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  Guías culturales

LA ESCULTURA EN CEMENTO EN CUBA, PUERTO RICO Y MÉXICO

Eduardo Planchart Licea
eduardoplanchart@yahoo.es

CUBA:

En Cuba la escultura monumental en ferrocemento o cemento armado, se ha desarrollado en varias direcciones, y se debe enparte, al anhelo de experimentar con materiales propios de la contemporaneidad, pero también por el concepto de escultura ambiental surgido a raíz de los años setenta que integra la arquitectura a la escultura como medios complementarios que se necesitan mutuamente, para lograr el disfrute de los espacio públicos. De estageneración de escultores, Rita Longa ocupa un lugar fundamental, con sus complejos escultóricos ligados a la recuperación delsincretismo cultural cubano y a una figuración estilizada, plena de poder. Otra causa más reciente de la expansión de la escultura en cemento armado, llamado en Cuba ferrocemento fundido, lo ha provocado elauge de centro recreacionales y la construcción de una infraestructura turística, que ha exigido la creación de esculturas monumentales y ambientales, procesoen el que están involucrados unageneración de escultorres jóvenes comoRegis Soler y Nelson Falcón.

José Villa Soberón (1950) ha sido junto a Rita Longo creadores de muchos de las esculturasemblemáticas de la Cuba que nace en los años sesenta. Columna(1996)es una de las esculturas ambientales más recientes de José Villa (1950)creada en hormigón armadoa raíz de un simposio de escultura en México. En esta pieza se presentan los elementos quecaracterizan su lenguaje escultórico, comola abstracción, la verticalidad y transmitir liviandad al hormigón a traves del tallado o de añadir formas triangulares horizontales en la parte superior de la escultura, recurso que también emplea en otras piezas realizadas diversos tipos de piedra. La pieza de Villa de Chivacoa(1985),forma un complejo escultórico de gran formato, donde se evidencia su gusto por la geometría y la tensión que genera al enfrentar estasestructuras abiertas al espacio, presentando una vinculación con la obra de Eduardo Chillida.Estos recursos se presentan también en la plaza de Guantánamo (1985). Considera que la escultura ha superado sus limitaciones al empezar a emplear los materiales propios de la contemporaneidad.

Lo que limitó anteriormente a la escultura fue el prejuicio sobre el uso de materiales no clásicos. Y gusta de experimentar con nuevos materiales.

Entre las últimas esculturasfundidas en ferrocemento, se encuentraMemorial a inmigrantes árabes (1998), creada por Rafael Consuegra (1957);figuraciónosada que capta la solaridaridad como gestoennoblecedor de la humanidad. Representa a hombres y mujeres entrelazados, como gesto simbólico del enriquecimiento cultural y espiritual que significó la inmigración árabe a Cuba. Los elementos presentes en esta esculturase evidencian también en la Esculturaambiental (1992), obra monumental,de casi cuatro metro de altura, donde la forma la huella de la gravedad, formas salientes y entrantes creadoras de una figuración arquetipal, que tienen su paralelo, en el lenguaje escultórico de Henry Moore.

Utilizo las figuras entrelazadas, fundidas en algunas partes a manera de que se pierdan los volúmenes de una en otra, en una fusión tanto material como espiritual para conferirle la fuerza expresiva deseada.

Los montajes escenográficos son otra línea plástica que ha desarrollado Rafael Consuegra. En ellos sincretiza la cultura afrocubana con lacatólica, alunir en un mismo discurso escultórico el retabloy el totém; sus climas rituales, son ecos de su propiamitología creativa. “Partó de una teatralización de lavida, que está inherente en el arte barroco”, ha comentado el artista.

Entre los atractivos del cemento para Regis Soler (1962) se encuentra su impronta: “Una de las cosas que mas me a gustado es la impronta que queda de él en su proceso constructivo, peronome gusta dejarlocompletamente a la casualidad. La resina la uso para acentuar las texturas del cemento”, ha dicho este escultor.

La medievalización de la contemporaneidad es un tema que ha sido tratado por diversos intelectuales. Umberto Eco, por ejemplo que lo ha presentado tanto en reconstrucciones novelescas como El nombre de la rosa como en innumerables ensayos. En la novela, llevada exitosamente al cine, el autor nos transmite el autorese clima de opresión espiritual e intelectual que se respiró en ciertos períodos de esa edad oscura,perotambiénes una proyección de los procesos internos del individuo, cuando es dominado por su inconsciente y por los hechizos o represionesde la realidad externa.La laberíntica biblioteca donde se escondíael hipotético tomo de la comedia de Aristóteles sobre la risa, es una metáfora de nuestros castillos interiores y de las iluminaciones que nos lleva eladentrarnosen ellos. Regis Solerse enfrentó a ellos,exteriorizándolosa través deesculturas plenas de fuerza,haciendo que los materiales revelaran su esencialidad plástica.De esa lucha interior brotaun lenguaje escultórico, fundamentadoen los artefactos bélicos delmedievo, como un víaqueexorciza las latencias de nuestra interioridad.

Hace algún tiempo creí padecer un mal incurable, y, buscando un antídoto, tuve un día la visón de objetos bélicos. Cada uno de ellos fue sacando avatares que me fustigaban, visualizados,de alguna manera respiraban una atmósferamedieval, desollando la psiquis y poniendo al descubierto el mundo subjetivo, lleno de prejuicios, frustraciones, desencantos, anhelos, convicciones, virtudes y defectos, marcado por la huella que ha dejado el medio social.

En la exposiciónLa fortaleza traslúcida (1995), que recopilasu obra de varios años,hay esculturas como como Autocontrol(1995)está estructuradaen madera,con un predominio de lo angular,y vinculadaformalmente conlos arietes, que se muta en metáfora del golpe interior que nos lleve al conocimiento de sí. Es claro que predominavisualmentetoda la carga simbólicay constructiva. Las superficies son recubiertas con cemento blanco, mineralizando las texturas de madera, las capas de resina mateaíslan las texturas del espectador. Se crea una sensación de ruptura temporal y espacial. Sin embargo no todo en esta serie nos lleva a esa violencia medieval, sino también se manifiesta un discurso simbólico a través del acercamiento a la fortaleza como resguardo interior, como respuesta a la agresividad exterior. La fortaleza es un símbolo de isla, yresguardado en sí mismo. Este clima se presenta en la escultura de gran formatoEvitar el fin (1993), donde la noción de muroes trasgredida al plasmar en él tensiones de la gravedad. Los planos de texturas yla cromática que emana poder ylos pedazosde madera incrustados en su parte posterior, crean una tensión visual de ataque, reforzado por los arietes y flechas metalizadas de la parte posterior.Estamos ante una fortaleza a punto de derrumbarse,sostenida sóloen su poder interior. El cemento se ha convertido, nuevamente, en un elemento protágonico, pues no sólo estamos ante elmurorecubierto por resina mate para acentuar la riqueza textural, sino que lo lleva a un primer plano.

Malos recuerdos II (1993) el artista retornaalclima bélico del Medievo con el lenguaje plástico propio del arte povera,combinandomaterialescomo la madera, el acero, la resina, la soga y el cemento de varios tipos. El círculo de cemento es el centro visual de la pieza, sobre el que se erigentroncos de maderaamarrados a un eje central, transmitiendouna fuerte carga expresiva a la pieza, que se continúa con un cono de metal que refuerza el carácter de encerramiento interior que transpira la pieza,generando un ambiente inquisitorial. Obsesión (1990),nos devela una propuesta que ennoblece los materiales al no buscar una estética complaciente, sino comunicativa, haciendo de las formas y los materiales eco del tormentoso mundo interior, que palpita en el ser humano. Círculos de lámina de acero, madera, amarre orgánicos, clavos y un semicírculo de cemento abierto en forma de boca encadenada, transmiten un clima de angustia y de asfixia interior y exterior.

Busco transmitir la idea de que todo ser humana tiene su parte buena y su parte mala, la parte mala es el cemento con estos elementos punzantes, y la otra es la piel que es la parte mas suave, comprensiva del ser humano.

En uno de sus últimos proyectos escultóricos de gran formato,actualmente en proceso de construcción en Villa de los Pinos, Regis Soler crea una geometría constructivista. Con el cemento armadoplasma contenidos emocionales a las aristas queentran ysalen de la forma geométrica. Es este uno de los rasgos que caracterizan su lenguaje, mutar la materia y el espacio en eco de alma.

Estamos ante una propuesta universal, quedialoga con nuestros temores, angustias y alegríasevadiendo la figuración y suobviedad. Es éste uno de los grandes aportes de Regis Soler, quien ha mutado el Caribe en grito del alma y solidaridad, sentido que se hace presente desdesus primeras escultórico como A ellos(1992).

Néstor Falcón (1958) evita la figuración en su lenguaje escultórico, pues conviertela ambigüedad formal en un recurso para que el espectador asuma una actitud ante el arte, al proyectar en él sus contenidos inconscientes.

Me gusta la forma geométrica, me encanta el diseño,un diseño que te pueden sugerir muchas cosas. Te puede sugerir un estado de ánimo o una forma determinada, cada cual se imagina lo que quiera, me gusta la línea curva y lo triangular [...] Para mí la escultura no essolamente elconcepto, sino la relación entre los conceptual y lo formal,trato de unir la abstracción con lo orgánico, pero que sugiera. No me gusta el espectador pasivo, sinoque el espectador participe en la obra, haciéndole sentir como ser humano que está hechopara él. No deseo solamente que se diga que es bella la escultura, sino busco la estética como diálogo con el otro.

Unos de los problemas plásticos que se planteaen sus esculturas, es el reciclamiento de los materiales que usa. De esta manera ha creado muchaspiezas efímeras, que tras ser terminadaslos materiales que la integraban retornan a sus lugares de origen. El concepto que sustenta este lenguaje es evidenciar en términos estéticos el deterioro de Cuba, debido a la falta de materiales constructivos.

Se hizo una exposición criticando el deterioro en que tenemos la ciudad y con esa imagen esa una exposición personal de pintura y escultura con diversos materiales que después reintegre a la calle. Tiene inclusoanimales disecados. Son efimeras, el que las quiera se las regalo. Pero las veomuy humanas. Es aplicar tradiciones y técnicas milearias en una obra de arte.

En su lenguajes escultórico de los años noventa ha transmitido organicidad al cemento con diversos tratamientos. En piezas de gran formato como La mariposa (1992), ubicada en el hotel Copacabana, en La Habana, el material se rebela a sus formas y técnicas constructivas, mutándose enjuegos envolventesentre la verticalidad y la horizontalidad;el peso y opacidad del material son burlados. Este lenguaje se manifiesta con mayor libertad en piezas como Naturaleza viva (1992), del hotel Copacabana, donde la forma pétrea del material asumeun carácter vegetaly detransformación, recordándonos que somos naturaleza viva. Falcón logra crear texturas que vitalizan la escultura,sentido que se acentúaal añadir pigmento al cemento, asumiendo un nuevo discurso, donde se rescate el carácter pictórico de la escultura.

A mí no me interesa que el cemento parezca piedra, sino que conserve una suavidad que es natural a su textura. No deseo confundir a la gente.Tengo una gran influencia,inevitable de Henry Moore, quizás a partir de que comienzo a trabajar el ferrocemento, pues me ha dado esa posibilidad, de lo curvo. Tengo una influencia de la abstracción del punto de vista del diseño.

Estamos ante formas que nacen a partir de sí, con un carácer totémico y de expansión, a través del movimiento potencial de la formas que se despliegan sobre un eje central, a diferencia de Mariposa, donde la verticalidad se transforma en horizontalidad al replegarse el volumengenerando giros matéricos, que atrapan el espacio entre sus texturas.Este econjunto escultórico parece nacer del agua, y al encontrarse rodeado de piedras, crea un diálogo entre las texturas de loartificial con lo natural.Nace un paisajismo donde se confronta la abstracción orgánicadel complejo escultórico con la erosión del mar sobre las rocas marinas, que generan patrones visuales, lejanos a cualquier geometría dominada por la razón analítica

Nelsón Falcón no evita darle quelo escultórico asumacarácter utilitario, tal como ocurre en la bases para las mesas de cristal del hotel Rincón Francés, en Varadero, donde el carácter escultórico da independencia estética a lo que deberían ser las bases de una mesas, pero la fuerza estética muta su funcionalidada cada una de ellas. Al darle a cada piezadiversos tratamientos formales,tallado, al ligado,moldeadoycincelado,la horizontalidad del vidrio se poneen función de lo escultórico, pues este tratamiento le confiere fuerza a los volúmenes escultóricos. Es un claro ejemplo de la versatilidad del artista, que asumeretos plásticos para crear un lenguaje a través del ferrocemento. El relieve del Viejo y el mar (1992), creado en ferrocemento policromado, semanifiesta la fuerza y el vigor que transmite al material al transformarlo en un discuros pictórico, donde asume un carácter postimpresionista, puesmuta el cementopigmentado, trabajado con espátulas en huellas cromáticas convertirdas en mar, brisa, bote,caleidoscopio pleno de expresividad.

PUERTO RICO:

Uno de los aspectos que destacan dela esculturaen Puerto Rico es el predominio de este material, enellas el cemento se rebela a su condición para mostrar su nobleza y plasticidad.Una pregunta a hacerse es por qué se han creado lenguajes escultóricos fundamentados en el cemento y el hormigón en Puerto Rico. Creo que esto se debe al hecho de queestamos ante una isla en plena expansión constructiva, donde el cambio acelerado de la arquitectura contemporáneo está dando un nuevo perfil de la isla,desplazando la visión tradicional del Viejo San Juan vinculado a una arquitectura colonial para dar paso a una ciudad cosmopolita. Han comenzado a surgir a lo largo de la islainnumerablescentros urbanísticos, que hacen del hormigón un material cotidiano que reta la rigidez formal. Esto, aunado al hecho de que en Puerto Rico se fábricacemento, facilita el acceso al material, lo cual no ocurre con el acero u otros tipos de piedrasimportados. Al descubiertose ve en estematerial su maleabilidadplástica, suaccesibilidad y su carácter noble en términos estéticos. Seleccionamos entre diversas propuestas, treslenguajesescultóricas fundamentados en el cemento: Dhara Rivera, Ana Rosa Rivera Marrero y Carlos Rivera Villafañe. Cada uno de estos artistas hace del material unlenguaje personal, que va de la trampa visual, a los problemas de la mujer contemporánea yla violencia. En las tres propuestasseleccionadas el cemento manifiesta direcciones plásticos completamente diferentes. Estamos antes tres posiciones contrapuestas sobre el material y sus contenidos conceptuales y simbólicos.

Dhara Rivera,presenta en su obra diversostratamientos plásticos. En todas ellas se plantea la revalorización delobjeto encontrado mutado en obra de arte;no estamos ante objetos encontrados, sino ante obras que se inspiran en ellos, quedesean hacer retornar nuestra atención a ese universo objetual en que vivimos inmerso. Así surgen acumulaciones de botellas encontradas, originalmente de vidrio. No estamos ante cualquier frasco sino ante pedazos de vida impresos en el universo cotidiano que los rodea. Dhara Rivera eterniza ese instante, al transformar el vidrio en cemento, utilizando la técnica del molde en yesorelleno con cemento. Estas acumulaciones objetuales crean un paisajismo que rompe con lo conocido, para ir creando su propio tiempo y espacio.Al ubicarlos en anaqueles, acumula recuerdos atrapados entreformasde cemento. Con juegos de luces la artistaes capazdetransmitir a esta propuestauna nueva vida, asumiendo connotaciones de misterio, sacralizando la materia que llega al extremo de convertirse en ciudades de objetos, donde recupera la vida propia de cada una de ellos y nos recuerda, sin ánimos ecologistas, las montañas de objetos que se van acumulando día a día en nuestras ciudades.

En sus cortinas de metal y cemento,la artista crea juegos humorísticos, aldejar que ositos, que pendan de cadenas. Estamos ante trampas visuales y sensoriales, puescuando nos acercamos a ellos y los tocamos nos enfrentamos al hechode que son superficies ásperas, duras y pesadas, hechos en cemento fraguado en telas, técnica que transmite a estos volúmeneslos pliegues de sus miembros. A algunos les da color, pero en su mayoría les deja la cromática propia del cemento. Estamos ante climas plenos de ironía que se crean al enfrentar al público ante elementos lúdicos encadenados, aprisionados y heridos con fragmentos de vidrio. Dhara Rivera nosconfronta a la pérdida de la dimensión lúdicas en nuestraexistencia, y el cemento es el vehículo conceptual para transmitir esta verdad.

Ana Rosa Rivera, por su lado, ha trabajado desde hace varios años el tema de la columna en cemento comogeneradora de un discurso estético kitsch, que ignoramos pero que invade nuestrasvidas. De ahí que intervenga las columnas queencofra y fragua y para no trucar este elementoles transmitecolor ylo talla, para darlesignificacionesque les restituyan la función y la graciaque tuvieron en otros momentos históricos. Esta propuesta fue derivando hacia contenidos culturales y eróticos, dondedenuncia a la mujer objeto de mercancía, como eje de un mercado de deseos inconfesos. Esto lo logra al crear esculturas vaciada en cemento, centradas en las áreaseróticas del cuerpo humano, como los senos y el vientre, paradójicamente lugares de donde brota,se desarrolla y se alimenta la vida de la vida. Al serializar estos corpillos y encerrarlos en escaparates, transmite un clima intimista que nos lanza a los lugares espaciales deeste comercio de la carne, habitáculos escondidos donde la humanidad se devora a sí misma, denunciando, así, la doble moral que permite la existencia del prostíbulo. La artista crea una propuesta conceptual que logra su objetivo, mostrar una realidad que debe cambiar. Pero no se quedaatrapada en este instante,integra esta muestra a su propuesta anterior fundamentada en la columna. Con estos corpillos de cemento, serializados unos al lado del otros, encima de columnas de madera, les daun contenido conceptual diferente: los senos que rellenarían loscorpillos se encuentran vacíos,signothanático delrobo ala vida que significa el convertir la unión amorosa enfútil mercancía.

Carlos Rivera,nos confronta a lolúdico,nos enfrenta no a la pérdida de una dimensión, sino a su manipulación, a su conversión en una dimensión no liberadora del ser humano, sino en la castración de sus capacidades imaginativas y socializantes.

Los juegosque la sociedad postecnológica crea para los niños y adolescentes, se caracterizan por ser juegos de guerra, que los preparan a la aceptación de la muerte y la venganza como un hecho cotidiano. En Estados Unidos, 1998 fue un año nefasto en este sentido,el planeta entero se lleno de estuporcuando se dieron varios casos de niños, masacrados sin ninguna compasión por sus compañeros. Estamos antela denuncia de un hecho, que se puede convertir en un boomerang para nuestra civilización postindustrial: plantea la urgencia de crear una civilización y una educación para la paz y la cooperación.

La respuesta del artista ante esta realidad, es la de enterrarconceptualmente los elementos creadores de esta agresividad en bloques rectangulares de cemento. Formanada casual, que hace relación directa al televisor como eje emisor de los patrones culturales e ideológicos quesiembran en laconciencia de los niños y adolescentes del mundo la violencia y el crimen como divertimento y, por tanto, como modo de vida. Así,la violencia y el submundo queemite diariamente es el gancho para tener a las generaciones del futuroinmersas en esta realidaddestrutora del futuro. Pero también estamos ante la crítica de los videojuegosde guerra, que son uno de las fuentespredilectas de las compañías de entretenimiento para dominar el mercado, al crear armas de juguetes y juegos de videos donde la violencia es el ingrediente fundamental. La pregunta sería: ¿cómo un artista logra transmitir estas ideas a través del cemento y el plástico? En términos visuales, el discurso es directo, en rectángulos simbólicos de cemento siembra armas de juguetes, ubicadas serialmente sobre paredes blancas paraenfrentarnos al hecho de que nuestra civilización sin percatarse esta sacralizando la violencia y el crimen. Otra vía es utilizar los tuberías de cemento para llenarlas de armas de juguetes, es el mensaje final,urgente llamado a terminar con una cultura de la violencia y crear una civilización para la paz. De no ser así, toda la tecnología con que tanto nos ufanamos traerá a la humanidadnuevas tragedias. De esta manera, el cemento exorciza el futuro y plantea una utopía, en el siglo del descreimiento. De esta manera nos enfrentamos ante trespropuestas que develan tres verdades y crean a su vez un lenguaje plástico del cemento en el Caribe.

 

MEXICO:

Las artesmexicanasno se desligan fácilmente de la tradiciónculturaldel país,por eso esinconcebible pensar en artistas como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Felipe Ehrenberg, Luis Galán o artistas más recientes como Gerardo Sutter o Manuel Velázquez que no tengan como referenteen su universo plástico tanto el arte mesoamericano como los sincretismos que han surgido de él. Lo contemporáneo se fusiona, así, con la tradición creando unlenguaje plástico pleno de originalidad y raigambre. En el caso de los tres artistasseleccionados que trabajan el cemento en sus propuestas plásticas, dos de ellos no escapan a esta influencia. Destaca la posición y la recreación del lenguaje plástico de Xawery Wolski en sus esculturas in situ, inspiradas en las estelas prehispánicas, donderecupera técnicas tradicionales para trabajar el cemento armado, tal como se plasma en las trece Estelas, de 1997.

Fusiona, de esta manera, una forma tradicional como es la verticalidad de la estela junto asu sacralidad, pues este árbol pétreo es memorialabrada en caliza. PeroXawery Wolski las recrea a través de un tratamiento plástico contemporáneo, al ejecutarlas con técnicas y materiales constructivos contemporáneos y transmitirles expresividad acada piezacon el trabajode sus superficies,da nacimiento a un alfabeto personal que hace de cada una de las trece estelas, una escultura particular. Los pulmones del barranco(1994), es una escultura de gran formatode cemento armado, que transmite organicidad al material y da un concepto al ambiente en que se enclava, recordando el diálogo entre la respiración del mar y la tierra. Lo curvo ylo vital dominan esta escultura, que muta lo pétreo en carne.

En 1994, inspirado por la luz, el espacio y la tradiciónescultórica de América Latina, mi trabajo cambio de color y comencé a utilizar diversos materiales, formas orgánicas, composiciones menos rigurosas.

Estamos ante un anhelo consciente de crear un paralelo entre el pasado, el presente y el futuro, donde el arte con su carga premonitoria señala nuevos caminos a seguir, para establecer un diálogo con el futuro.

Deseo establecer un paralelo con culturas pasadas, sobre todo precolombinas, con la conceptualización y la realización de una escultura contemporánea, con el propósito de que le diálogo continúe en el tiempo.

Acercar al espectador a la obra a través de lasformas, las técnicas y los materiales que invaden su cotidianidad, ha sido uno de los medios utilizados porDiego Toledo para acercar el público al arte contemporáneo, de ahí que en obras como Almas (1992), Impala (1994), se encuentren presentes materiales como la madera, el látex, el acero, el cemento y las cornamentas; uniéndose, así, en un mismo discurso lo orgánico y lo tecnológico, asumiendoclimas donde lo racional y lo irracional se conjuganmaterializando el absurdo.

Existe una distancia muy grande en América Latina entre el arte contemporáneo y el público. Creo que está en mano de los creadores el aminorar esta distancia por lo que he intentado en mi trabajo, utilizar materiales que tienen significado (sensorial más que intelectual) común a toda la sociedad. Al mezclar estos materiales con formas reconocibles como fueron en un principio lo orgánico y lo tecnológico y ahora son las letras de las palabras, intento cuestionar los múltiples sentidos que pueden tener las formas y materiales que comúnmente nos rodean.

Estos rasgos dan un toque de ironía y humorque se aleja del surrealismo para acercarse alabsurdo que dominan en nuestras vidas. La tensiónentre estas dimensiones y la funcionalidad es rota, y el espectador se ve obligado a dejarse llevar por el discurso conceptualy la estética de la heterogeneidad formal,como metáfora de la tolerancia y del sincretismo cultural que ha dado nacimiento a lamexicanidad.

En el conjunto escultórico Impala, el cáracter mineral del cemento de la parte superior de la pieza,es negado, debido a los cuernos queinserta en ellos,transmitiéndole así organicidad a lo inorgánico. Estamos ante dos tipos de estructuras que cumplen la función de rocosidad estructurante, por un lado; y por otro, alo blando yla fragilidad del cemento. Por tanto, a pesar de la disparidad formal, ambos elementos son materiasestructurantes de la vida. Lo blando y flexible lorepresentael látex, discurso opuesto al anterior. Así, la obra se convierte en una conjunción de opuestos que generan diversas paradojas.El título de la obra, Impala, hace relación a un antílope africano que se caracteriza por tener cuernos finos y anillados en forma de lira, creando una contradicción lógica, pues se opone el marco significante de la palabra con la rigidez hierática de la pieza.

Tomando en cuenta que mi trabajo parte del lenguaje pictórico y no escultórico, la utilización de diversos materiales ha sido, o por sus propiedades físicas y o, por su significado conceptual como material en sí.

Los contenidos formales y conceptuales del conjunto escultórico y pictórico Almas, se fundamenta en la triada. Hablamos de lo pictórico, pues el artistase apoya en la cromática de losmateriales que utiliza, en lugar de neutralizarla. Nos enfrenta ante la tensiónvisual y conceptual de lo horizontal en oposición a lo vertical y a la inversión de planos, pues la columna de cemento armado y los tubos se ubican en la parte superior o area, y la estructura de madera liviana en la parte inferior. Estos juegos visuales no intentan engañar al público o esconder el material, sino, por el contrario, el artista mantiene la apariencia natural de cada uno de los elementos que introduce a la obra, ya sea cemento, acero, madera o látex.

El título de la pieza le da un rango animista al conjunto, donde se repite el recurso de la ornamentación, pero ya no de antílopes sinoaparentemente de chivos, animales que se vinculan a la tradición cultural y espiritual mexicana, pues estamos ante un mamífero que habita en los desiertos donde los huicholes realizan sus rituales mágico-religiosos, delacaza del venado.Por lo conceptualno niega la belleza formal, sino al contrario, desea confrontaral espectador a esos fragmentosde belleza que invaden sus vidas.

La esfera se ha convertido en el eje temático de la obra Yvonne Domenge, quien ha indagado en sus diversas acepciones plásticas y simbólicas. Estamos en muchas ocasiones ante trampas sensoriales, pues las obras son en ocasiones huecas. Estamos ante una técnica constructiva que ha asumido con reto y rigor, que atrapa el anhelo de perfección que se ha vinculado a la circunsferencia y todas las valencias simbólicas de lo curvo, no por azarla concepción ptolemaica del universo que domino durante siglos se impuso más por el esoterismo que rodeaba a esta forma geometrica, como imagen de la divinidad y la totalidad.

A veces hago la pieza original en madera o poliuretano y saco el molde para hacerlo en cemento. Otras veces recubro alambre de gallinero y utilizo el cemento aplicado manualmente.

La esfera se ha ido desarrollando hacia una geometría más compleja, donde las aristas y las entrantes han hecho que la pieza interactúen con mayor vigor con el espacioacercando la propuesta a formas naturales. Caracteriza simbólicamente los ciclos celestes y la expansión. Isamu Noguchi, en esculturas como Sol negro, (1961-62), ha utilizado el círculo, en una obra que se caracteriza por ser una obra eclecticista. Friederich Werhmann y Claire Falkenstein, han hecho uso de la circunferencia en su obra a través de diversos materiales metálicos para crear una especie de ensamblajes que permiten la transparenciade la obra, pero se pierde esa noción de perfección y puntualidad, pues estamos ante una forma que brota en términos místicos de la expansión de un punto en el espacio.

Busco la belleza y la armonía que hay en un cosmos ideal, donde cada pieza es única pero dentro del orden.

 


 

“Villa y la escultura ambiental”, Revolución y Cultura, La Habana, marzo, 1992; p. 29.

Testimonio, Rafael Consuegra, 1998.

Testimonio Regis Soler, 1995.

Testimonio, Regis Soler, 1998.

Testimonio, Nelsón Falcón, 1998.

Testimonio, Nelsón Falcón, 1998.

Testimonio, Nelsón Falcón, 1998.

Testimonio, Xawery Wolski, 1998.

Ibíd.

Testimonio, Diego Toledo, 1998.

Ibíd.

Testimonio, Yvonne Domenge, 1998.

Ibíd.

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