la Compañía hasta 1938, para convertirse luego en la Primera Dama, más conocida como Betty Ford.

La Compañía ha encargado coreografías a Twyla Tharp, Robert Wilson, Susan Stroman, Lucinda Childs y Maurice Béjart, que han sido recibidas con gran entusiasmo por parte del público y los críticos de todo el mundo.

del 4 al 12 de agosto - 22 horas

· ÓPERA POPULAR
Norma
ópera
- España (Madrid) -
Música: Bellini
Libreto: Fellice Romani
Orquesta Filarmonía - Coro Eurolírica - Orfeón Filarmónico
Director Coro Eurolírica: Juan Pablo de Juan
Director Orfeón Filarmónico: Sergio Kullhman
Director musical: PASCUAL OSA
Director de escena: GUSTAVO TAMBASCIO
4, 5 y 6 de agosto
Precio: 15, 30 y 45 euros

Ficha artística

Norma Susan Neves (soprano)
Pollione Antonio Nagore (tenor)
Adalgisa Amparo Navarro (soprano)
Oroveso Andrea Papi (bajo)
Clotilde Alicia Berri (mezzosoprano)
Flavio Javier Agulló (tenor)

Director de Orfeón Filarmónico Sergio Kullhman
Director de coro Eurolírica Juan Pablo de Juan
Director de escena Gustavo Tambascio
Director musical Pascual Osa

Sobre el espectáculo

Norma es la octava ópera de Bellini y está considerada su obra maestra. El compositor se inspiró en la obra teatral homónima del francés Alexandre Sourmet, sintiéndose fascinado por una protagonista que ofrecía grandes posibilidades dramáticas, a la manera de otras grandes heroínas operísticas. Para el libreto, Bellini trabajó con su colaborador habitual, Felice Romani. La ópera se completó en tres meses y se estrenó en la Scala de Milán, en 1831.

Norma, la suma sacerdotisa de los druidas, mantiene un idilio secreto con el romano Polión, al que ha dado dos hijos. Norma demora la rebelión de los galos contra los romanos por amor a él, y tiene esperanzas de paz. El amor de Polión hacia Norma se ha debilitado al crecer su interés por la joven sacerdotisa Adalgisa. Entonces Norma da la señal para la batalla. Polión debe ser sacrificado a los dioses como prenda de la victoria. Sin embargo, éste se mantiene fiel a su nuevo amor a pesar de la amenaza de muerte que pesa sobre él. Impresionada por este gesto, Norma se acusa a sí misma de traición. El amor de Polión hacia ella vuelve a renacer, y ambos suben juntos a la hoguera.

La Orquesta Filarmonía resurge gracias a la iniciativa de su director titular, Pascual Osa, y a un grupo de jóvenes profesionales con un gran potencial artístico. El entusiasmo de estos músicos por formar una orquesta compacta y de mucha calidad ha conseguido hacer música en un ambiente muy especial en el que la más beneficiada es la propia música.

El nombre de la Orquesta Filarmonía ya sonaba en la década de los 60, en la realización de grabaciones de zarzuela, como Los Gavilanes, La canción del olvido, Luisa Fernanda, Bohemios, etc., bajo la batuta de maestros de la talla de Rafael Frübeck de Burgos.

Actualmente, y desde el año 2000, está realizando la gran mayoría de las grabaciones del programa de TVE El Conciertazo, con Fernando Argenta. Gracias a la confianza depositada por el programa en la orquesta y en su director titular, queda garantizada la continuidad de su trabajo, lo que da cauce a una notoria personalidad propia.

La Orquesta Filarmonía ya ha actuado en diversos auditorios de prestigio, como son el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Teatro Monumental, el Auditorio de la Casa de Campo en Madrid y el Teatro Arriaga en Bilbao, dónde hizo una interpretación magistral del Réquiem de G. Verdi.

El Orfeón Filarmónico es una agrupación coral que nace en Madrid en septiembre del año 2000 con el objetivo de dar cauce a las inquietudes artísticas y musicales de un gran grupo de aficionados a la música coral, con larga experiencia en diversos coros de la comunidad de Madrid. De la mano del Maestro Pascual Osa, arranca su andadura con la ilusión de conseguir crear un estilo interpretativo de referencia en el ámbito de los coros aficionados de la comunidad madrileña.

Producto de una combinación de ilusión, esfuerzo, formación continua y espíritu de superación, el Orfeón Filarmónico ha logrado poner de relieve en diversos auditorios de prestigio (Auditorio Nacional de Música, Teatro Monumental, Iglesia de Los Jerónimos, Auditorio del Parque Juan Carlos I de Madrid, Teatro Peruano-Japonés de Lima (Perú), Basílica de San Pedro Regalado, en Aranda de Duero, etc.), un nivel de calidad musical y de técnica vocal poco habitual en otros coros aficionados de similar composición y raíces. La clave de esta prometedora trayectoria está en dos factores fundamentales: La elevada calidad artística de su director, su altísimo nivel de exigencia, la esforzada y constante labor educativa que llevan a cabo los profesores que componen su equipo docente y por último, aunque no menos importante, el gran esfuerzo y afición de todos los coristas que componen la agrupación.

Todos estos elementos han permitido que el Orfeón Filarmónico cuente ya en su repertorio con una notable colección de obras de alta exigencia músico-vocal tales como: Otello (Verdi), escenificado, Réquiem (Mozart), Carmina Burana (Orff), Réquiem (Fauré), La Creación (Haydn), Sinfonía nº 9 (Beethoven), Gloria (Vivaldi), fragmentos representativos de grandes zarzuelas y óperas y diversas obras de polifonía religiosa y profana.

El Coro de Cámara Eurolírica nace en la primavera de 2003 con el fin de aportar al mundo lírico un conjunto estable de jóvenes voces profesionales, que transmitan al público en general las mejores cualidades del canto coral, tanto en su versión polifónica como en su máximo exponente lírico: La ópera y la zarzuela.

Este coro constituye la evolución en el ámbito profesional del Orfeón Filarmónico, conjunto aficionado que durante muchos años ha demostrado su calidad artística en diversos auditorios de prestigio dentro de la geografía española, siempre acompañados por la Orquesta Filarmonía y bajo la batuta de Pascual Osa.

Su repertorio abarca desde la música sinfónico-coral: Sinfonía nº 9 de Beethoven, Carmina Burana, Réquiem de Fauré, Réquiem de Verdi, Réquiem de Mozart, hasta la zarzuela y ópera, de las cuales han interpretado la mayoría de los fragmentos corales más conocidos e, incluso, una ópera completa escenificada: Otello de Verdi. También incluyen en su repertorio las obras más conocidas de la polifonía religiosa.

Bajo las directrices de su director artístico, el Maestro Pascual Osa, el objetivo que persigue esta formación es consolidarse como sólido grupo vocal e interpretativo, con personalidad propia y con un altísimo nivel de calidad, referente artístico en el conjunto de este tipo de coros. Para ello disponemos de un elenco de jóvenes coristas profesionales que, ya curtidos en otros coros de renombre como el de la Comunidad de Madrid, y la mayoría procedentes de la Escuela Superior de Canto de Madrid, ponen su arte y conocimiento a disposición de este proyecto.

· ADALIL PRODUCCIONS
María de buenos aires
ópera
- España -
Música: Astor Piazzolla
Letra: Horacio Ferrer
Dirección de escena: JOSÉ CARLOS PLAZA
9 y 10 de agosto
Precio: 15, 20 y 25 euros

Ficha artística y técnica

María y la sombra de María Emilia Onrubia (soprano)
El duende Manuel Callau (actor)
La voz de un payador Alejandro Briglia (barítono)

Intérpretes secundarios Elisabet Agulló
Tanya Beyeler
Carmen López Martí
Verónica Mendoza
Christian Alladio
Guillermo Álvarez
Amador Artiga
Ricky Fábregas

Bailarines Rolan van Löor Jorge Crudo
Andrea Ardito
Silvia Bidegain

Músicos
bandoneón Luis Caruana
guitarra Carlos Jaramillo
piano Christian Antonio Esteve
flauta José Mª Sáez
violín I Rubén Alonso
violín II Josep Esteve
viola Eloise Pinon
cello Javier Salinas
contrabajo Valeriano Hernández
percusión I Ángel García
percusión II Miquel Mateu

Música Astor Piazzolla
Letra Horacio Ferrer

Diseño de escenografía Francisco Leal y Enrique Marty
Diseño de iluminación Francisco Leal
Compañía de danza Modus Vivendi (París)
Coreografía Rolan van Löor y Jorge Crudo
Diseño de vestuario Francis Montesinos
Construcción de escenografía Odeón Decorados
Fotografía Jordi Pla
Diseño gráfico Neurón creativo - Gus Turner
Video / audiovisuales Ideogamma (Rimini-Italia)

Dirección musical Andrés Juncos
Ayudante de dirección Miquel Viñoles
Dirección escénica José Carlos Plaza

Sobre el espectáculo

María de Buenos Aires, ópera del panorama musical de la 2ª mitad del siglo XX, narra la trágica caída y resurrección de María, mujer arrojada al mundo de la prostitución por las malas artes de un bandoneón que finalmente acaba con su vida. El tandem Piazzolla-Ferrer vierte en la composición una irrefrenable inclinación hacia lo arrabalero, un gusto por la marginalidad y el mundo del hampa propio del universo del tango, un aire surrealista evocador de imágenes, una dosis de psicoanálisis en términos circenses o un sentido de religiosidad que convierte a la protagonista en un nueva mujer redimida por el misterio de la maternidad.

Coproducción con el Auditori de Torrent (Valencia). Con el patrocinio del Instituto Valenciano de la Música.
Con la colaboración de: Caja de ahorros del Mediterráneo, Bautista Soler, Aerolíneas Argentinas, Hoteles Ad Hoc y F.H.C.

José Carlos Plaza
Nace en Madrid. Entre 1966 y 1975 dirige el TEI (Teatro Experimental Independiente). Más tarde forma parte del Teatro Estable Castellano y durante cinco años es, así mismo, director del Centro Dramático Nacional. Actualmente es director del Centro de Estudios Teatrales de Andalucía. Como profesional independiente ha dirigido entre muchas otras: Las bicicletas son para el verano, La casa de Bernarda Alba, El jardín de los cerezos, Una jornada particular o Divinas palabras . En el ámbito lírico ha dirigido óperas tan diversas como Orfeo y Eurídice, Macbeth, Il barbiere de Siviglia, Carmen o Woyzeck entre muchas otras.

Andrés Juncos
Nace en Córdoba (Argentina). Ha desarrollado una amplia actividad como organista, ha grabado en CD repertorios poco frecuentados y ha trabajado como maestro director en el Teatro Colón de Buenos Aires, en el Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela en Madrid y en el Festival de la Coruña. Colabora con importantes directores españoles como Jesús López Cobos, José de Eusebio, Miquel Ortega, Miguel Roda, Manuel Galduf, así como con directores de escena de la talla de Pier Luigi Pizza, José Carlos Plaza, Luis Olmos, etc.

Emilia Onrubia
Nace en Valencia, donde obtiene los títulos de Profesora Superior de Canto, Solfeo y teoría de la Música y Piano. Completa su formación en la Escuela Superior Reina Sofía de Madrid con Alfredo Kraus, además de trabajar con maestros como Francisco Lázaro, Ana Luisa Chova o Ángeles López Artiga. Debuta con el papel de la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart en el Auditori de Torrent. Ha obtenido diversos premios en concursos internacionales. En su faceta lírica ha interpretado papeles en Italia, Portugal y Austria, como Violetta de La Traviata, Condesa de Las bodas de Fígaro, Donna Anna en Don Giovanni o Mussetta en La Bohème entre otros.

Manuel Callau
Nacido en Argentina. Formado en Historia del Arte e Historia del Teatro con Raúl Serrano, con quien funda (entre otros profesionales) La Escuela de Teatro de Buenos Aires en el año 1979. Como actor ha sido distinguido con numerosos premios de teatro en Buenos Aires. Y ha participado en más de cincuenta montajes, con directores como Ferran Madico, Raúl Serrano, Carlos Weber, José Bove o Jaime Bogan entre otros.

· EIFMAN BALLET DE SAN PETERSBURGO
Giselle rouge
danza
- Rusia -
Música: Tchaikovsky, Alfred Schnitke y Georges Bizet
Coreografía, dirección e idea original: BORIS EIFMAN
12 y 13 de agosto
Precio: 12, 20 y 30 euros

Ficha artística

Música Tchaikovsky, Alfred Schnitke y
George Bizet
Escenografía y vestuario Viacheslav Okunev
Iluminación Boris Eifman
Dirección, coreografía e idea original Boris Eifman

Sobre el espectáculo
Giselle roja es un espectáculo dedicado a la memoria de Olga Spessivtseva, una de las grandes bailarinas rusas de principios del siglo XX. Su inolvidable interpretación de Giselle, cuyo destino se identificó con el suyo propio, llevó al director del Eifman Ballet de San Petersburgo, Boris Eifman, a inspirarse en el personaje para narrar su historia, una vida ligada a los acontecimientos de la revolución bolchevique en la antigua Petrograd. El destino le condujo, como un hilo rojo, a la gloria y a la autodestrucción. Artista única, adorada por los admiradores, por la crítica y por el mismísimo Diaghilev, se vio obligada a exiliarse en Nueva York, donde acabó su vida en un sanatorio psiquiátrico, en la más absoluta soledad y decepción personal y artística.

Eifman Ballet Theatre
Reconocida por la prensa como la mejor Compañía de Ballet de Rusia de hoy en día, el Eifman Ballet Theatre fue creado en 1977 por Boris Eifman, el coreógrafo más creativo del Kirov, en un deseo de independencia que se identificó dos años más tarde con el Centro Coreográfico puesto a su disposición por el Ayuntamiento de San Petersburgo, donde se forjan sus mejores creaciones (es la única compañía en Rusia que produce dos nuevas creaciones cada año), gracias al trabajo asiduo de los 50 bailarines que lo componen.

Desde 1990 la Compañía Eifman ha realizado giras por Alemania, Gran Bretaña, África del Sur, Polonia, Estados Unidos, Francia, España, Austria, Suiza, Holanda, y Japón. Tiene una presencia especialmente importante en el Bolshoi de Moscú, en el New York City Center y en el Teatro de los Campos Elíseos de París. Todas sus creaciones son presentadas en el New York City Center, donde ha sido elogiado repetidamente por la crítica.

JARDINES DE SABATINI

del 12 al 31 de julio - 22 horas

· CRISTINA BRANCO
Ulisses
- Portugal -
12 de julio

Formación:

Custódio Castelo (guitarra portuguesa), Alexandre Silva (guitarra española), Fernando Maia (bajo), Miguel Carvalhinho (guitarra clásica) y Ricardo Dias (piano)

Ulisses bien merece su nombre: evocador de viajes, aventuras, amor, encuentros y despedidas. El mito de Ulisses bien podría haber sido el origen de la saudade portuguesa, esta nostalgia fatalista marcada por la espera y ligada al mar y a sus vagas incertidumbres.

Hay un poco de todo esto en el Ulisses de Cristina y, en primer lugar, una invitación al viaje comenzando en la tierra y la cultura portuguesa. A través de Ulisses, Cristina Branco nos lleva a diferentes tierras, a diferentes lenguas: Iberoamérica y, más en concreto, a Argentina, con Alfonsina y el mar; al inglés con A case of you, de Joni Mitchell y al francés con la adaptación musical del famoso poema de Paul Eluard Liberté, por no hablar de Choro, tema inspirado en ritmos y colores africanos.

Nada hacía presagiar que Cristina Branco se convertiría en cantante de fado. Tras la huída de su abuelo durante la dictadura, Cristina fue educada en la aldea de Almerim, en la zona rural de Ribatejo, al norte de Lisboa, lejos de las casas tradicionales de fado del Barrio Alto de la capital lusitana. Y, al igual que los jóvenes portugueses de su generación, nacidos con la revolución de los claveles, ella prefería el jazz, el blues o la bossa nova a aquel canto tradicional.

Sin embargo, el gran impacto, el encuentro fundamental, ocurrió a los 18 años, cuando su abuelo le regaló un disco de canciones inéditas de Amalia Rodrigues. De repente descubrió la pasión y la emoción que habitan en esta música, así como los estrechos lazos que unen los poemas, las notas y el timbre de voz.

Y, poco a poco, esta joven estudiante de psicología y periodismo, cantante aficionada en sus horas libres, comenzó a tomar clases de perfeccionamiento vocal y dirigió sus pasos hacia una nueva vocación.

Fue en un club de Holanda donde Cristina hizo su debut. El éxito fue inmediato con Live in Holand, editado en esa época sólo en los Países Bajos, y más tarde en Francia. En 1999, su primer álbum Murmurios fue unánimemente aclamado por la crítica y recibió en Francia el "Choc de l'anée du Monde de la Music", en la categoría de Músicas del Mundo. En 2000, un segundo disco, Post-Scriptum, fue de nuevo galardonado con un "Choc du Monde de la Music".

Tras él, un tercero, O descubridor (dedicado al poeta holandés de principios del siglo XX, Jan Jacob Slauerhoff, quien conoció, amó y escribió sobre Portugal), se convirtió pronto en disco de platino en Holanda, confirmando así el prometedor y fulgurante comienzo de la joven fadista, tanto en disco como en directo.

Y es que su arte es también escénico. Con una presencia sobria y sensual que invade el auditorio, su voz toma literalmente posesión de la sala y basta verla, al final de los conciertos, dejar el micrófono y acercarse al borde del escenario para interpretar los últimos versos de una canción, para comprender el estrecho vínculo que ha sellado con el público.

El arte de Cristina Branco es indisociable al de Custódio Castelo. Intérprete de guitarra portuguesa, es también el compositor de la mayoría de los fados que ella canta. Su sentido de la melodía, la fineza de los lazos que teje entre el texto y la música, su aprehensión intuitiva del timbre de voz de Cristina, dan lugar a fados particularmente expresivos, a atmósferas contrastadas y apasionadas, o a la célebre saudade, esa tristeza fatalista heredada del pasado marinero del país, que sabe alternar con episodios llenos de alegría o de sutil ligereza, creando una atmósfera única e inédita.

2001 fue el año de su reconocimiento internacional. El lanzamiento de su álbum Corpo iluminado, llevó a Cristina a dar conciertos por toda Europa, a Brasil y a una gira de un mes por Estados Unidos y Canadá.

En 2003 Cristina presenta su quinto trabajo, Sensus, un álbum donde se hace más evidente su madurez vocal, su voz relajada, modulada, llena de matices y emoción.
· CARLOS DO CARMO
- Portugal -
13 de julio

Formación

Ricardo Rocha (guitarra portuguesa), Carlos Manuel Provensa (viola), José María Nóbrega (viola), Marino Freitas (bajo)

Carlos do Carmo cumple cuarenta años en escena y, tras varios "envites a su salud", divide su tiempo entre el descanso, sus aficiones y sus cada vez más escasas apariciones en público. Por ello, cada uno de sus espectáculos es un verdadero acontecimiento.

Este enamorado de la luz de Lisboa y el río Tajo es, sin duda, la máxima expresión del fado en la actualidad, el mayor conocedor y renovador de este género. Una referencia indiscutible del arte portugués, con su estilo personal e inconfundible de cantar fado, uniendo música y poesía, con la modulación y la manera de comportarse sobre el escenario que aprendió de Frank Sinatra y las influencias de la canción francesa de Jacques Brel y George Brassens o el Brasil de Chico Buarque y Milton Nascimento. Apostando firmemente por la unión de la música y la poesía y creando un estilo de cantar el fado personal e inconfundible.

Carlos do Carmo nació en Lisboa, hijo de Lucília do Carmo (una de las mayores fadistas del último siglo) y Alfredo de Almeida (entonces librero y después empresario de hostelería).

Desde pequeño tuvo gran interés por la música y gustaba de cantar las canciones en boga, desde las brasileñas a las de Frank Sinatra. Los estudios los realizó primero en Lisboa y después en Rosenberg (Suiza), donde se especializó en idiomas. Más tarde en Ginebra, terminó sus estudios de Hostelería y Comercio.

A esas alturas de su vida parecía estar lejos de sus horizontes una carrera artística, a pesar de que cantar continuaba siendo uno de sus grandes placeres y lo hacía siempre en reuniones de amigos y fiestas de colegios.

De vuelta a Lisboa ingresó en la actividad hostelera al lado de sus padres en la gerencia de la casa de fados que ellos habían fundado, introduciendo todos los conocimientos adquiridos en Suiza, de modo que terminó convirtiéndose en la mejor casa de fados de Lisboa.
Pero el cantor estaba siempre presente, y tras haber grabado con el conjunto de Mario Simoes, y a petición de éste, Loucura, un fado del repertorio de su madre, la suerte estaba echada y fue tal el éxito de esta experiencia que no era posible dejar por más tiempo lo que al fin y al cabo era su gran vocación. Rápidamente surgió la oportunidad de grabar su primer disco y, en 1964, cantó Estranha Forma de Vida. Era una manera diferente de cantar donde se vislumbraba un estilo personal inconfundible; era el paso al frente necesario para la evolución del fado: era la certeza de que nacía un gran intérprete.

Por morrer uma Andorinha, Gaivota, Bariio alto, Vim para o fado, Nao se morre de sedades, Duas légrimas de orvalho, Canoas do tejo, Andorinhas, O nosso amor é livre, Lisboa manina e moça, Un homem na cidade, Os putos, Fado dos cheirinhos, Raís, Ao vivo no Olimpia de París, O que sobreu de um queixume, Un homem no París y Ao vivo na Opera de Frankfur. Año tras año, un disco un éxito y muchas canciones popularizadas. Y además canta otras canciones, no solo fados, que se adaptan a su gusto y manera de sentir, recriando y reforzando éxitos como: Pedra filosofal, Menino D´Oir, Cançao de madrugar, Ferro velho, etc.

Ha cantado en casi todos los países de Europa y en muchos de otros continentes: México, Brasil, Venezuela, Canadá, Estados Unidos, Angola, Mozambique, Hong-Kong, Australia, etc.

Ha sido invitado especial de Elis Regin, Roberto Carlos y Maysa Matarazzo, y ha actuado junto a Chico Buarque, Milton Nascimento, Dorival Caymi, Ivan Lins y otros grandes nombres de la música popular.

· LA CHICANA
- Argentina -
14 de julio

Formación

Dolores Solá (voz principal), Acho Estol (Guitarra, arreglos-dirección, coros), Diego Malaguarnera (violín), Javier Sánchez (bandoneón), Pol Neiman (percusión), Manuel Onís (bajo)

La Chicana revive el espíritu del tango arrabalero, el que se creó cuando al puerto de Buenos Aires llegaban inmigrantes para encontrar un nuevo hogar. El contenido y las formas pueden haber cambiado en el siglo XXI; los personajes y los temas que La Chicana crea en sus historias siguen girando alrededor del eterno volver, del desengaño, de la decadencia y el fracaso, del eterno amor, de las parejas imposibles, de la nostalgia.

La Chicana crea un novedoso sonido tanguero: lejos de las grandes orquestas, es un quinteto acústico con selectos invitados, más al estilo de una banda de rock que de una orquesta típica. Su instrumentación denota el trasfondo "étnico" que está en los orígenes de esta música, que caracteriza como ninguna otra a Buenos Aires, un crisol de culturas italianas, polacas, españolas, alemanas o africanas.

El grupo La Chicana fue fundado a fines de 1995 por Dolores Solá, Acho Estol y Juan Valverde con la intención de interpretar música de tango destacando su espíritu transgresor. El grupo mostró desde sus comienzos una especial predilección por los ritmos canyengues y el melodrama irónico de los comienzos del tango; elementos tan perdidos en posteriores estilos comúnmente aceptados como más serios.

Creen firmemente que la esencia del tango se encuentra en el espíritu de rebelión y espontaneidad de las primeras décadas del siglo, lo cual lo aproxima en concepto más al rock actual que a las formas orquestales o jazzeras -académicas en suma- que lo popularizaron en el mundo desde la década de los ´40. Pero no carecen de sutileza o precisión; son sólidos músicos que disfrutan la frescura de la improvisación sin renegar del estudio. Quieren demostrar que el tango puede florecer como música popular y joven en las calles mientras continúa deslumbrando desde los grandes escenarios de todo el mundo.

La Chicana se ha presentado -con una formación variable y en aumento- en diversos locales tradicionales, milongas y escenarios de Buenos Aires y el mundo, depurando la difícil tarea de combinar técnica con pasión; humor con drama. Su primera grabación independiente, Ayer hoy era mañana, incluye -amén de temas propios- instrumentales de la "guardia vieja", clásicos de la década de los años 20 y algunas bien elegidas gemas -ausentes en los repertorios de hoy en día- que rescatan con sorprendente actualidad.

Durante numerosas giras por el mundo tocando en los rincones más dispares (España, Alemania, Brasil, Canadá, Inglaterra, Senegal y China) fueron incorporando a su música elementos de las culturas afines al tango. Vemos en su segundo disco Un giro extraño una profundización cabal de los conceptos del primero: tango con arreglos de depuración camarística, más cantidad de temas propios, investigación rítmica en las milongas africanas y brasileñas y atinadas visitas al folklore argentino no-tanguero.

Antonio J. Polito

· 34 PUÑALADAS
Orquesta de cuerdas tensadas y cantor
- Argentina -
16 de julio

Formación

Augusto Macri (guitarra), Edgardo González (guitarra), Juan Lorenzo (guitarra), Hernán Reinaudo (guitarrón) y Alejandro Guyot (voz)

34 Puñaladas centra su atención en tangos lunfardos, reos y carcelarios de los años 20 y 30, para recorrer con tono introspectivo esa zona oscura y olvidada del género. De esta manera, exhuma un repertorio "políticamente incorrecto" en el que abundan historias sobre droga, "mujeres de avería", robos, amores contrariados y violencia.

La temática de estas poesías y la forma de abordar los arreglos constituyen el concepto artístico del grupo. El discurso musical, se desarrolla con un criterio orquestal que permite que los músicos asuman distintos roles según el momento de la obra y establezcan una lograda interacción con el cantor.

34 Puñaladas no pretende hacer una reconstrucción de época, sino destacar la vigencia que por similitudes entre ambos contextos sociales, conservan estos tangos, a través de interpretaciones que tienen un contenido artístico actual.

El repertorio se compone de obras cantadas (La gayola, Audacia, Quien más quien menos, etc.), instrumentales (Milonguero viejo, A Orlando Goñi, Milonga triste, etc.) y recitados de poesía lunfarda.

Debutó en 1998 en Babilonia y desde entonces realizó presentaciones en distintos ámbitos de la ciudad de Buenos Aires, participó en las últimas cuatro ediciones del Festival Internacional de Tango de Buenos Aires y en la edición del Festival Guitarras del Mundo del mes de septiembre de 2002.

En 2002 editaron su primer disco titulado Tangos carcelarios. Fue presentado en el Teatro Alvear de Buenos Aires durante el mes de junio del mismo año y a fines de 2002 ganaron el Premio Clarín en el Rubro Tango Revelación, al tiempo que el diario La Nación los eligió como el grupo revelación de tango del año 2002.

Durante el año 2003 realizaron ciclos de shows en el Club del Vino, Porteño y Bailarín, Foro Gandhi y en el Centro Cultural de la Cooperación, donde los acompañó como invitado el guitarrista Colacho Brizuela. También participaron del Estudio Abierto Harrods, actividad sobre arte de vanguardia organizada por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. A mediados de año se presentaron en la Sala Elina Alba de la ciudad de Mendoza, dentro del ciclo Tango y Jazz organizado por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Mendoza.

El 19 de agosto de este año presentaron oficialmente, en el Teatro Alvear, su primer video clip del tema Amablemente (I. Díez / E. Rivero). Para finalizar el año 2003 se presentaron en el Centro Cultural Torcuato Tasso.

A comienzos de 2004 integraron la programación del Festival Verano Porteño organizado por la Ciudad Cultural KONEX y la del Festival Internacional de Tango de Buenos Aires.

Durante el mes de julio participaron de la sección Momentos preciados del Festival Les Suds à Arles en Francia.

Actualmente se encuentran grabando el EP Argot y el segundo CD del grupo titulado provisoriamente Slang, que será editado en el mes de octubre próximo. Al mismo tiempo el grupo inicia su gira nacional que los llevará a las ciudades de Godoy Cruz, Mendoza, Rosario, Bahía Blanca, Trelew, Rawson y Puerto Madryn en su primer etapa.

En el mes de septiembre participarán en el Mercat de Música de Vic en Catalunya, luego en la Feria del Libro de Frankfurt y se presentarán en varias ciudades alemanas. Recorrerán España, Francia, Alemania, Eslovenia e Italia durante 40 días.

· L'HAM DE FOC
Cor de porc
- España (Valencia) -
18 de julio

Formación

Mar Aranda (voz, trompa marina, tanpura), Efrén López (ud, baglama, rabab, santur, langeleik, viola de roda), Constantino López (cittern, laud del renaciemiento, mandola), Juan Manuel Rubio (arpa gótica, santur, viola, baglama, viola de roda), Eduard Navarro (dulzaina, xirimia, baghèt, moraharpa, mandolina), Hristos Barbas (ney, kaval y flautas del renacimiento), Diego López (bendir, riq, darbuka, daf, davul, redoblante, tombak), Osvaldo Jorge (tabla, kanjira, packawj, bendir y gatam)

Grupo único dentro del panorama del nuevo folk. Aires mediterráneos se funden con la música oriental y antigua, instrumentos de todas las edades y culturas de la Humanidad adquieren un nuevo significado en esta producción del grupo valenciano. La magia de la voz de Mara Aranda y la singular creatividad de Efrén López vuelven a crear ambientes de otro mundo que se materializan en éste sirviéndose de los recursos más característicos de las músicas de las que se nutren: los omnipresentes bordones (didjeridoo, trompa marina, tampura, zanfona, gaitas...) sobre los que descansan las melodías y que nos sugieren la idea del eterno retorno, el círculo sin principio ni fin; los ritmos rotos, no importa de donde vengan (Balcanes, Oriente Medio, Mar Negro...) que obligan a una danza que nos sitúa en la onda de lo entrecortado, lo inestable, lo menos previsible...

Cor de porc es el tercer disco de L'Ham de Foc, básicamente la continuación del trabajo iniciado en los dos anteriores: U y Cançó de dona i home .

En Cor de porc nos encontramos doce canciones con referencias al Cant d'estil de Valencia; palos tradicionales peninsulares como la jota y la utilización de algunos de sus elementos de percusión más arcaicos y populares: las cucharas, las cazuelas o una sencilla mesa de madera con el que toca un ritmo básico Vanesa Muela; percusiones más refinadas originarias de la música india, como la tabla, la kanjira o el ghatam, que aporta el nuevo miembro de la banda, el panameño Osvaldo Jorge, así como el tomback, con el que dialogan el músico iraní Masur y Diego López, componente del grupo.

Los músicos invitados en este disco han contribuido a bordar Cor de porc, músicos que no aparecen nunca en la prensa, como aquellos con quienes Mara y Efrén han colaborado en su estancia en Salónica (Grecia): Hristos Barbas con el ney y el kaval, que afortunadamente estará en la gira de presentación del disco con el grupo; Pantelis Paylidis con la lira del Mar Negro y Nikos Tzamis, con la lira de Creta yde Constantinopla. Además, otro amigo de Grecia, el alemán Ralf Eickemeier, está presente con la lira y el Rebec, y los catalanes Josep María Ribelles y Maria Lafitte, una de las voces con más personalidad de la música medieval europea y una de las grandes influencias de L'Ham de Foc con su disco Trobadors.

Cor de porc es un trabajo meditado, con más de cuarenta horas de tomas musicales, ritmos, mezclas, melodías… trabajadas entre Valencia y Salónica, se hizo la selección de estos doce temas. Como siempre, con una selección minuciosa de los instrumentos que iban a vestir el disco, y de las melodías y variantes rítmicas, para hacer los temas atractivos y emotivos.

Cor de porc sugiere la idea de las eternas idas y venidas, con el desaliento como compañero de viaje y la imperfección que por naturaleza nos hace existir, como un porc (puerco) tratando de arrancar unas notas a un arpa, en comparación al ideal de perfección que tenemos. Por mucho que el hombre progrese, estudie o investigue y malgaste sus horas de sueño en la locura de existir, no dejará de ser más que eso: un "porc" solitario con una insatisfacción eterna.

· MACLOMA
clown
- Francia -
20, 21, 22 y 23 de julio

Ficha artística
Intérpretes Alain Cantonné
Guy Pannequin
Philippe Azoulay

Luces Jean Pierre Chupin
Regidor Antoine Leblan
Colaboración artística Bernard Bénech

La historia empieza hace más de treinta años en la Universidad de Vincennes en París, donde se conocieron los payasos Macloma. Estudiaron teatro y artes plásticas y se apasionaron por el clown. Les gustaban los espectáculos épicos, las burlas americanas, el melodrama y los dibujos animados, las marionetas y todas las formas de teatro popular.

Cuando empiezan a crear sketchs de payasos, su encuentro con Dario Fo en Italia fue decisivo. Les anima en su camino demostrándoles su admiración y confianza. Durante 10 años recorren con sus espectáculos Francia e Italia primero, y, después, Europa entera.

Aparecen en los festivales internacionales, los teatros y plazas alternativas: Cartoucherie de Vincennes en París, Palatzina Liberty de Milán, Meltweg en Amsterdam, Tampodrom en Berlín, Holland Festival Festival de Nancy, Sigma de Bordeaux, Fools Festival…

Sus espectáculos: Les Clowns, Herozero, Délimero, Darling-Darling, se basan en sketchs donde los componentes de Macloma interpretan personajes, saltimbanquis, travestis, pantomimas, ballets, números de magia, acrobacias, y números musicales. Los payasos se cambian constantemente de vestuario y maquillaje. Delante de una cortina negra, hacen un teatro de tablas donde el objeto, el accesorio, el transformismo, el juego corporal y las muecas son reyes. Es la comedia de clown.

En 1982 con la ayuda del Ministerio de Cultura Francés restauran el Théâtre Déjazet en París. Estarán dos temporadas a su cabeza. Crearán dos espectáculos: Varieta y QQQ. Paralelamente, continúan recorriendo el mundo y hacen dos giras por Asia (Japón y Corea) y Estados Unidos. Experiencias individuales dan vida a otros espectáculos: La Repasseuse, Fast & Food au Théâtre, Oscar Clap y Imbroglio.

Alain Cantonné, Guy Pannequin, Philippe Azoulay se reencuentran en 1990 y crean Tríoo que reanuda la tradición de la comedia clownesca. Este espectáculo recorre de nuevo el mundo, con más de 400 representaciones. Algunos de sus sketchs forman parte de los "clásicos" de Macloma y aún están en su repertorio.

En 1994 crean en el Théâtre du Rond Point de París, "On mourrira jamais" basado en una pieza de Matei Visneck.

En 1996 el Cirque du Soleil les pide que creen números de payasos para su nuevo espectáculo Quidam. Con Quidam actúan por primera vez en un circo. Más de 1500 representaciones en América del Norte, Japón y Europa. La aventura dura desde hace 8 años. Hasta que el pasado año recuperan las ganas de volver a su repertorio y crear nuevos números.

Macloma por Darío Fo

Tuve la suerte de trabajar con payasos de verdad. Macloma son payasos de verdad, es decir aquellos que conocen el ritmo de una caída, el movimiento brusco de la cabeza después de una parada, que saben dar y recibir una patada, con arte, hacer suspirar todo el cuerpo desde las rodillas. Llorar con los pies cuando andan, ser terriblemente alegres, felices del todo, y hacerlo comprender fácilmente mirando al cielo.

El payaso de verdad sabe que sólo con su mirada nos hace imaginar pájaros volando, otros picoteando y después unas nubes, el viento, el sol. El payaso de verdad representa obscenidades sin que ningún niño note nada escandaloso. El payaso de verdad aparece en calzoncillos, se excita, se masturba como quién tocaría el clavicordio: todo es limpio, purificado por lo grotesco y la sátira.

Macloma, que tuve la oportunidad de ver en la Palazzina Liberty de Milán, son exactamente esto. Entendámonos: no son poetas finos. Saben tener agresividad hasta la dulzura, tienen una violencia de azúcar y una truculencia de miel, y siempre denuncian explícitamente el mundo obtuso, trivial, obsceno, sin cultura, que nos hace tragar la sociedad en la que vivimos, multinacional, multicapitalista, multiconsumista, multimilitar, multimasculina, autodestructiva.
La risa sarcástica de Macloma es realmente saludable: es confianza, amarga, dolorosa, pero confianza al fin y al cabo. Su arte, es un arte "con clase", hacen política, toman partido, pero sin hacer un discurso electoral, sin utilizar la fórmula de sus grandes predecesores. En esto también, tengo que decirlo, demuestran una gran confianza, "confianza en la inteligencia, en la imaginación de la gente, en todos" (de todos esos que nos interesan, y que son numerosos). Y esto es lo que es realmente revolucionario.

Dario Fo

¨ NOCHES LÍRICAS DE SABATINI
¡Una travesura lírica!
zarzuela y género chico
- España (Madrid) -
del 25 al 29 de julio

Programa
I.
Prólogo orquestal Música: Julio César (original)

Escena 1 Rap de los retóricos Hachker Música: Julio César (original)
Letra: Ana Gómez y Carlos Durán

Escena 2 La Revoltosa (obertura) Música: R. Chapí
Libreto: J. López Silva y Carlos Fdez. Shaw
Arreglo libre: Julio César

Escena 3 El pobre Valbuena Música:T. L.Torregrosa y Q. Valverde
Pasacalles, vendedor, peinadoras Libreto: Carlos Arniches y E. G. Álvarez

Escena 4 El Bateo (fotógrafo) Música: F. Chueca
Seguirillas Libreto: A. Paso y A.Domínguez
Coplas de Wamba
Solista, coro y ballet

Escena 5 La del manojo de rosas Música: P. Sorozábal
Dúo de tenor y barítono Libreto: F. Ramos de Castro y
A. Cuadrado

Escena 6 La chulapona Música: F. Moreno Torroba
Schotiss Libreto: F. Romero y G. Fdez. Shaw

Escena 7 Las Leandras Música: F. Alonso
Dúo Aurelia y Paco Libreto: E. del Castillo y J. Muñoz Román
Dile a Gomoso

Escena 8 Agua, azucarillos y aguardiente Música: F. Chueca
Pasacalles Libreto: M. Ramos Carrión

Escena 9 La Chulapona Música: F. Moreno Torroba
Romanza de tenor Noche.... Libreto: F. Romero y G. Fdez. Shaw

Escena 10 El águila de fuego Música: F. López
Fox Pim, pam, pum... Libreto: A. Rigel y J. Ramos de Castro
Cha cha cha de la risa Arreglo libre: Julio César
Dúo Seré feliz
¡Viva Madrid!

II.
Escena 11 Orquestal Música: Julio César (original)

Escena 12 Alma de Dios Música: J. Serrano
Romanza de tenor Canta mendigo Libreto: C. Arniches y E. García Álvarez

Escena 13 La leyenda del beso Música: R. Soutullo y J. Vert
Caminar sin fin Letra: E. Reoyo, J. Silva y A. Paso

Escena 13 Romanza de soprano Mi canción
Dúo tenor y barítono
Preludio y danza
Zambra y Concertante

Escena 14 La Calesera Música: F. Alonso
Puente musical Libreto: E. García del Castillo y J. Muñoz
Romanza de barítono
No has de temer por mí
Concertante
Coro de esclavos

Escena 15 El dúo de la Africana Música: Fdez. Caballero
Monólogo de Querubín Libreto: Miguel Echegaray
Entrada de coro y romanza de soprano y tenor
Coro de la murmuración

Escena 16 El rey que rabió Música: R. Chapí
Romanza de soprano Yo que... Letra: Vital Aza y Ramos Carrión

Escena 17 El conde de Luxemburgo Música: Franz Lehar
Pasacalles de los celos Libreto: A. M. Wildner, R. Bodanzky y L. Stein

Escena 18 La Viuda alegre Música: Franz Lehar
Septimino Libro: V. Léon y L. Stein
Arreglo libre: Julio César
Vals del conde No digas esas..
Vals del conde Los besos
Vals de la viuda

Escena Final Coplas de Ronda, Septimino, Can Can ¡Viva Madrid!

Ficha artística

Sopranos Aquemi Alfonso
María José Santos
Sonia Sánchez
Liesel Fernández
Silvia Vázquez
Arancha Escenarro
Rosa Gutiérrez

Mezzosopranos Julia Arellano
María Jesús Comerón
Virginia Carmona
Aurora Frías
Carmen Márquez
Tenores Javier Alonso
J. Alberto García
Adolfo Nieto
Javier Ferrer
Francisco Sánchez
José M. Santos

Barítonos Jorge Páez
Enrique Sánchez
Kike Bustos
Francisco Rivero
Humberto Rospigliosi

Escenografía Pablo Gago
Producción Ejecutiva Alonso Resalt
Coreografía Ana Gómez
Idea original y dirección Carlos Durán

El espectáculo se completa con una orquesta de cámara (14 profesores) y una formación de ballet (ocho bailarines).

Sobre el espectáculo
Este espectáculo introduce una nueva concepción de la lírica convencional, modernizando el lenguaje musical y escénico de las obras que se desarrollarán sobre el escenario de los Jardines de Sabatini. Será un espectáculo que, a modo de paseo virtual, recorrerá la historia de la lírica, con incursiones en la revista y la opereta.

Las Noches líricas de Sabatini incorpora, además, un desarrollo audiovisual con proyecciones de pequeño formato, en soportes móviles de diferentes estructuras y materiales, a los que se añaden distintos elementos escénicos, que situarán al espectador en los diversos ambientes de cada fragmento. Por último, las piezas elegidas serán interpretadas por jóvenes e importantes solistas del panorama lírico actual para aportar al espectáculo el componente coral que requiere.

· JAVIER RUIBAL
música
- España (Andalucía) -
30 de julio

Formación

Javier Ruibal (guitarra y voz),Tito Alcedo (guitarra), Víctor Merlo (contrabajo), Javi Ruibal (percusión), Federico Lechner (piano y teclados)

Javier Ruibal (Puerto de Santa María, 1955), es compositor, guitarrista, cantante, autor de sus textos, así como arreglista de sus creaciones. Considerando que Cádiz es un lugar de confluencias muy especiales, puerta del Mediterráneo, frontera entre Europa y África y puerto principal entre España y América Latina, Javier proviene por tanto de un lugar donde la historia ha dejado un legado cultural muy rico y variado.

Partiendo de estas premisas compone una música que rinde culto a todas las sonoridades tradicionales flamenco, música sefardí, música magrebí- y a la vez se nutre de otras formas actuales- el jazz, el rock, etc.

Su intención es encontrar una música viva, nueva y actual donde confluyan todas esas influencias. Una música aromática y exótica donde las pasiones amorosas se relatan de una manera exuberante y arrebatada. En sus textos se nota una clara vinculación con la poesía española, la Generación del 27 y otros poetas más recientes.

Ejerce como profesional desde 1978 dando numerosos conciertos tanto en España como en otros países. Por la peculiaridad de su creación y sus formas plurales, es invitado a dar conciertos de diferente orientación, festivales de jazz, de world music. Ha compuesto para otros artistas como Martirio, Ana Belén, Javier Krahe, Mónica Molina o Pasión Vega. Ha cantado en diversas grabaciones de Pablo Milanés, J. Sabina, Celtas Cortos, Martirio o Carmen París, entre otros.

¨ EDITH SALAZAR
Bolero… cartas de amor y desamor
- Venezuela -
31 de julio

Ficha Artística

Edith Salazar (voz y piano), Gladston Galiza (guitarra), José Vicente Muñoz (contrabajo), Manuel Machado (trompeta), Rodney D'assis(percusión)

Maquillaje Gregorio Ros
Peluquería Fabian Nino
Diseño de vestuario Roger Álvarez y Piero Falla
Diseño de iluminación Carlos Bessia
Audiovisual Javier Herrero
Dirección musical Edith Salazar
Bolero... cartas de amor y desamor es un espectáculo músico teatral en torno a un género musical que ha estado presente en las vidas de varias generaciones. Dieciséis boleros clásicos y actuales interpretados por la cantante y pianista venezolana Edith Salazar quien ha buscado la fusión de diversos géneros musicales y teatrales.

El hilo conductor del espectáculo son seis cartas de amor y desamor escritas por Espido Freire para este proyecto y que se presentan al espectador a través de las voces de Lucía Bosé, Terele Pávez, Loles León, Antonia San Juan, Mariola Fuentes y María Esteve. Estas cartas son escenificadas a través de la danza por una bailarina.

El carácter teatral de las cartas se acompaña con un montaje audiovisual creado por el artista plástico y fotógrafo Javier Herrero y un making off realizado por Bertoldo Gil León y Jaime Barnatán.

En el espectáculo se estrenan dos boleros inéditos de Carlos Berlanga: Al límite de ti y El aire duele, compuestos para Edith Salazar.

Bolero... cartas de amor y desamor recoge boleros tan conocidos como Contigo aprendí, Teatro, Cómo fue, La puerta, Sin ti o Bésame mucho, inmortalizados por artistas como: Agustín Lara, La Lupe, Olga Guillot, Toña La Negra o Los Panchos, entre otros.

Con un vestuario particular, sensualidad y carácter, Edith Salazar sale al escenario, y los boleros, suyos y de siempre, adquieren una nueva forma debido, entre otras cosas, a su interpretación, a la escenificación de su personaje, y a la especificidad de una nueva forma, el bolero-fusión.

Bolero... cartas de amor y desamor ha sido estrenado con gran éxito en el Teatro Infanta Isabel de Madrid, el 20 de enero de 2004. Ha realizado temporada en Barcelona, en el Teatro Principal en mayo de 2004.

Edith Salazar tiene un amplio currículum en España, habiendo tocado y grabado con infinidad de artistas como Miguel Bosé, Alaska, Cabaret Pop, Tam Tam Go! y Rafael Amargo entre otros, para este último ha compuesto y dirigido la música del espectáculo Poeta en Nueva York, realizado la dirección musical de El amor brujo y compuesto música para su último espectáculo.

PLAZA MAYOR
15 de julio - 22 horas

· ORQUESTA Y CORO DE LA STAATSKAPELLE BERLIN
Novena sinfonía
Sinfonía nº 9 en Re menor, op. 125, "Coral"
de Ludwig van Beethoven (1770-1827)
- Alemania y Argentina -
Director: DANIEL BARENBOIM
acceso libre hasta completar aforo

La Staatskapelle Berlin, la más antigua de la ciudad, y una de las de más rica tradición en Alemania, fue fundada por el príncipe Elector, Joaquín II de Brandemburgo, como Orquesta de la Corte. Se menciona por vez primera en la Ordenanza de Orquestas de 1570. Por el hecho de ser la orquesta de la dinastía de los Brandemburgo y por los obligados servicios musicales a la Corte, desarrolló una enorme actividad, aumentada con la fundación de la Ópera de la Corte Real, en 1742, por parte de Federico el Grande. Desde entonces, se halla muy vinculada a la Ópera "Unter den Linden".

A partir de mediados del siglo XVIII, los componentes de la Orquesta de la Corte influyeron poderosamente en la vida concertística y operística de Berlín. Con Johann Friedrich Reichardt, se interpretaron los primeros "conciertos espirituales", en 1783-1784. Gracias a esta labor, se formó un extenso y creciente movimiento de actuaciones, que desembocó en la creación, en 1842, de conciertos regulares de abono, que pasarían a denominarse "Veladas sinfónicas". Al mismo tiempo, surgió una nueva estructura de programación de los conciertos sinfónicos, tal y como se acostumbra a hacer hoy en día, concentrándose en la interpretación de obras más importantes desde el punto de vista musical.

Destacadas personalidades de la música dirigieron las actividades operísticas, así como las series de conciertos de abono de la Orquesta. Gasparo Spontini fue el primero en ostentar el título de director general de música prusiano. Entre los siguientes directores, cabe mencionar a Felix Mendelssohn-Bartholdy y Giacomo Meyerbeer. En la primera mitad del siglo XX, los más grandes músicos de su tiempo influyeron en la cultura instrumental e interpretativa de la Orquesta, entre ellos, Felix von Weingartner, Karl Muck, Richard Strauss, Leo Blech, Max von Schillings, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber, Otto Klemperer, así como Clemens Krauss y Herbert von Karajan. Después de la Segunda Guerra Mundial, dirigieron la Staatskapelle Berlin Joseph Keilberth, Franz Konwitschny, Lovro von Matacic, Horst Stein y Otmar Suitner, en su doble faceta de Orquesta de Ópera y de Orquesta Sinfónica.

En 1992, Daniel Barenboim asumió el puesto de director artístico y director musical general. Bajo su dirección, - a pesar de las difíciles condiciones en tiempos de la República Democrática Alemana- ha ofrecido gran cantidad de actuaciones en el extranjero y ha consolidado su renombre internacional (Festival Bruckner de Linz, en 1992; Festival Internacional de Lucerna, en 1994). Recientes grabaciones, entre las que figuran la Novena Sinfonía de Beethoven; Die Brautwahl, de Busoni; Wozzeck, de Berg y Electra, de Strauss (febrero de 1995), enriquecen la amplia discografía de años anteriores, proyectándose numerosos trabajos para el futuro.

En una temporada de 10 meses cada año, la Staatskapelle Berlin ofrece alrededor de 200 representaciones de ópera y ballet, así como un gran número de conciertos sinfónicos. Al mismo tiempo, en diferentes formaciones, celebran cada año unos veinte conciertos de música de cámara, que ponen de manifiesto un muy completo repertorio y el dominio de un amplio espectro estilístico, así como las cualidades de los músicos como solistas. Además de estos pequeños conjuntos de música de cámara, algunos miembros de la Staatskapelle Berlin forman parte de la Orquesta de Cámara Carl Philipp Emanuel Bach, cuyo director es H. Haenchen.

En 1995, la Orquesta alemana no sólo pudo vivir 425 años de logros a lo largo de su historia, sino también emprender nuevos objetivos: tras las dos semanas de actuación como invitada de la Ópera Estatal en el Théâtre du Châtelet de Paris (Beethoven: Fidelio, Novena Sinfonía, Conciertos para piano), la Staatskapelle Berlin fue invitada por vez primera al Festival de Salzburgo, ofreciendo la ópera Lulu, de Alban Berg, dirigida por Michael Gielen, y el concierto oficial del 75 aniversario del Festival, bajo la dirección de Daniel Barenboim y con la colaboración de los solistas Waltraud Meier, Plácido Domingo y Matti Salminen. A continuación, realizó una gira por Israel y, más tarde, por Sudamérica.

En 1996, la Staatskapelle y la Staatsoper Berlin fueron invitadas para actuar nuevamente en el Théâtre du Châtelet, y la Staatskapelle ofreció un concierto en el Rheingau Music Festival de Wiesbaden, dirigido por Carlo Maria Giulini.

En abril de 1997, además de cuatro representaciones de Lohengrin y dos conciertos en París, la Staatskapelle ofreció dos conciertos en Madrid. En septiembre, realizó una gira con Daniel Barenboim por varios países europeos, a la que siguió una visita a Japón, en noviembre, donde interpretó un ciclo completo de sinfonías y conciertos para piano de Beethoven, con Daniel Barenboim como director y solista, así como varias representaciones operísticas de la Staatsoper.

En mayo de 1998, la Staatskapelle y Daniel Barenboim presentaron su ciclo Beethoven en Londres y ofrecieron conciertos y representaciones de Wozzeck en París, con la Staatsoper.

En 2000, presentaron el ciclo Beethoven en Berlín, Viena y Nueva York, y dieron un concierto en Chicago. En junio del mismo año, la Staatsoper fue invitada para una temporada de ópera y conciertos en Madrid, invitación que se repitió en junio de 2001, seguida, en julio, de tres conciertos en Jerusalén.

La temporada 2001/2002 incluyó una gira por Japón y otra temporada de actuaciones en Madrid.

Daniel Barenboim nació en Buenos Aires en 1942. Hijo de padres de ascendencia judío-rusa, recibió sus primeras clases de piano de su madre, a la edad de cinco años, continuando sus estudios con su padre, que fue su único profesor de piano hasta el comienzo de su carrera profesional. En agosto de 1950, con tan sólo siete años, ofreció su primer concierto público en Buenos Aires. En 1952, la familia Barenboim se trasladó a Israel. Dos años más tarde, en el verano de 1954, participó en las clases de dirección de Igor Markevich, en Salzburgo. Fue entonces cuando conoció a Wilhelm Furtwängler y tocó para él, quien, tras haberle escuchado, escribió: "Daniel Barenboim es un fenómeno...". En 1955, estudió armonía y composición con Nadia Boulanger, en París.

Hizo su debut como pianista en Viena y Roma, en 1952; en París, en 1955; en Londres, en 1956 y en Nueva York, en 1956, bajo la dirección de Leopold Stokowski. Desde entonces, ha realizado con regularidad giras por Europa, Estados Unidos, Sudamérica, Australia y Oriente.

En 1954, grabó su primer disco, y pronto comenzó con las más importantes obras del repertorio para piano, incluyendo ciclos completos de las Sonatas para piano de Mozart y Beethoven, Conciertos de Mozart (actuando como director y pianista), Conciertos de Beethoven (con Otto Klemperer), Brahms (con Sir John Barbirolli) y Bartók (con Pierre Boulez). Durante este período, comenzó a dedicar más tiempo a la dirección. A partir de 1965, se desarrolló una estrecha relación entre Daniel Barenboim y la English Chamber Orchestra, que duró más de una década, durante la cual ofrecieron conciertos en Inglaterra, así como giras por Europa, Estados Unidos, Japón, Australia y Nueva Zelanda.

Tras su debut como director al frente de la Philharmonia Orchestra de Londres, en 1967, empezó a ser solicitado por las principales orquestas europeas y americanas. Entre 1975 y 1989, fue Director Titular de la Orchestre de Paris, destacando su interés por la música contemporánea, con interpretaciones de obras de Lutoslawski, Berio, Boulez, Henze, Dutilleux, Takemitsu y otros autores.
Daniel Barenboim debutó como director de ópera en el Festival de Edimburgo de 1973, con Don Giovanni de Mozart. En 1981, dirigió por primera vez en el Festival de Bayreuth, del que fue un invitado habitual durante dieciocho años (hasta 1999), ofreciendo producciones de Tristán e Isolda, El Anillo, Parsifal y Los Maestros Cantores.

En 1999, Daniel Barenboim y Edward Said, escritor palestino, intelectual y profesor de literatura comparada, fallecido en septiembre de 2003, fundaron el "West-Eastern Divan Workshop", que cada verano invita jóvenes de Israel y Oriente Medio a trabajar y hacer música juntos, formando una orquesta. Los dos primeros años se celebró en Weimar, el año siguiente en Chicago y, actualmente tiene su sede en Sevilla. En agosto de 2003, la orquesta actuó por primera vez en un país árabe, en la ciudad de Rabat, por invitación personal del Rey Mohammed VI de Marruecos. Este taller no pretende expresar ninguna declaración política, sino sentar un ejemplo del diálogo entre culturas a través de la música. A finales de octubre de 2002, Daniel Barenboim y Edward Said fueron distinguidos con el prestigioso Premio Príncipe de Asturias de la Concordia, en Oviedo, en reconocimiento a sus esfuerzos en pos de la paz. Más tarde ese mismo año, Daniel Barenboim recibió el Premio de la Tolerancia otorgado por la Academia Evangélica Tutzing, y la Orden de la República Federal de Alemania, del Presidente Johannes Rau. En marzo de 2004, le fue concedida la Medalla Buber-Rosenzweig, por sus esfuerzos en pos de la reconciliación.

Ha publicado dos libros: la biografía A life in music y, junto con Edward Said, Parallels and Paradoxes.

En febrero de 2003 fue galardonado con un Grammy por su grabación de Tannhäuser de Wagner. En marzo del mismo año recibió, junto con la Staatskapelle Berlin, el premio Wilhelm Furtwängler.
Recientemente comenzó un programa de educación musical que se desarrolla en los territorios palestinos, con el objetivo de utilizar la música como concepto a lo largo de todo el proceso educacional. También asumió el compromiso de ayudar al Conservatorio Nacional local a establecer una orquesta de jóvenes palestinos.

En 1991, Daniel Barenboim fue nombrado Director Titular de la Chicago Symphony Orchestra, sucediendo a Sir Georg Solti y, en 1992, Director Titular y Director Artístico de la Deutsche Staatsoper Berlin. En otoño de 2000, fue elegido Director Titular Vitalicio de la Staatskapelle.

CENTRO CULTURAL DE LA VILLA
del 1 de julio al 14 de agosto
precio: de 12 a 20 euros

· PIA FRAUS
Farsa quijotesca
teatro
Este espectáculo forma parte del Festival El Quijote en Iberomérica
- Brasil -
Dirección y texto: HUGO POSSOLO
Sala Guirau
1, 2 y 3 de julio
1 y 2 julio - 20.30 horas
3 de julio - 19 horas
duración: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
precio: 12 euros

Ficha artística

Intérpretes Beto Andretta
Beto Lima
Domingos Montagner

Actores invitados Alberto Medina
Bárbara Paz
Fernando Sampaio
Marcelo Castro

Texto y dirección Hugo Possolo

Sobre el espectáculo

Cervantes fue un Quijote. Una vida atribulada y llena de decepciones no le impidió soñar y escribir una obra que penetró profundamente en la historia de la humanidad. El loco que lucha con molinos de viento tiene su arraigo en los dichos populares de cualquier parte del planeta. De esta universalidad, incontestable, partimos para concebir nuestra locura: una escenificación donde Dulcinea, la amada que Quijote nunca encontró, contase su visión sobre el héroe de la triste figura.

Acompañados de Hugo Possolo, del grupo Parlapatoes, y Patifes & Paspalhoes, iniciamos esta aventura artística, certificando que lo que tenemos enfrente no son molinos de viento.
Pia Fraus

Sobre la compañía

La compañía se formó en 1984, cuando Beto Lima y Beto Andreetta participaron en la realización del proyecto Niños hacen arte. La compañía pasó a llamarse Pia Fraus, en 1992, con el estreno del espectáculo Olho da Rua.

Los componentes de Pia Fraus proceden del teatro, la danza, el teatro de muñecos y máscaras, el circo y las artes plásticas. De la unión de todas estas disciplinas surge la línea de trabajo de la compañía, que pretende desarrollar un lenguaje que una, dramáticamente, cada una de estas áreas y las integre, consolidando un repertorio que procede de la investigación y unión de todos estos lenguajes. Fruto de esta tarea, surgen los espectáculos: La leyenda de Guaraná, Bichos del Brasil, Flor de obsesión, Farsa quisotexca, Navegadores y Gigantes del aire, entre otros.

Pia Fraus ha recibido el Premio de Ley de Fomento al Teatro de la Ciudad de Sao Paulo, el Premio APCA (mejor espectáculo infantil-juvenil), Premio Shell (mención vestuario)... Sus espectáculos se han estrenado en los principales festivales nacionales de teatro, así como en diversos festivales internacionales de teatro de títeres. A lo largo de este tiempo, la compañía ha trabajado con directores como Naum Alves de Souza, Osvaldo Gabrieli o Francisco Medeiros; y ha coproducido y participado en espectáculos junto a otras compañías, como Els Commediants, Plasticiens Volants u Opera Mundi.