Ángel músico - Il Rosso Fiorentino (c. 1520)

Si observamos algunos ejemplos de pintura sobre tabla que cuelgan en diferentes museos de arte y colecciones, observaremos que presentan diferentes tamaños y propósitos. Algunas de ellas formaban parte de retablos. Otras fueron pintadas para el uso y disfrute de clientes concretos. Lo que tienen todas en común es que fueron pintadas con temple de huevo sobre tabla de madera. Este hecho es importante, porque en la Italia del siglo XV, la mayoría de las obras se pintaban al fresco.

En muchas de ellas observaremos que se usa el color azul ultramar, que es el más puro y fuerte de todos los azules. Este color se obtenía moliendo lapislázuli, que era más caro que el oro y muy difícil de preparar. A cambio, su gran calidad y duradero brillo compensaban su alto precio. Este color se guardaba para personajes nobles o para la virgen, que quedaban así honrados.

La técnica del temple al huevo había sido usada durante siglos. La técnica de la pintura al óleo todavía se encontraba en fase de ser descubierta. Los pintores de la época trabajaban en talleres artesanales que funcionaban sujetos a una estricta jerarquía. Y si conocemos esta técnica tan antigua, es porque nos ha llegado un libro escrito por Cennino Cennini, El libro del Arte, que explica todos sus pormenores. Su veracidad ha podido comprobarse con análisis científicos de las obras —rayos X, microscopios, etc—.

Madonna de Pontassieve Fra Angelico (1395-145)

El soporte de este tipo de pinturas solía ser una tabla de madera de álamo, árbol muy común en la Italia del siglo XV. El primer paso consistía en cepillar la madera para eliminar las rugosidades. A continuación, se encolaba el marco. Han sobrevivido muy pocos marcos originales, la mayoría de los que cuelgan en los museos son marcos del siglo XIX.

Para preparar la tabla de manera que permita ser pintada, se daba una capa diluida de cola de retazo. Las uniones de la tabla se podían reforzar con lino encolado.

A continuación, se daba una capa de yeso, que debía ser mezclado con cola de animal o de pergamino. Lo mejor era dar dos capas: la primera de yeso grueso, que debía rasparse una vez seco, y la segunda de yeso sutil. El yeso debía aplicarse con pincel. Esta segunda capa debía ser de consistencia muy fina. Podían darse hasta ocho capas, y lo mejor era aplicarlas todas durante el mismo día.

Una vez preparada la tela, se podía dibujar en el yeso. El material utilizado era el carbón. En el caso de cometerse errores, se podían borrar limpiando el carboncillo con una pluma. Cuando el dibujo estaba hecho, se debía fijar pasando un pincel pequeño cargado de tinta sobre el perfil. Para pasar el dibujo a tabla, se solía utilizar la técnica del horadamiento. Se hacía un dibujo sobre papel y se colocaba encima de la tabla. Con un punzón, se agujereaban los contornos del dibujo, y después se metía tinta o carboncillo por los agujeros. A continuación, sólo hacía falta unir los puntos para obtener una copia del dibujo original.

Lo que debía hacerse a continuación era preparar las partes que se querían dorar. Debían prepararse con bolo —arcilla arenosa que da al oro un color rico y cálido—, ya que las láminas de pan de oro son excesivamente finas. El pan de oro debía cortarse según el tamaño deseado. Después se humedecía el bolo con agua, se cogía el oro con un pincel de dorar y se colocaba sobre el bolo. Posteriormente, debía bruñirse con una ágata pulida y lisa, o con otra piedra pulida, para obtener un acabado brillante. El oro se puede decorar con líneas —fileteados y repujados—, pero nunca debe perforarse.

Lo único que quedaba por hacer era pintar. La gama de pigmentos de los que se disponía en la época era limitada, en comparación con nuestros días. Se obtenían de lugares y maneras diferentes. Algunos eran preparados por el hombre, otros eran sales de corrosión. Los rojos se hacían a partir de colorantes naturales, mientras que los verdes y los castaños se extraían de la tierra. Otros se obtenían de rocas minerales, como la azurita o la malaquita. Algunos han perdido su color con el tiempo, y otros, como el lapislázuli, han mantenido su tonalidad y brillo intactos, por su gran calidad y pureza. Esta piedra semipreciosa se importaba de Afganistán o Persia y se mencionaba en el contrato la cantidad a usar por el pintor, a causa de su elevado precio.

Los pigmentos se molían con una piedra y agua. El proceso podía durar muchas horas. Generalmente lo hacían los ayudantes de taller. Si el color se molía demasiado, se perdía.

La técnica al temple se preparaba con yema de huevo, o huevo entero, mezclado con pigmento a partes iguales, y agua. Los pinceles utilizados solían obtenerse de la cola de algunos animales. Se pintaba a partir del punteado o del sombreado, y debían mezclarse 5 tonalidades de color y aplicarlos uno tras otro. Normalmente se seguían ciertas normas, como el uso de una capa inferior de tierra verde para el modelado de la carne. Después, se pintaba encima con blanco de plomo, bermellón y otros colores. Los colores y el modelado se sobreponían en capas finas que dejaban ver el verde de debajo. El resultado era más bien de apariencia naturalista.

Venus y Marte - Botticelli

A finales del siglo XV, hay un cambio importante de las técnicas pictóricas: aparecen los óleos secantes, de nogal o linaza. Este cambio provoca el abandono de la pintura verde de base y de otros muchos trucos que ya no eran necesarios. Pintores como Botticelli y Piero della Francesca adoptan la nueva técnica.

La técnica al óleo ofrece a los pintores una mayor fluidez y lentitud de secado, así como mayor libertad en la textura. En el siglo XVI, el óleo ya rivalizaba con la pintura al fresco. Ahora ya no se necesitaba un diseño previo de base, sino que se podían introducir cambios durante la ejecución de la obra, dándose una mayor arbitrariedad.

¿De dónde procede este arte que es a la vez dramático e ingenuo? Parece que tiene una raíz doble: de un lado, la síntesis de la silueta con unas rayas muy grandes y el aire hierático tiene una cierta influencia del mosaico bizantino, sometido a un proceso de revitalización en el sur de Italia; por otro, la influencia de las miniaturas de los códices mozárabes, que con la estilización de los dibujos, los pliegues paralelos y los trazos desorbitados, contribuyen a la pérdida del carácter de impasibilidad propio de los esquemas bizantinos para asumir la representación de las pasiones humanas.

Desde el punto de vista formal la pintura románica se caracteriza por los siguientes rasgos:

• Grueso dibujo que enmarca enérgicamente la silueta y separa cada superficie cromática con un trazo negro; esta intensificación sirve para explotar la fuerza del dibujo y construir formas.
• Color puro, sin mezclas o con dos tonalidades como máximo. Se prefiere el plano cromático porque permite obtener efectos violentos.
• Ausencia de profundidad y de luz. Las figuras se disponen en posturas paralelas como si tuvieran que rellenar un plano, y a menudo resaltan sobre un fondo monocromo o listado de franjas horizontales de tonos diversos. Como que los colores no están mezclados, las escenas no tienen vibración lumínica, ausencia que contribuye a resaltar con más fuerza la geometría de las formas.
• Composición yuxtapuesta, con preferencia por las figuras frontales y por la eliminación de cualquier forma que rompa el plano. Los grupos de figuras no se relacionaron hasta el románico tardío, hacia el 1200.
• En referencia a la concepción que inspira la técnica románica, se trata de un arte antinaturalista, como continuación del mosaico bizantino. El artista románico quiere plasmar vivencias religiosas, en lugar de reproducir formas reales. Este antinaturalismo explica la ausencia casi total del paisaje o su representación esquemática con elementos convencionales.

Maiestas Domini- Maestro de Peralta

A veces los gestos solemnes de la Maiestas Domini (Cristo en Majestad rodeado de los símbolos de los evangelistas), un tema muy representado en los ábsides, posee la grandeza de las amenazas apocalípticas; otras veces se adoptó una línea de inocencia infantil que da a las escenas de martirio un tono narrativo desprovisto de cualquier nota dramática. El género por excelencia es la pintura mural, pero también se han conservado obras notables sobre tabla, en los frontales de altar. Cataluña, donde la recepción de la tradición bizantina fue más intensa, y Castilla, donde las miniaturas tuvieron un desarrollo más amplio, son las dos escuelas pictóricas fundamentales.

Las tendencias simbólica y dramática del estilo se manifiestan con plenitud en las iglesias románicas catalanas. La mayoría de las pinturas se conservan en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, uno de los recintos más interesantes para estudiar el arte medieval. La técnica que utilizaron los pintores catalanes es compleja: para la primera capa recorrieron al fresco, pero retocaron y ampliaron la gama de colores con el temple y una solución grasa en la que debían mezclar óleo. La iconografía se inclinaba por la representación de la Maiestas Domini rodeado de los evangelistas o de sus símbolos, mientras los otros temas se reservaron para escenas de la vida de Jesús o de la Virgen, pasajes del antiguo testamento o a la corte celestial, e incluso a temas funerarios paganos, como en Pedret.

Crearemos una pintura sobre tabla simplificando la técnica que se utilizaba antiguamente. Todos los alumnos deberán tener una tabla de madera de medidas no muy grandes. Lo primero que haremos será lijarla para que no haya rugosidades que afecten el resultado final de la pintura.

A continuación, daremos una capa de yeso para obtener la absorbencia que necesitamos y dejaremos secar. Cuando esté seca, lijaremos y prepararemos una segunda capa, que también dejaremos secar y lijaremos con un papel de lija más fino que el primero. Ahora ya tenemos nuestra superficie lista para ser dibujada y pintada.

Cuando tengamos la base de madera preparada, nos dedicaremos al dibujo. Los alumnos podrán elegir entre crear un dibujo personal o copiar un fragmento de un cuadro antiguo. El dibujo se hará sobre papel, porque así se podrá modificar tanto como queramos, y se pasará posteriormente a la madera mediante la técnica del estarcido. Para ello agujerearemos su contorno con un punzón, colocaremos el papel sobre la tabla y marcaremos con un carboncillo dentro de los agujeros. A continuación, uniremos los puntos en la tabla y ya tendremos el dibujo perfectamente copiado.

Ahora pasaremos al color, y para ello deberemos preparar los colores nosotros mismos.

Mezclaremos el pigmento en polvo elegido con un poco de agua y le añadiremos dos yemas de huevo, removiendo hasta obtener una pasta homogénea. Más o menos seguiremos una proporción de 50% pigmento y 50% huevo. Para evitar que la mezcla se pudra, se pueden añadir unas gotitas de zumo de limón o de vinagre a la mezcla. Prepararemos unos cinco colores y los dejaremos listos para usar.

Luego aplicaremos los colores al soporte de manera libre y creativa, hasta obtener un resultado satisfactorio. Es aconsejable que los alumnos mezclen los colores entre sí para obtener una máxima riqueza tonal. También se puede jugar con las maneras de utilizar el pincel, y con empastes y capas finas y transparentes. Si se dan diversas capas, el resultado tenderá a ser más rico, siempre y cuando no se ensucien los colores.

El resultado podría ser parecido a éste:

• Carnación: color carne. Tono empleado en pintura para reproducir la piel humana, generalmente una mezcla de blanco y rojo.
• Colorido: conjunto de los colores de una obra pictórica.
• Fondo dorado: base cubierta total o parcialmente por una capa sobre la que se aplica la pintura en algunas tablas.
• Fresco: técnica de pintura mural en la que los colores son aplicados sobre el estuco fresco y todavía húmedo. Se conservan durante mucho tiempo cuando las condiciones climáticas son buenas.
• Pintura sobre tabla: nombre genérico de distintas técnicas, principalmente el temple y el óleo, ejecutadas sobre bases lisas y firmes.
• Repujado: decoración y labranza del metal o el cuero realizada mediante varas y prensas de acero. Esta particular técnica decorativa fue introducida en la pintura sobre tabla medieval a partir de la orfebrería.
• Retablo: obra de arte que adorna los altares. Al principio se trataba de trabajos de orfebrería o con figuras escultóricas, pero más tarde adoptó forma pictórica. Puede estar compuesto por un único cuadro o por varias tablas articuladas. Normalmente se eleva detrás del altar o sobre la parte posterior del mismo.
• Temple: técnica de pintura reemplazada progresivamente por la pintura al óleo a partir del siglo XV, y recuperada hacia finales del siglo XIX. Se caracteriza por emplear pigmentos mezclados con aglutinante.