4. LA PINTURA

4.1.- El lenguaje de la pintura barroca. 

El interés persuasivo de la iglesia y la monarquía y la valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo cotidiano determinan la principal cualidad de la pintura barroca: su vinculación a la realidad, que es también consecuencia de una evolución estilística, ya que, cuando en los últimos años del siglo XVI la justificación puramente estética y el consciente antinaturalismo del manierismo agotan sus cauces expresivos, los artistas barrocos  usan la novedad formal plasmando en sus obras aquello que el manierismo rechazaba: la realidad y la naturaleza. 

Debido al independiente desarrollo de las escuelas pictóricas no son muchas las notas comunes que caracterizan a la pintura barroca; señalamos las siguientes:

- Realismo. Se  buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización,  incluso llegando al  naturalismo, la preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos (dolor, alegría), etc. En no pocas ocasiones la luz se pone al servicio del realismo.
- Predominio del color sobre el dibujo.  En los grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas (Velázquez o Rembrandt).  Se pintan las cosas como se ven en la realidad, con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado. 
- Profundidad continua.  En el barroco se abandona el rigor de la perspectiva lineal, para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer término desmesurado, un primer término oscuro, juegos de luces, plasmación de efectos atmosféricos
- Hegemonía de la luz.  Se abandona el esfumato de Leonardo se pasa a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión.  El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y en correlación, la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz, y en algunas ocasiones las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
- Libertad en la composición, es decir composición asimétrica y atectónica. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico (composición tectónica).  Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco.  Esta composición atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior; a veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la tela.
- Preocupación por plasmar el movimiento.  La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas.  La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican. A veces este movimiento no existe y el exceso de quietud  y austeridad se debe relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia religiosa.
- Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleo y el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura sobre tabla casi se abandona. La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de las paredes.
- Temas.  Aquí es donde la multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas. 
- En cuanto a los temas religiosos  abundan la representaciones de la Virgen, como Inmaculada Concepción, la Piedad, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los santos y sus experiencias religiosas, la visión de la muerte. 
- El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías. 
- La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes. 
- Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como, escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas navales, etc. 
- También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas.

4.2.- La pintura italiana: naturalismo, clasicismo y barroco decorativo.

Miguel Angel Merisi, il Caravaggio, (1573-1610):

Introdujo una profunda revolución en la pintura italiana del XVII.  Dos son las características básicas de su obra, el naturalismo , rechazó los ideales clásicos; cuando pintaba una escena de tipo religioso, introducía en los cuadros lo vulgar, las escenas, a la gente corriente, sin ningún tipo de idealización.  En segundo lugar, el tenebrismo,  para acentuar el realismo, realza sus figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre el fondo oscuro, la luz no se difunde suavemente, sino que surge de un vano lateral y cae sobre las figuras, sobre la escena, delimitando claramente las formas iluminadas en las que los colores son vivos e intensos y las zonas oscuras. 

El tratamiento de los temas religiosos, como escenas cotidianas, con toda su vulgaridad, hizo que en algunos casos sus obras no fuesen bien aceptadas, producían la sensación de falta de respeto hacia el tema y los personajes representados. 

En su formación aparece la influencia de las escuelas de Lombardía y Venecia, por la intensidad de su colorido y la preocupación por el dominio de la luz, de esta primera etapa en la Huida a Egipto y el Baco. 

Los cuadros que pintó para San Luis de los Franceses: San Mateo, la Vocación de San Mateo, , y el Martirio (1599-1602), el primero debió rehacerlo por considerarlo poco adecuado, en el cuadro La Vocación de S. Mateo, Cristo y un apóstol se acercan desde la derecha, Mateo, el recaudador, está sentado junto a unos amigos y parece ser el único en comprender que Cristo se dirige a él . El brazo extendido de Jesús parece estar a una gran distancia, pero existe una corriente psicológica, casi tangible, que fluye de Cristo al recaudador.  La atención se concentra en la mano de Cristo, que evoca la de Dios Padre de Michelangelo en la Sixtina, y que resalta entre el movimiento de avance del apóstol y el del caballero que, de espaldas, se encuentra en primer plano.  La intensa luz diagonal acentúa las expresiones faciales y desataca sólo los elementos esenciales, reforzando la corriente psicológica que parte de la mano de Cristo y nos sugiere el triunfo de la luz sobre las tinieblas espirituales,  el cuidado repertorio de horizontales y verticales (ventanas, línea de cabezas de Mateo y compañeros) y su contraste con las diagonales secundarias (espada y piernas de los caballeros), y todo ello, resaltado por una luz focal.

Los cuadros de la iglesia de Santa  María del Popolo (1600-01), la Crucifixión de San Pedro, , en la que S. Pedro destaca sobre un fondo oscuro, rodeado de tres esbirros que alzan la cruz sobre la que está clavado, y la Conversión de San Pablo, , en la que San Pablo tendido en el suelo alza sus manos hacia el cielo, formando un semicírculo que ocupa la parte baja del cuadro, y que se continua con el cuerpo del caballo que ocupa la parte superior. 

 De 1604, es el Santo Entierro de Cristo, y la Muerte de la Virgen (1605-06), , en la que utilizó como modelo para la Virgen a una mujer que había muerto ahogada en el Tiber.

 Fuera del género religioso, el más abundante, merece la pena señalar los retratos de Paulo V y el del Caballero de Wignacourt, así como el Baco joven dentro del género mitológico y Canasta de frutas dentro del bodegón.

Fue un rebelde, de vida muy tormentosa y carácter difícil. Debió  exiliarse de Roma por haber apuñalado a un hombre, se refugió en Malta, de donde también debió salir huyendo.  Perseguido a atacado por sus enemigos, murió en una playa al norte de Roma, en  cuando solo contaba treinta y siete años de edad. 

Los Carraci, formaron una academia de pintura en Bolonia, donde afirman que la creación pictórica debe seguir unas normas fijas, estas normas proceden de las enseñanzas de grandes   pintores renacentistas: Miguel Angel, Rafael, Leonardo, del Correggio, de la escuela veneciana. Se trata pues de un eclecticismo que  permita la expresión de un realismo idealizado, que busca la belleza ideal, que matiza la realidad, que expone las cosas no como son sino como deberían ser; esta corriente tuvo una gran acogida entre los medios eclesiásticos que rechazaban el naturalismo de Caravaggio por sacrílego y entre los medios intelectuales porque resucitan las posibilidades del mundo clasicismo mitológico y alegórico. La naturaleza por la que se interesan los Carraci, es una naturaleza ordenada, un paisaje bello, sereno y equilibrado.

Aníbal (1560-1609),  su hermano Agustín (1557-1602) y su primo Luis (1555-1619). De los tres el más dotado es Aníbal, comenzó su formación en el manierismo tardío que abandona por la influencia de los Bassano, de Correggio, de Tiziano, del Veronés, de Miguel Angel y de Rafael. La mesura y la ponderación, el análisis de los sentimientos y expresiones, la serenidad y la majestuosidad de los modelos, la elegancia en la composición y el rico colorido caracterizan sus obras.

 Entre sus temas religiosos está la Asunción (1587) y Quo vadis, Domine? (1602)  representa el pasaje en el que según la tradición, años después de la crucifixión, Cristo se le aparece a Pedro cuando éste huía de su posible martirio, portando una cruz para asumir El, en vez de su apóstol, de nuevo el martirio.  La pintura muestra a Cristo, cruz al hombro, corona de espinas y marcas en los pies.  Su bello cuerpo, visto de frente, resulta monumental y contrasta con la brusquedad de la cruz echada hacia delante.  El cuerpo, cálido y natural y de gran movimiento, transmite su ritmo al manto del costado izquierdo de la silueta. la luz, que entra por la izquierda, crea un interesante contraste.  El perfil de  Pedro contrasta con el suave rostro de Cristo y la línea diagonal de su manto repite la diagonal de la cruz.  Las figuras aparecen contenidas dentro del marco con ayuda de las arquitecturas que aparecen a derecha e izquierda.  El paisaje se despliega en capas horizontales hasta un horizonte interrumpido por la cabeza de Cristo.

 La decoración de las bóvedas y paredes del Palacio Farnesio (1597-1604), de género mitológico, en el techo dispone una serie de escenas independientes  y sin deformación de perspectiva, en las que desarrolla los amores de los dioses, con un sentido moralizante desarrolla el triunfo del amor divino sobre el profano.

 Desarrolló también un tipo de paisaje clásico, ordenado, sereno, armónico, en el que con pequeñas figuras desarrolla escenas bíblicas, Huida a Egipto (1604).

 A continuación en este cuadro se exponen las características básicas de estas dos corrientes.
 

CORRIENTE NATURALISTA Caravaggio	CORRIENTE CLASICISTA Carraci
Inspiración en la realidad	Reacción contra los excesos manieristas
Utilización de modelos reales, generalmente de personas de aspecto rústico	Creación de modelos para la representación de pinturas mitológicas
Representación de lo deforme y el dolor	Representación de una realidad idealizada
Importancia del claroscuro, tenebrismo	Colorido de influencia veneciana
Empleo de la luz artificial e intencionada para resaltar las formas más  significativas	Temas populares y religiosos
Dramatismo y violencia	Composiciones ordenadas y elegantes de herencia renacentista
Técnica de óleo sobre lienzo	Empleo de la técnica del fresco

Pintura decorativa:

Se desarrolla  a lo largo del S XVII, la paredes y techos de iglesias y palacios  se cubren de pinturas, impulsadas por la Iglesias y la Aristocracia, con la finalidad de impresionar y envolver al espectador, convenciéndolo de la grandiosidad, veracidad y legitimidad del poder que representa.

Las características fundamentales  de esta corriente son:

• Decoración de bóvedas y muros.
• Perspectivas ilusionistas y escenográficas integradas en la arquitectura.
• Movimiento de figuras en vuelo en cielos abiertos.
• Ilusionismo y teatralidad.
• Gran riqueza cromática.

Pietro da Cortona (1596-1669): Además de arquitecto, es el creador de este ilusionismo decorativo,  recibe influencias de los Carraci, del Veronés, del Correggio y de la escuela flamenca. Decoró las bóvedas de los palacio Barberini y Pamphili de Roma y el palacio Pitti de Florencia.

Andrea Pozzo (1642-1709): Jesuíta, su obra maestra es la decoración de la bóveda de la Iglesia de San Ignacio de Roma, con la representación del Triunfo de San Ignacio, en ella finge una arquitectura que prolonga los elementos arquitectónicos reales, incluso simula una gran cúpula que no existe, creando unos extraordinarios efectos de ilusión óptica.