PERUGINO (EL). Cittá della Pieve 1.448- Fontignano 1.523
Pietro di Cistoforo Vannucci, recibe el nombre de Perugino al ser natural de esa región italiana. Se formó en Florencia, en el taller de Verrocchio, coincidiendo en alguna ocasión con Botticelli, trabajando en un estilo influenciado en ambos artistas. Piero della Francesca será otro de los maestros que marque los primeros años de producción, especialmente en cuanto a los fondos arquitectónicos y a los paisajes. La fama de Perugino llegó a tal extremo que fue llamado a Roma en 1.482  para decorar algunas de las paredes de la Capilla Sixtina, siendo este encargo determinante para dividir su producción artística en dos periodos. La entrada de Rafael en su taller hacia 1.496 supuso para Perugino un acicate al trabajar con mayor intensidad, para convertirse en un pintor monótono y repetitivo años después, su estilo seguro, con amplias figuras insertadas con perfección en el paisaje, supone un preludio de lo que se realizará en el Cinquecento. En Perugino se dará un sentido más evolucionado en la distribución del espacio, su afán por la profundidad y el paisaje, con una perspectiva muy marcada. Su interés por la obra de Verrochio dulcificará su pintura; recogerá la idea de color y luz inspirado en P. della Francesca pero con una línea más evolucionada.

Obras:

“La virgen con el niño y cuatro santos”. Pinacoteca vaticana.
Tipo físico: figuras femeninas personajes tipos sin individualizar rasgos. Tipo idealizado donde reduce el rostro a un óvalo dividido en tres partes iguales. Aspecto amable a través de un colorido brillante. Composición con una estructura racional y simétrica en la que los personajes ocupan lugares claramente jerarquizados. La Virgen y el Niño en el centro, bajo un gran dosel arquitectónico y sobre un trono de delicadas formas, presiden con amable autoridad el conjunto: Todas las figuras adquieren presencia física en el espacio por medio de un dibujo de extraordinaria perfección y un mesurado empleo del claroscuro. 

“Entrega de las llaves”. Capilla Sixtina. 1.480-1.481 (Fresco)

Es una de sus obras maestras, en la que la perspectiva alcanza el grado máximo: La entrega de las llaves a San Pedro que aquí contemplamos, las figuras se enmarcan en una gran plaza de perspectiva interminable presidida por un edificio de planta centralizada con una cúpula típicamente renacentista y, a cada lado, un arco de triunfo como referencia a la antigüedad. La plaza está embaldosada creándose diversas líneas de fuga y poblada de personajes de inferior tamaño para provocar un mayor efecto de profundidad. El espacio de la plaza subraya la idea de perspectiva lineal a través del pavimento, simetría por la cual la composición al doblarla por la mitad convergería en los mismos puntos. Los árboles típicos de Umbría cierran el escenario junto a unas montañas decrecientes. En primer plano encontramos a Cristo haciendo entrega de las llaves de la Iglesia a San Pedro, aportando un elemento simbólico de evidente interés para el Papa al reforzar el poder y la autoridad del vicario de Cristo en unos momentos de cierta presión política tanto interior como exterior. Las figuras expresan ese aspecto elegante y blando que caracteriza la obra de Pietro, destacando el empleo de un brillante color y una iluminación acertada.

“La aparición de la Virgen a San Bernardo” 1.488-1.489 Alte Pinakothek (Munich) Oleo sobre tabla.
El interés por la perspectiva lo aprendió Perugino de Piero della Francesca así como el desarrollo volumétrico de la figura. Ambas cuestiones se aprecian claramente en esta composición realizada por Perugino para la iglesia del Santo Spirito diseñada por Brunelleschi, en la aparición de la Virgen al Santo mientras éste escribía ha sido eliminada cualquier referencia sobrenatural, situando a María en el mismo espacio que San Bernardo; las figuras que acompañan a la Virgen refuerzan el aspecto de una “Sacra conversazione” dotándolas de ese aspecto blando y elegante que caracteriza al maestro. El desarrollo espacial de la arquería y el paisaje típico de Umbría, al fondo, ofrecen de manera soberbia la perspectiva reforzada por la distribución de la luz. Precisamente la iluminación empleada resalta las figuras y acentúa el aspecto volumétrico individual de cada personaje, cuyos gestos serenos y placenteros heredará Rafael.

“Los desposorios de la Virgen”. 
Insiste en la misma idea de interés por un determinado fondo de paisaje y de perspectiva. Líneas del pavimento con la convergencia en el templete y en medio del primer plano los grupos simétricos de personajes a cada lado.
“Tríptico de la Virgen”. Natinal Gallery de Londres.
Se prolonga el fondo por detrás para dar mayor sensación de veracidad.
“Crucifixión de Cristo”. Washington.
Suavidad en los rasgos a pesar del trance.
“Retrato de Francesco delle Opere” Galería de los Uffizi. (1.494) Oleo sobre tabla.
Son escasos los retratos conservados de Perugino que muestra en ellos su excelente capacidad en esta faceta de la pintura. Se aprecia la influencia flamenca al incorporar los paisajes en el fondo, de la misma manera que había hecho Piero della Francesca en la corte de Urbino. El personaje se ubica en primerísimo plano, proyectando sus manos hacia el espectador y portando en la derecha una cartela donde se lee “IM ETE DEUM”. La campiña umbra está perfectamente interpretada tras la volumétrica masa de Francesco, cuyo rostro muestra su carácter especialmente a través de los ojos. La potente iluminación empleada refuerza el aspecto escultórico de la figura, resaltando el colorido rojizo y blanco de sus ropajes. La excelente capacidad de Perugino como dibujante se la debe a su amigo Signorelli. 

PINTURICCHIO.
Especie de horror-vacui en el repertorio de motivos ornamentales en la decoración. En la misma línea de Peruggino, es un decorador a gran escala. Se le encarga la decoración de varios apartamentos de la familia Borgia (corresponden a los palacios vaticanos). 
“Frescos en la capilla de los ermitaños en Padua”.

ESCUELA DE PADUA. 
ANDREA MANTEGNA Isola di Carturo (Vicenza)1.430-31- 1.506.
Recibió su primera formación en el taller del pintor Francesco Squarcione, que tuvo gran influencia en la pintura de Padua.
Mantegna en la década de los 50 se traslada a la corte de los duques de Mantua. Realizará pinturas al lienzo y pinturas al fresco. Pinta “La Cámara de los esposos” para el Palacio Ducal en Mantua, dedicada a guardar las colecciones de arte, o escuchar música. La pintura que recubre las paredes relata hechos de la familia de los Duques de Mantua. A través de ella intentará crear una imagen de poder y prestigio enlazando con el mundo clásico y acercándose a lo natural recogiendo un acontecimiento ideal. El hijo del Duque, Francesco Gonzaga, alcanza un nivel elevado en la Corte Pontificia  y en la pintura se intenta describir como se recibe la noticia en la familia y pinta el reencuentro del hijo con el padre. Sus características más fundamentales serán el interés por los restos arqueológicos, y tratamiento de las figuras como si fueran estatuas, acentuado por el color que les da un aspecto pétreo, influencia de Donatello y Andrea del Castagno que habían estado en Padua. Con frecuencia Mantegna no considera el mundo antiguo como algo que haya que evocar, sino como algo que hay que acercar al espectador. Un ejemplo de ello son las guirnaldas que imitan las naturales, más propias del mundo real.
Obras:
“Cristo muerto 1.450  Pinacoteca de Brera.  Pintado en los últimos años de actividad de Mantegna, es una composición ejecutada al temple sobre tela que representa el máximo escorzo del Quattrocento, la figura parece perpendicular al  lienzo presentando el cadáver, sobre una mesa, cuya superficie lisa y rígida introduce un factor de expresión dramática. El cuerpo está visto desde los pies, de modo que sus dimensiones se acortan de forma brutal, como requieren los principios de la más estricta perspectiva, representando un estudio muy importante de la deformidad de la figura desde diversos puntos de vista. Escasos toques de color animan los rostros, de modo que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo.

“Tránsito o Muerte de la Virgen” Museo del Prado. Temática sacra; su estilo, tratamiento de los problemas espaciales, concepción de la forma, la luz y el color, pertenecen al mundo veneciano.
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“Oración en el huerto”. 1.455 National Gallery.  Imagen  patética en la que la dureza del paisaje rocoso se convierte en la arquitectura que articula el espacio. Aparece ya ese gusto de Mantegna por las ciudades lejanas y las pequeñas figuras en los caminos que unen esas ciudades sagradas con unos primeros planos de los que se adueñan las monumentales a la vez que patéticas figuras que absorben al fiel en el tema religioso. Una de las figuras del primer plano permite a Mantenga desarrollar su personal teoría del escorzo. 

“Martirio de San Sebastián”.  1.470 Viena. Perfecto cuerpo del Santo con sus formas escultóricas, busca ante todo la naturalidad. El arqueologismo ha invadido el paisaje con una plataforma sobre la que se asientan unas ruinas y un arco bajo el castillo medieval. El color en esta obra es un elemento expresivo esencial, al darse una correspondencia entre el color blanquecino de los restos arquitectónicos clásicos del fondo con el tono de la columna.

“Asunción de la Virgen” 1.456 Capilla Ovetari (Iglesia de los Eremitani- Padua. En ella la Virgen, por el alargamiento de la figura y la posición adoptada, se ha relacionado con modelos bizantinos
“Virgen de la Victoria. 1.495 Louvre. Pintada en Mantua por encargo de la familia Gonzaga. El podio sobre el que se asienta el trono mariano ofrece el pretexto para reproducir ricos materiales marmóreos y un bajorrelieve con la escena del pecado original. Decoración frutal (guirnaldas).
“El Parnaso”1.497 Louvre. En esta obra aparecen en el centro Venus y Marte, de cuya unión nació Anteros, el Dios que espanta el amor en lugar de provocarlo, como hace su hermano Cupido. Tema mitológico en el que de la unión de Marte (dios de la guerra) y Venus (diosa del amor) nació la Armonía.

“Tríptico de San Zenón” 1.457-1459. Iglesia de San Zenón(Verona). Escena con fondo con relieves en piedra. Columnas representadas en convergencia con los pilares del fondo. Guirnaldas diseño del marco convirtiéndose así en parte de la obra. Idea de tríptico es la base del conjunto. La mayoría de los santos se encuentran leyendo un libro y San Juan Bautista está vuelto por completo hacia el espacio en el que nosotros nos encontramos.
“Ósculo del techo de la Cámara de los esposos” El centro del techo está fingidamente abierto al espacio exterior mediante el famoso ósculo, que se ha considerado precedente de otras rupturas arquitectónicas simuladas mediante recursos pictóricos. Para fingir esa apertura al espacio exterior, el uso del escorzo era el único instrumento posible, y así se asoman mujeres de la corte (putti), e incluso el exótico pavo tras una balaustrada. Con ello el espectador formará parte de una obra cuyo espacio figurado se ha convertido en prolongación del espacio real.
Retrato de Francesco Gonzaga Gal. Nal. Capodimonte. 

AUTORES INFLUENCIADOS POR MANTENGA:  Cosimo Tura (Ferrara) Carlo Crivelli/ Giovanni y Gentile Bellini.(Venecia)
Mantenga ejercerá una gran influencia en pintores del norte de Italia. En un momento dado llegan a Venecia Antonello da Mesina y Vitore Carpaccio.
La familia Este de Ferrara (Pisanello trabajó para ellos), establece un mecenazgo en esta ciudad con actuaciones urbanísticas por el arquitecto Rosetti. 
Palacio de los Diamantes. Modelo florentino del palacio renacentista, convierte el almohadillado en punta de diamante, conservando el bloque e incorporando las pilastras en las esquinas.
La situación geo-política de Venecia influyó decisivamente en su pintura:
· El color frente al dibujo, que lleva incorporado la luz.
· El carácter pictórico frente al plástico.
· En 1475 llega a Venecia Antonello da Messina cargado de influencias de la pintura flamenca y su influencia afectará a Bellini dulcificando sus figuras y volviéndolas más suaves.

ANTONELLO DA MESSINA. Sicilia 1.430 Messina- 1.479
Autor de una personalidad extraordinaria es uno de los primeros pintores italianos que utilizan la técnica flamenca del óleo.
Obras:
“Cristo muerto sostenido por un ángel” Museo del Prado. Influencia de la pintura flamenca, muestra una gran preocupación por la realidad, descrita con dominio de la forma plástica, alegre empleo del color y medida de la luz. La figura de Jesús aparece en esta composición sentada al borde del sepulcro, en un primerísimo plano de acento dramático. Ambas figuras se recortan sobre un fondo de paisaje con una ciudad al borde de un río; a la derecha del mismo, un amontonamiento de huesos humanos sugiere la proximidad del Monte gólgota, cuyas cruces se levantan en el lado izquierdo
“El salvador”. Rasgos propios de las figuras de Van Eyck
“La crucifixión”. El sentido del color, la luminosidad, la forma de representar en alto las figuras para que destaquen más.
“Jerónimo en su celda”.National Gallery(Entre 1.456-1.475) Influencias flamencas dentro de una arquitectura gótica que enmarca el estudio de un humanista. La composición se desarrolla tras la embocadura de un arco gótico rebajado en cuyo umbral aparecen un pavo real y una perdiz . Numerosos objetos muestran interés por las naturalezas muertas. Técnica inspirada por un propósito naturalista  comparable a los flamencos de la época 
“Virgen de la Anunciación”. La luz contribuye a iluminar el rostro y deja parcialmente en sombra la mano.
“Autorretrato”. Se deja apartado la nitidez de contornos propia de la pintura florentina para tomar el estilo flamenco.
“El martirio de San Sebastián” En contraposición con el mismo tema pintado por Mantegna, los rasgos serán más suaves así como la tonalidad del color y el empleo de la luz. 

CARLO CRIVELLI.
“Piedad”. 1.485 -Pinacoteca Vaticana :Uno de los ejemplos más destacados de la pintura veneciana del siglo XV.. La obra, de forma semicircular, determinada por el luneto en el que debía insertarse. Tiene rasgos propios del  gótico final y el toque medieval se aprecia en el poblamiento de ángeles en el celaje así como el rico damasco que cuelga a modo de tapiz tras las figuras. Es relevante el conocimiento de la pintura de Mantenga, por el neto diseño de la figura humana. 

COSIMO TURA.
Recoge los aspectos más sencillos de Mantenga y los exagera aún más de manera que los gestos se convierten en muecas y las proporciones se vuelven casi anticlásicas
“Santo Domingo de Guzmán” Galería de los Uffizi
“Crucifijo” Fragmento Pinacoteca de Brera.

GIOVANNI BELLINI.1.431-1.516
Discípulo de su propio padre, según la usanza del arte de la época, fue a su vez el maestro de dos grandes genios: Giorgione y Tiziano. Giovani fue apodado el Giambellino, en referencia a la belleza y sensibilidad con la que trabajaba sus pinturas. Actuó frecuentemente con su hermano Gentille. También magnífico pintor. Ambos forman parte de la escuela  renacentista veneciana en la cual tomó una importante parte la ola de renovación espiritual que trataba de contrarrestar el supuesto paganismo del Renacimiento. Es por esta razón que Giovanni se decantó con frecuencia por la  temática religiosa en vez de la mitología clásica. Junto a Gentille trabajó en la decoración al fresco de la scuolas venecianas, pero además de su hermano y de su padre, Jacopo, recibió otras influencias, la más crucial vino por parte de su cuñado, que era nada menos que Mantegna, de él aprendió el dominio del dibujo y la rotundidad del  volúmen, aunque en cualquier caso el Giambellino hacía honor a su apodo realizando pinturas de mayor lirismo que las de su cuñado. También Antonello Da Messina, que estuvo en Venecia, le proporcionó modelos de referencia que él aprovechó con grandes resultados: La técnica del óleo, la linealidad de raíz flamenca frente al colorismo veneciano, nuevas iconografías que renovaron su repertorio... Su influencia trascendental no sólo sobre sus discípulos directos, sino sobre toda una generación de pintores nacidos o afincados en Venecia, influencia que se rastrea en el propio Durero, que le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero “aún el mejor pintor” en palabras del alemán.
Obras:
“Virgen con el niño”. Influencia veneciana en la composición que se repetirá en sucesivas ocasiones. (La guirnalda de frutas, es influencia de Mantegna).
“Virgen con el niño” 1490. Se observa el cambio de su pintura en la forma de tratar la autonomía del niño, blando, el rostro de la virgen también sereno. Suavidad en los perfiles y contornos y desaparición de la dureza presente en las pinturas de Mantegna.

“La oración en el huerto”.1455) Esta obra es considerada por los especialistas como el punto de partida del paisaje veneciano suavizado más tarde por Tiziano y Giorgione, aún existe un cierto aire flamenco en el aspecto acartonado de las formas hallándose una estrecha relación con la “Oración en el huerto” que pinta Mantegna en los primeros años de la década de 1.450. El aspecto escultórico de las figuras y las rocas, es una influencia de Andrea, sobre todo en los escorzos forzados, así como ese interés exacerbado por la perspectiva. Giovanni aporta su vivo colorido y la iluminación típicamente veneciana aunque no tiene la blandura y la dulzura de esta pinura. Es importante señalar el cambio que se va a producir a partir de 1.475 con la llegada de A. da Messina.

“Piedad” 1.465 Pinacoteca de Brera. Una de sus obras juveniles donde se observan las influencias de Mantegna claramente: Las figuras se sitúan en primer plano, tomadas desde un punto de vista bajo para reforzar su grandiosidad, destacando su aspecto escultórico. En ella se puede apreciar la primera influencia de Mantenga. Sus preocupaciones por el modelado y el espacio son, sin embargo, transformadas por Bellini con un sentido lírico y colorista transido de poético humanismo.

“Piedad” 1.508 Galerías de la Academia de Venecia.
La piedad será una de las escenas más cargadas de dramatismo en la iconografía del Renacimiento, tanto en escultura como en pintura, un bello ejemplo es ésta, donde la iluminación empleada tiene un papel fundamental. Las bellas figuras de Cristo muerto y la Virgen  en tres cuartos, se disponen en un triángulo, reforzados por los paños del manto de María al aire libre, apreciándose al fondo las construcciones de la ciudad de Vicenza ante un bello paisaje. La sensación atmosférica creada procede a la difuminación de los contornos y el abandono del dibujo para interesarse por la organización pictórica mediante tonos, resultando un importante avance que hace de Bellini uno de los mejores miembros de su generación, en cuyo taller se forma Tiziano.

GENTILE BELLINI . VENECIA 1429- 1507.
Gentile Bellini heredó los álbumes de su padre y ejerció la dirección del taller a su muerte, por lo que se le considera el primogénito. Mantuvo el prestigio de su padre y fué muy admirado en su tiempo, pero muchas de sus obras más importantes se han perdido. Entre ellas hay unas escenas eróticas que pintó para el harén del sultán Mehemet II que hizo cuando trabajó en la Corte de Constantinopla entre 1.479 y 1.481 y que se encuentra en la National Gallery de Londres. Sus obras más famosas son “La procesión de la religión de la Santa Cruz” y “El milagro del Puente de San Lorenzo, son dos telas de gran tamaño llenas de anécdotas de la vida cotidiana de la Venecia de su tiempo. Destacó por sus escenas narrativas así como por sus retratos; en sus obras el austero dibujo y la composición arquitectónica se combinan. 

“Predicación de San Marcos en Alejandría”. 1.504-1.507 Pinacoteca de Brera.  Recibió este encargo de la cofradía veneciana del santo cuando contaba ya con setenta y cinco años, por lo que a su muerte, tres años más tarde, la tela estaba inacabada y fue su hermano menor, Giovanni quien se encargaría de terminarla. Puede decirse que la disposición general del cuadro corresponde a Gentille, mientras que a Giovanni corresponden algunos de los grupos de personajes, así como la figura del Santo, situada en una tribuna elevada.  Se aprecia la influencia de su viaje a la corte de Constantinopla. Mezcla de razas, crónica del esplendor de las fiestas. 
“Procesión de la Santa Cruz”. (1.496) Las figuras se ubican en un escenario arquitectónico típicamente veneciano, uniendo edificios bizantinos con italianos. Las pequeñas figuras pueblan toda la superficie, en una excelente radiografía de la sociedad veneciana. La perspectiva es menos cuidada que la iluminación y el colorido, bases de esta escuela que desarrollarán durante el Cinquecento los maestros los maestros Tiziano y Tintoretto.
“Milagro de la Cruz caida en el canal de San Lorenzo”: Academia de Venecia

ESCUELA DE VENECIA.
CARPACCIO Vittore.
Trabaja para las cofradías para las que hace ciclos, de los cuales, el más importante, es el dedicado a Santa Ursula (inspirado en la leyenda de la hija del rey de Bretaña solicitada por el hijo del rey de Inglaterra). Su pintura se acerca a Gentlle Bellini en el aspecto narrativo y a Antonello da Messina en el gusto por el detalle.

“Sueño de Santa Ursula” Academia de Venecia. 1.495. Una de las telas pertenecientes a un ciclo pictórico dedicado a la vida de Santa Ursula. Este lienzo, por la temática, le obliga a renunciar a los grandilocuentes escenarios de paisaje. La escena tiene el decorado de interior palaciego, que describe con tal minuciosidad que el cuadro resulta ser un interesante testimonio de la intimidad doméstica donde el milagro adquiere un tono cotidiano. La santa reposa en un lecho dispuesto sobre un estrado y cubierto por un airoso baldaquino. Sus zapatillas aparecen sobre la alfombra. Al fondo de la estancia existe una mesa con libros y un reloj de arena, así como una estantería conteniendo otros volúmenes. Acoge este escenario la figura de un ángel, con el que entra en el dormitorio una dorada claridad. Por medio de este sueño conocerá Santa Ursula, en vísperas de su peregrinación a Roma, el destino de mártir que le está reservado. 

“Joven caballero en un paisaje” 1510 . Thyssen-Bornemisza. No se sabe a quien  retrata, pero se sabe que se trata de hombre culto e inteligente, como lo demuestran la multitud de símbolos que acompañan al personaje y cuyo significado él conocería bien, así como que se trata de un guerrero, un experto militar que domina la ciencia de la guerra, encarnando armónicamente el encuentro de las armas y las letras. El carácter narrativo de este retrato, que hay que recorrer con la mirada para apreciar todos y cada uno de los detalles que acompañan al personaje, desapareció pronto de los retratos italianos, que tendieron a concentrar en pocos elementos los símbolos que debían definir al retratado.