El Neoclasicismo es una pintura concebida para deleitar los sentidos, no el intelecto. Desarrollo de la pintura histórica y sus momentos ejemplares, especialmente de la Roma Republicana. En la estética neoclásica se aplicarán las normas racionalistas del teatro clásico francés de Moliere o Racine: La regla de las tres unidades. Una acción ha de desarrollarse en un solo espacio, en un momento unitario que es el mismo que corresponde a la representación, y ha de centrarse en una acción y no en varias historias de los personajes. En este estilo el protagonismo lo tiene una línea nítida, pura, que describe volúmenes perfectos y formas muy delimitadas, lo que no sólo se aplica a los retratos, en los que se apreciará el gusto por la moda Imperio en los vestidos y peinados femeninos, sino también, en otros temas, donde se observará un estilo petrificante y de frialdad, en donde las figuras se encuentran aisladas.

El pintor más representativo de este estilo será, sin duda:

JACQUES LOUIS DAVID. 1748-1825.

Aunque la mayor parte de su pintura se desarrolla en el siglo XVIII, Siglo de las Luces, de la Ilustración, David no fue un pintor de la Ilustración, pero lo más destacable de su obra si fue una consecuencia de los criterios forjados por el pensamiento ilustrado. Creó su propio estilo, recuperando las líneas clásicas (ideal miguelangelesco) y la precisión y limpieza rafaelescos, que serán los modelos de los pintores neoclásicos. El pintor neoclásico será un excelente dibujante que recibirá su formación en academias como la de  Viena, en la que David ingresó en 1765, pintor que cambió la sensibilidad plástica, aunque tardó una década en implantarse y que, fue nombrado  director de la Academia de Francia en Roma en 1775, adonde se dirigieron ambos en ese mismo año. Un tiempo después regresa a Paris y tras obtener fama pintando algunas obras como el Belisario, comienza en 1781 a elaborar una de las obras transcendentales del pintor, que no concluiría hasta 1785:

•  “El Juramento de los Horacios”: En esta obra va a recrear la historia de tres hermanos que van a luchar por su patria; un espacio, el  interior de una casa patricia; un momento, el que el padre elige para que los jóvenes juren fidelidad sobre sus espadas. El momento dramático se encuentra en el centro geométrico de la escena y a los lados, compensada por completo la masa de las mujeres de la casa, afligidas por la marcha de los muchachos; al otro lado el padre y los soldados que esperan su partida. El cómo está tratada esta pintura es la auténtica revolución: el PATHOS. La figura tiene un tratamiento anatómico. Cada arcada circunscribe un grupo de personajes. Las figuras femeninas reflejan el ideal femenino, abatimiento, dolor, miedo, mientras que las figuras masculinas representan el ideal masculino, el valor y el coraje. Los colores son más fríos que en Rubens (más cálidos y pasionales). Los grupos tienen una perspectiva que recuerdan la escuela de Rafael, y las telas con líneas rectas lejos de las oblicuas del barroco.
• “Los amores de Paris y Helena”.1787. Figuras frías, sentido de la profundidad y la perspectiva; se observa el clasicismo en las cariátides.
• “La muerte de Sócrates”. 1787. La luz recuerda a Caravaggio con un foco enfocando la figura de Sócrates. La figura de la izquierda al fondo, recuerda la que aparece en la muerte de Cristo de Caravaggio (recuerdo del barroco), homenaje al arte de Poussin.
• “Los lictores devuelven a Brutus los cuerpos muertos de sus hijos”. 1789. La madre y las hijas representan el dolor mientras que el padre representa la reflexión. Los capiteles toscanos, propios de las construcciones romanas.
• “La muerte de Marat”. 1793. Recuerda una “Piedad Light”. El taburete de madera que contiene una inscripción que recuerda a los romanos homenajeando a un personaje revolucionario. El fondo gris es la auténtica novedad , la forma en la que está tratado. 
• “Las Sabinas”. 1799. 

Romanticismo
En arte, movimiento artístico e intelectual europeo que se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una actitud, pero sin embargo la pintura romántica se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico. Mientras que el arte clásico y neoclásico es mesura, claro y completo en cuanto a la expresión, el arte romántico se caracteriza por esforzarse en expresar estados de ánimo, sentimientos muy intensos o místicos, así como por eludir la claridad y la definición. En la elección de temas, los artistas del movimiento romántico mostraron predilección por la naturaleza, especialmente en su aspecto más salvaje o misterioso, así como con asuntos exóticos, melancólicos o melodramáticos que producen miedo o pasión.

Francia 
En Francia el periodo de formación del romanticismo coincidió con las Guerras Napoleónicas (1799-1815). Los primeros artistas franceses de este estilo encontraron su fuente de inspiración en los acontecimientos que les rodeaban. Antoine-Jean Gros inició la transición del neoclasicismo al romanticismo impulsado por el estilo sobrio de su maestro, Jacques-Louis David, quien tenía un estilo más colorista y emotivo, influido por el pintor flamenco barroco Rubens. La principal figura del romanticismo francés fue Théodore Géricault, que además llevó las tendencias dramáticas y coloristas al estilo de Gros y cambió el sentido heroico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento. En su Coracero herido (1814) un soldado, en medio de una humareda, se desmaya en el campo. Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de aislamiento y vulnerabilidad; y esto para Géricault y otros pintores románticos constituía la esencia de la condición humana.
La obra maestra de Géricault, La balsa de Medusa (1818-1819), retrata a escala heroica el sufrimiento de la humanidad, un tema del que se hizo eco el pintor romántico francés, Eugène Delacroix, en su Masacre en Quíos (1824). Delacroix adopta a menudo temas de la literatura, pero resalta los que tienen más transcendencia literaria o didáctica con el uso de colores que crean un efecto de energía pura o emoción comparado con la música. Rechazando el énfasis neoclásico sobre la forma y los rasgos, utiliza medios tonos obtenidos de la yuxtaposición de un color con su complementario y no del oscurecimiento de uno de ellos. Su Muerte de Sardanápalo (1827), inspirada en una obra del poeta romántico inglés lord Byron, lo detalla con precisión, pero la acción es tan violenta y la composición tan dinámica que el efecto es un caos hundiendo la inamovible e indiferente figura de un rey agonizante.

Inglaterra 
En Inglaterra, así como en Alemania, los paisajes impregnados de un sentimiento romántico se convierten en la principal expresión de la pintura romántica, aunque los artistas ingleses fueron más innovadores en estilo y en técnica. Samuel Palmer pintó paisajes que se distinguen por una inocente simplicidad en cuanto a su estilo así como por un sentimiento religioso que deriva de Blake. John Constable, proveniente de un entorno natural salvaje asociado con muchos poetas y pintores románticos, dotó a los paisajes ingleses de un profundo sentimiento. Fue el primer gran artista en trabajar al aire libre y en llevar al lienzo la frescura de la visión a través del uso de colores luminosos y llamativos a base de pinceladas densas. Joseph Mallord William Turner ("incendio del Parlamento") expresó la visión más radical de todos los artistas románticos. Comenzó con paisajes que se remontan al pintor francés del siglo XVII Claudio de Lorena, pero transformó algunas de sus obras tardías como Tormenta de nieve: barco de vapor de Harbour Mouth (1842), en una mezcla de efectos atmosféricos de luz y color, mezcla de nubes, niebla, nieve y mar en un torbellino en el cual los diferentes objetos se diluyen. 

Delacroix, Eugène (1798-1863), pintor francés cuya obra constituye un gran exponente del romanticismo del siglo XIX y cuya influencia se extendió hasta los impresionistas.
Delacroix nació el 26 de abril de 1798 en Charenton-Saint Maurice, y fue discípulo del pintor francés Pierre Guérin. Recibió una formación neoclásica dentro de la escuela del pintor francés Jacques-Louis David, pero su estilo se vio influenciado por el rico colorido y la opulencia de maestros anteriores, como Petrus Paulus Rubens y Pablo Veronés. También absorbió el espíritu de su contemporáneo Théodore Géricault, cuyas primeras obras representan la acción violenta, el amor a la libertad y el romanticismo en ciernes del turbulento periodo postnapoleónico.
La carrera artística de Delacroix empezó en 1822 cuando su primer cuadro, Dante y Virgilio en los infiernos (1822, Louvre, París), fue aceptado en el Salón de París. En 1824 obtuvo un gran éxito popular con Las matanzas de Kíos (Louvre), que representa el tema heroico de la lucha de los griegos por la independencia. En 1825 viajó a Inglaterra donde estudió la obra de los pintores ingleses. La influencia de Richard Parkes Bonington, que pintaba con colores brillantes, se manifiesta en obras posteriores de Delacroix como La muerte de Sardanápalo (1827, Louvre). Esta exuberante obra de madurez, de gran colorido, violencia y fastuosidad, muestra a mujeres, esclavos, joyas y telas combinados en una composición delirante, casi orgiástica. El tema del cuadro es la decisión que toma un rey de la antigüedad de destruir sus posesiones (incluidas sus esposas) antes de suicidarse.

Su obra más romántica y tal vez la más influyente es La libertad guiando al pueblo, también conocida como La barricada (1830, Louvre), una glorificación semialegórica de la idea de libertad. Este cuadro, que le valió la Legión de Honor, confirmó la clara división entre la pintura romántica, que resaltaba la importancia del color y el espíritu, y el concurrente neoclasicismo (de cuyo desarrollo Jean Auguste Dominique Ingres fue una de las figuras prominentes), que hacía más hincapié en la importancia del dibujo y en el distanciamiento respecto al tema.

Delacroix fue durante toda su vida el pintor romántico más importante de Francia. Un viaje al norte de África en 1832 le proporcionó un amplio repertorio temático que plasmó en más de 100 cuadros de gran sensualidad. Recibió además muchos encargos oficiales para hacer murales y decorar el techo de diversos edificios gubernamentales. Muchas de sus últimas obras, en especial las pinturas de animales, escenas de caza y temas marinos, son excepcionales, pero otras exhiben una cierta aridez en su ejecución y falta de inspiración. También ilustró varias obras de William Shakespeare, Walter Scott y Johann W. von Goethe.

La técnica de Delacroix, de grandes contrastes de color, que aplicaba con pequeños golpes de pincel creando un particular efecto de vibración, influyó de forma importante en los impresionistas. También es célebre por sus Diarios, en los que se manifiesta su talento literario y expresa sus opiniones sobre el arte, la política y la vida. Delacroix murió el 13 de agosto de 1863 en París.

Géricault, Théodore (1791-1824), pintor francés muy influyente en su época y uno de los principales y primeros artistas del romanticismo del siglo XIX.

Nació en el seno de una acaudalada familia de Ruán, fue discípulo de los pintores franceses Carle Vernet y Pierre Guérin y estudió en Italia entre 1816 y 1817. Su obra muestra una clara influencia de Miguel Ángel y otros pintores del renacimiento italiano, así como del maestro flamenco Petrus Paulus Rubens. Sus primeras obras pusieron ya de manifiesto unas características que le apartaban de los pintores franceses neoclásicos como Jacques-Louis David y que pronto le valieron el reconocimiento como líder de los románticos. Su Oficial de cazadores de la guardia imperial a la carga (1812, Museo del Louvre, París), su Coracero herido (1814, Louvre) y La carrera libre de caballos (1816-1817, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) muestran una acción violenta, un diseño atrevido y un dramatismo cromático de gran poder emotivo. Tales características se intensifican en su lienzo La balsa de la Medusa (1818-1819, Museo del Louvre), de grandes dimensiones y expresión sobrecogedora. En 1816 el barco Medusa, del gobierno francés, naufragó a causa de una tempestad, y muy pocos de sus tripulantes lograron salvarse después de muchos días a la deriva en una balsa improvisada. Géricault pintó el momento culminante del episodio: cuando los náufragos avistaron el barco de salvamento. La combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con extremado realismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los detalles desataron una tormentosa controversia entre los artistas de tradición neoclásica y los que tenían una opinión diferente sobre los temas que debía tocar la pintura. Géricault rompió en este cuadro con todas las reglas del neoclasicismo, excepto las de la composición.
En 1820 viajó a Inglaterra, donde pintó el Derby de Epsom (Museo del Louvre). Cuando murió estaba trabajando en una serie de retratos de enfermos mentales, lo cual pone de manifiesto el interés de los artistas románticos por los trastornos psíquicos y las neurosis. También realizó varias estatuillas en bronce, una excelente serie de litografías y cientos de dibujos y bocetos en color.

GERICAULT  (1791-1824)

Vive en Florencia y Roma, donde estudia la pintura clásica (Miguel Angel, Rafael, y el barroco Rubens). Obsesión por captar el dinamismo y el estudio de los animales. Importancia del movimiento. Estudia el movimiento en la pintura barroca. 
"La balsa de la medusa" (1818-19) se trata de un hecho histórico, de la balsa hecha con las astillas del naufragio del Medusa, que iba a Senegal y tuvo un motín. Al fondo se ve el Argus, barco que los rescató. Hay un contraste de fuerzas, carácter inestable de la balsa, que evita que se hunda. Hay una  pirámide de cuerpos sin vida. Ideal clásico en los cuerpos, estudio de anatomía. Michelet hizo una ejemplificación política diciendo que esa balsa era toda Francia. Es un juego de contrarios, hay una constante contraposición de fuerzas: esperanza (Argus) / desesperación (muerte), viento/olas, vida/muerte. A medida que se avanza en el cuadro aparece la vida. 
"Oficial a caballo" : estudio de las manchas.   "El cleptómano": rostro desencajado. Es un homenaje a la pintura barroca.

DELACROIX

Discípulo de Gericault. Personaje serio, de gran imaginación y sentimientos, muy soberbio y muy viajero (Inglaterra, Holanda, España y Norte de África). Tiene una gran colección de óleos, dibujos y acuarelas. Le influye: Shakespeare, Lord Byron, Chopin y la literatura medieval. En algunas de sus obras  se subraya el ideal nacionalista, interés por subrayar la presión de los pueblos, lucha contra la injusticia.
"Muerte de Sardanápalo": era una asirio que es asediado por los Medos y asesina a sus concubinas y se suicida. Siente un placer en la contemplación de la muerte.
"Caza del tigre": pintoresco, orientalismo, movimiento.
"Libertad guiando al pueblo" (1830): documenta la insurrección de la restaurada monarquía borbónica en la revolución liberal del 30. Es la representación de la burguesía y el proletariado contra la nobleza. Se trata de una composición triangular, en primer término los muertos.

Courbet, Gustave (1819-1877), pintor francés muy prolífico y de gran influencia que, junto a sus compatriotas Honoré Daumier y Jean François Millet, fue pieza fundamental en el origen de la escuela realista de pintura del siglo XIX.

Hijo de una familia acomodada de agricultores del Franco Condado, Courbet nació el 10 de junio de 1819. Llegó a París alrededor de 1840, según parece para estudiar derecho; sin embargo, se dedicó a pintar, cosa que aprendió copiando las obras maestras del Museo del Louvre. En 1850 expuso Los picapedreros (1849, en la Gemäldegalerie de Dresde, destruida por un bombardeo en 1945), cruda representación de unos obreros arreglando una carretera. En esta obra Courbet evita deliberadamente el elemento exótico, de gran carga emocional, característico de la tradición romántica y no sigue las reglas de composición de la pintura académica. Siguió escandalizando a los académicos con su obra de enormes proporciones Entierro en Ornans (1850, Museo d'Orsay, París), en la que un friso de campesinos pobremente vestidos rodea una tumba de grandes proporciones. El desafío a las convenciones se hace aún mayor en otra pintura de colosal tamaño, El estudio del artista (1855, Museo d'Orsay), que subtituló Alegoría real sobre siete años de mi vida artística. En el centro se halla retratado el propio Courbet pintando un paisaje, con un niño, un perro y una voluptuosa mujer desnuda; a la izquierda, un grupo de personajes con aire aburrido le ignora manifiestamente; a la derecha, una multitud de amigos llenos de vida y entusiasmo admira su obra. En esa misma época publicó un provocativo manifiesto en el que exponía con todo detalle su credo social y realista sobre el arte y la vida, que le proporcionó una gran popularidad.

Para entonces su estilo ya estaba totalmente maduro y se caracterizaba por una técnica magistral, una paleta limitada aunque vigorosa, composiciones sencillas, figuras de modelado sólido y severo (como puede apreciarse en los desnudos) y gruesos trazos de pintura muy empastada que a menudo aplicaba con espátula, lo cual se manifiesta sobre todo en los paisajes y las marinas.
Courbet, tan radical en política como en pintura, fue nombrado por la revolucionaria Comuna de París en 1871 director de los museos de la ciudad, puesto desde el que logró salvar las colecciones del Louvre del incendio de las Tullerías y del saqueo de las masas. Sin embargo, tras la caída de la Comuna, Courbet fue acusado falsamente de haber permitido el derribo de la columna triunfal de Napoleón ubicada en la Plaza Vendôme; fue encarcelado y condenado a pagar la reparación. En 1873 fue obligado a expatriarse, se trasladó a Suiza y allí continuó pintando hasta su muerte, el 31 de diciembre de 1877 en Verey.

Daumier, Honoré (1808-1879), pintor y caricaturista francés, cuyas obras, de gran crudeza y dramatismo, tratan lo cotidiano desde una óptica muy marcada de protesta social.
Daumier nació en Marsella y de niño se trasladó con su familia a París. Trabajó en un tribunal de justicia y en una librería, y después estudió dibujo y pintura. Comenzó su carrera artística dibujando para anuncios publicitarios. Fue empleado de la revista cómica La Caricature y adquirió fama por sus litografías de descarnada sátira política. Una de esas caricaturas, publicada en 1832, mostraba al rey, Luis Felipe I de Orleans, como Gargantúa (el gigante legendario de la obra de François Rabelais), lo que le valió a Daumier seis meses de cárcel. Más tarde satirizó a la sociedad burguesa en una serie de litografías publicadas en el periódico Le charivari y volvió a la sátira política durante la Revolución de 1848. Las esculturas de escayola (yeso) y bronce que hizo para utilizar como modelos de sus dibujos de diferentes personas son muy valoradas por coleccionistas y galerías.
Daumier fue un dibujante de gran talento y muy prolífico, ya que realizó alrededor de 4000 litografías, 300 dibujos y 200 pinturas. Entre sus principales obras, no fechadas, se incluyen La república, Los ladrones y el asno (Louvre, París) y El levantamiento (Colección Phillips, Washington). Daumier tuvo un gran número de imitadores, pero ninguno de ellos alcanzó la profundidad y agudeza de su estilo.

Millet, Jean-François (1814-1875), pintor de género y paisajista francés, nacido en Gruchy. Inició sus estudios de pintura en Cherburgo y más tarde, en 1837, estudió en París con el pintor francés Paul Delaroche. Después de residir doce años en París y Normandía, Millet se unió a la escuela de Barbizon de artistas paisajistas. Allí pintó algunas de sus obras más célebres de campesinos trabajando en el campo, entre las que se incluyen Las espigadoras (1857, Museo del Louvre, París) y El Ángelus (1857-1859, Museo D'Orsay, París), así como El sembrador (1850) y Los plantadores de patatas (1862), ambos en el Museo de Bellas Artes de Boston. Aunque Millet no pretendió plasmar una protesta social a través de su obra, los temas en los que centró su trabajó provocaron de forma inevitable tal interpretación.

Corot, Jean-Baptiste-Camille (1796-1875), pintor francés, conocido sobre todo por sus paisajes realistas y románticos. Su obra anuncia el impresionismo.
Nació en París el 16 de julio de 1796. Del pintor de paisajes académicos Victor Bertin aprendió los principios de composición clásicos, que caracterizan los paisajes sosegados y bien estructurados que pintó entre 1825 y 1828 en Italia. Ejemplos de esta etapa son Forum (1826) y el Puente de Narni (1827), ambos en el Museo del Louvre, París.

Desde 1828 hasta su muerte, Corot vivió en París. Durante los meses cálidos del año recorría Europa haciendo pequeños esbozos al óleo que, como los de la escuela de Barbizon, están entre los primeros paisajes franceses pintados directamente del natural. Estos apuntes poseen una estructura muy cuidada y una gran sensibilidad para la luz natural. Durante el invierno trabajaba en su taller, en grandes obras de salón de tema bíblico o histórico. En 1845, tras haber logrado un gran éxito de crítica, comenzó a vender su obra. Después, sus paisajes se fueron convirtiendo en creaciones más imaginarias, bañados por una vaporosa atmósfera romántica conseguida a través de tonalidades plateadas y pinceladas suaves. Ejemplos de este estilo protoimpresionista, que le haría famoso, son las versiones de la Villa de Avray, lugar donde vivía, y Recuerdo de Mortefontaine (1864, Museo del Louvre). Aunque tendía a repetir el estilo con el que había alcanzado el éxito para satisfacer las demandas populares, también pintó obras tan extraordinarias como El campanario de Douai (1871, Museo del Louvre) en el estilo clásico de su primera época. No faltan en su obra los retratos y los estudios de figuras humanas. Corot gozó del favor del público y oficial, y los grandes escritores de la época como Baudelaire o Gautier le dedicaron artículos elogiosos. Fue un hombre sencillo y generoso con sus amigos y alumnos, tanto en lo que se refiere al dinero como al tiempo (llegó incluso a firmar cuadros de compañeros poco afortunados), lo cual le valió el sobrenombre de père Corot (padre Corot). Murió el 22 de febrero de 1875 en París.

EL REALISMO

Surge como reacción al neoclasicismo y al Romanticismo. Su objetivo fundamental es el de plasmar la verdad sin concesión hacia lo ideal, lo fantástico, lo historicista.
Entre 1840-1880 surgen literatos, pintores, … que comienzan a reparar en el hombre cotidiano, en la realidad inmediata. Pasa a un primer plano el hombre, como digno de ser representado. Es una época además de grandes avances tecnológicos, ferrocarril, luz de queroseno, el telégrafo, …
El realismo fue un movimiento muy criticado porque va contra las instituciones, motivo por el cual tuvieron que reorganizarse. Courbet creó el pabellón de los rechazados.

Características:
1. Atención hacia lo cotidiano, lo real, rechazando lo artificial. Tan sólo se toman como ideales los artistas del pasado del realismo y el naturalismo italiano como Caravaggio, cuyo crudeza es tomada como punto de partida, y también la pintura holandesa.

2. Se desprecia el color brillante, propio del Neoclasicismo y del Romanticismo y se prefieren ocres y oscuros. Courbet pintaba con espátula.

3. Arte y política: se suceden una clase de acontecimientos, 1848 cae Luis Felipe de Orleans, proclamándose la II República, que es cuando surgen los movimientos obreros,  1871  III República con la Comuna de París. Conciencia de clase, paralelamente a Marx y Engels. El movimiento realista no pretende reivindicar nada, quiere tomar conciencia de, es un compromiso pero no reivindica nada. Por ejemplo: el protagonista de un cuadro puede ser una lavandera, unos campesinos rezando el Angelus.

4. La caricatura nace del Realismo (Honoré Daumier).

5. La fotografía, el daguerrotipo como antecedente del cliché fotográfico, condicionan el desarrollo de la Hª de la pintura. Muchos artistas se apoyaban en la fotografía, utilizando muchos de sus enfoques. Bodelaire decía: "la Industria fotográfica era refugio de todos los pintores fracasados, demasiado poco dotados y fracasados en sus estudios".

6. El fenómeno de la luz es muy importante, el estudio de la noche, …