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  Guías culturales

LAURENT TIRARD: LECCIONES DE CINE

Jorge Peña Argibay
xurxopena@hotmail.com

a querer tanto a sus actores que se volvió sumamente celoso, ya que habían desarrollado una relación tan estrecha entre ellos creando una comunidad de la que él se sentía excluido.

Sautet crea un clima de confianza, para que el actor se ajuste a él más que al personaje, por otro lado, el actor que mira fijamente tiene más presencia que el actor que habla. Scorsese busca darles libertad, eso sí controlada, siempre pensando en los resultados que busca. Tim Burton sólo necesita saber si el actor se ajusta al papel, y lo hace siguiendo su propio instinto y coherencia. Para Wenders hay tantos métodos como actores, pero considera crucial elegir a los actores por lo que son. A Cronenberg le importa la comunicación entre director y actor y, la independencia de éste, ya que se interesa por el personaje, mientras que el director lo hace por el filme. Para Almodóvar la dirección de los actores es como una cosa totalmente personal, que implica ser capaz de escuchar a los demás, entenderlos y entenderse a sí mismo, es un ejemplo de lo que no puede enseñarse.

Llegamos a la tercera pregunta, que es, ¿Quiénes fueron a la escuela cinematográfica, quienes enseñan o no y, cuál es su visión sobre los aspectos teóricos?.

Pollack pasa de la interpretación al cine, centra su interés en las relaciones y es que son una metáfora de los demás aspectos de la vida. Boorman cree que la teoría es interesante pero sólo cuando está relacionada con el trabajo práctico. Lo más importante a enseñar es a ajustar de veras la duración del guión. Woody Allen ha recibido ofertas para enseñar pero no ha aceptado, excepción de una clase de Spike Lee, pero cree que no hay muchas cosas que enseñar, “o lo tienes o no lo tienes”. Bertolucci fue ayudante de Pier Paolo Passolini, considera más importante la práctica o ver muchas películas. Scorsese dio consejos como docente en la Universidad de columbia, lo fundamental es preguntarse si “tengo algo que decir” y, limitarse a un sentimiento o una emoción, con esto basta. A Jeunet no le importaría enseñar pero nunca le han llamado, sus orígenes están en la animación, recomienda pasar por ella antes de escribir. Tim Burton empezó en animación en Disney, poco a poco fue haciendo cortos por su cuenta antes de ser director. Cronenberg ha sido totalmente autodidacta, iba para escritor y acaba dirigiendo películas.

Avanzado el libro, el autor necesita saber si ¿Existe un lenguaje cinematográfico y cuál es la forma de trabajar de cada director? Para Claude Sautet la dirección depende de la relación física entre el cineasta y el plató que está filmando, por otro lado, filma las conversaciones en plano contraplano (le ayuda a crear incertidumbre entre los personajes), y aprovecha esta simplicidad para probar cosas del tipo, cambiar el ritmo, cambiar el tamaño de planos, filmar por encima del hombro o no, colocar espejos detrás de los actores y cosas así; Woody Allen rueda con una cámara y trata de rodar las escenas con una toma única, no monta hasta que no es preciso hacerlo y nunca rueda una escena desde un ángulo distinto; como no le gusta interrumpir el rodaje mientras filma en escena usa mucho el zoom para conseguir un primer plano, volver a un plano más amplio y seguir con un plano medio, a veces también usa la dolly; Almodóvar se centra en el texto, la interpretación de los actores y la elección del color principal (decorados, vestuario y tono general de la película); la decisión intuitiva, improvisada y accidental es lo que hace mágico el plató; últimamente ha empezado a utilizar don nuevos tipos de lentes (primarias) y, a rodar en pantalla ancha anamórfica. Wenders al principio hacia dibujos detallados como storyboards la noche antes del rodaje para llegar a plató y saber exactamente lo que quería hacer, de ahí pasó a encontrar la construcción en la acción; su gramática procede de Anthony mann y Nicholas Ray , se cree víctima de reglas dogmáticas contra las que lucha, así intenta usar el zoom y dos cámaras.

Scorsese usa el zoom pero sin excederse, en general le gustan los grandes angulares los de 25 mm y los más anchos, no se le dan bien los objetivos largos, bebe en las fuentes de Orson Welles, John Ford y Anthony Mann y, reconoce que es tradicional en el uso de planos de apertura, planos medios y primeros planos, que forman parte de la gramática cinematográfica. Cronenberg suele rodar una película entera con el mismo objetivo, no usa el zoom y prefiere mover la cámara porque le parece que físicamente le proyecta dentro del espacio del filme, cree que el cine es un lenguaje y que ningún lenguaje existe sin gramática. Es de agradecer la ausencia de cuestiones ideológicas que interrumpan ese suave fluir de ideas, de tintes muy diversos, tantos como el número de personalidades tan variado de directores al que se enfrenta el escritor. De esta forma logra el autor que pese a tratarse de personajes de incuestionable valía cinematográfica, no tengamos la sensación ásperade estar sentados delante de dioses o modelos de comportamiento. Sus ideas y experiencias forman una pequeña pero fundamental parcela en el microcosmos cinematográfico. Justifica el autor la caprichosa selección de directores fundamentándose en sus visitas a Paris, si bien parece transparentarse un gusto personal, que va más lejos de simples casualidades. Un proceso en el que se olvida de algún que otro director que a buen seguro completaría con buena nota esta obra.

 

 

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